A eso digo: ¡NO!

Negro que te quiero negro.

2011-03-25T20:44:00.005+01:00

El cine negro surge en los años 40 dando réplica a multitud de novelas y revistas sobre crimen que inundaban las librerías y que habían surgido tras la instauración de la Ley Seca, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial con el consiguiente aumento del crimen organizado que les siguió.

Si bien las historias de detectives y crímenes son muy anteriores, sería el cine el que daría forma a un género que, compartiendo elementos de aquellas, tendría en lo estético (y lo ético) sus propias normas y señas de identidad.

Hoy en día el film noir ha perdido gran parte de su presencia en las pantallas diluido por historias de asesinos en serie o policíacas que poco o nada tienen que ver con las clásicas películas de género negro. Así, el thriller se convierte en un cajón de sastre en el que se meten los clásicos argumentos de serie negra sin ninguna de sus convenciones visuales. Paradójicamente películas que nada tienen que ver con el género se ven influidas por elementos clásicos del cine negro (un ejemplo claro sería la película “Dark City”).

Afortunadamente para los amantes de lo negro la literatura ha seguido con la larga tradición de novela negra y vive en la actualidad una época de esplendor no sin ciertas licencias que nos siguen vendiendo lo que sería un thriller como una novela negra (a la serie “Millenium” me remito).

En el cómic sucede algo similar, en la actualidad podemos encontrar multitud de historias que sólo podrían clasificarse como género negro a pesar de lo variado de sus argumentos. Así, la historieta toma el relevo del cine en lo estético y adorna historias de crimen, venganza, corrupción y traición con gran parte de los convencionalismos clásicos de las películas del género: bares sucios llenos de humo y alcohol, figuras de autoridad corruptas, mujeres fatales, tipos duros, depravación moral, engaño, violencia, oscuridad...

Si hay un nombre que brilla con luz propia en los últimos tiempos es el del guionista Ed Brubaker con historias de puro género negro como “La escena del crimen” pero con muchas otras que sin estar circunscritas al mismo presentan todos los distintivos necesarios para serlo. Así en “Gotham Central”, co-escrita con Greg Rucka, nos adentramos en el día a día de una comisaría de policía y, si bien se alimenta del entorno superheroico del hombre murciélago, las historias están repletas de todos los elementos que hacen el género negro lo que es. Ocurre lo mismo con las historias de “Point Blank”, “Sleeper”, o “Incógnito” o sus etapa en “Daredevil” y “Catwoman” donde se mezclan personas con superpoderes con elementos del espionaje y thriller pero donde se respira “noir” en cada viñeta. Más fiel al género negro es “Criminal”, donde el guionista ha jugado con todos los aspectos tradicionales en historias clásicas de crimen.

Canción triste de Gotham City

Otro guionista a destacar es Brian Michael Bendis, sus primeras historias, que él mismo dibujó con un estilo oscuro y lleno de sombras, beben de la novela negra presentando personajes ambiguos y llenos de matices “Jinx”, “Goldfish” y “Torso” son grandes historias de género y “Fired”, más enmarcada en el espionaje no desentona entre ellas. Sus incursiones en el mundo de los superheroes también está llena de guiños a la novela negra y así “Sam & Twich” y “Powers” se sitúan en universos llenos de personas con superpoderes pero presentando historias de corte policíaco.

Por otro lado el sello Vértigo de Dc Cómics -del que ya he hablado en anteriores artículos- no deja de darnos alegrías y además de las series “100 balas” o “Blanco Humano” ha parido la línea Vertigo Crime donde se publican diversas novelas gráficas con el crimen como seña de identidad pero con multitud de referencias al género negro inundando sus páginas. En España Panini está editando estos cómics en su línea Panini Noir y destaca especialmente la historia “Asquerosamente rica” escrita por Brian Azzarello, autor de “100 Balas” y el español Victor Santos. Además se han editado, “Bronx Bill”, “El ejecutor”, “Área 10”, “Escalofrió”, “Ciudad de brumas” o la excepcional “Camino a la perdición” en la que se recopila la historia que dio título a la película homónima y además su secuela.

Nena, si tan asquerosas están pues no las chupes.

Sin duda estamos en momento esplendoroso para todos los aficionados a la novela negra.

A eso digo: ¡NO! (XII): Horror navideño

2010-12-16T20:34:00.005+01:00

No tengo nada en contra de la Navidad, no soy de esos que van por ahí diciendo cuanto la odian pero tampoco de los que en estas fechas se infunden de un impostado espíritu navideño. Me gustan las cenas típicas con toda la familia, hartarme de comer y dar y recibir algún regalito. Pero sí hay algo que odio profundamente: los villancicos.

Por alguna extraña razón los villancicos patrios parecen haberse quedado anclados en la posguerra (probablemente antes) y año tras año debemos sufrir incesantemente las mismas canciones, que si los peces en el río, que si el rompopopom, que si campana sobre campana, letras infantilodes, surrealistas, con toques castizos y calés y melodias que no desentonarían en el repertorio de Impero Argentina, caspa y más caspa supongo que para asemejarse a la esquiva nieve.

¿Por qué este estancamiento? ¿Es que nunca se va a, no digo innovar, pero al menos evolucionar un poco?

En esto sí que envidio a los Estadounidenses, temas folk, pop, country, rock; intérpretes como Sinatra, Elvis e incluso divas pop como Cher dan sus propias versiones de temas míticos o crean nuevas canciones que se suman a una larga lista de canciones navideñas que no parecen tener fin. Aquí nos damos un canto en los dientes si Raphael hace su Tamborilero sobrio o Rosana nos martiriza con una canción navideña.

¿Ejemplos? Primero el que quizá sea el mejor villancico jamás realizado:

O el mítico Christmas (Baby Please Come Home) de Darlene Love ya sea en una versión más actual...

...o en su reinterpretación más disco-pop por toda una diva en esto acompañada por la actriz-presentadora Rosie O'Donnell:

Y, por supuesto, no podemos olvidar este temazo que más de cincuenta años después sigue sonando actual:

Invencible

2010-11-11T21:31:00.002+01:00

No soy una persona violenta, demasiado reflexivo y un tanto apocado raramente muestro mis emociones en público y mucho menos doy muestras de ira de forma visible y ostentosa.

Así sólo he tenido un par de lo que se podrían llamar enfrentamientos físicos, excluyendo, por supuesto, los típicos entre hermanos. El segundo puedo presumir que fue por defender el honor de una dama y no pasó de unos forcejeo intentando propinar algún golpe y que dí por concluido cuando decidí que sin las gafas, que previamente me había quitado, no veía tres en un burro y que eso no eran formas.

La primera pelea también fue por un motivo noble, un día mi hermano pequeño que por aquel entonces tendría unos cinco años subió a casa llorando porque “unos chicos mayores le habían pegado”, decido bajé a la calle pensando que me enfrentaría a unos muchachotes que me doblarían en edad y tamaño pero resultó que eran aproximadamente de mi edad y estatura por lo que me decidí a pedir explicaciones al que parecía el líder del grupito. Este no parecía especialmente propenso a pedir disculpas cosa que deduje por el modo en que cerraba el puño y lo blandía hacia mi cara y cuando el golpe fatal era inminente simplemente... me aparté.

El puño golpeó el aire donde antes estaba mi cabeza, aquel chico estaba anonadado y visiblemente furioso y parecía decidido a darme una buena tunda, volvió a lanzarme el puño y de nuevo lo esquivé retrocediendo, el pequeño granuja estaba cada vez más furioso y lanzaba golpes a diestro y siniestro que yo a mi vez esquivaba una y otra vez. Su cara se iba poniendo cada vez más roja, tal vez por la ira o quizá por la vergüenza ya que sus compañeros de camarilla empezaban a verle la gracia al asunto. Finalmente descargó contra mi cara lo que, de haber alcanzado su meta hubiera sido probablemente un golpe mortal pero nuevamente esquivé su puño que fue a dar contra la pared hasta la que había retrocedido. Allí acabó todo, mientras se agarraba su ensangrentada mano decidí que pies para que os quiero y que allí no se me había perdido nada y en dos zancadas corrí hasta mi casa.

Todavía no entiendo cómo conseguí salir ileso de aquella situación pero aquel día me sentí como los personajes de los tebeos que leía.

Viñetas recomendadas: 100 balas de Brian Azzarello y Eduardo Risso

2010-11-11T08:03:00.003+01:00

Mi vida se había ido por el retrete, sin trabajo, sin dinero, con los de la condicional encima mío, una ex que me quería lo más lejos posible de mi chaval y encima este careto lleno de cicatrices que no miraría dos veces ni una ramera yonqui.

Pero ahí estaba ese viejo trajeado con el maletín negro, tenía pinta de exmilitar y una mirada que enfriaría el culo de Satanás. Abrió el maletín y pude ver su contenido, una pistola y cien balas junto a un sobre.

-En ese sobre están las pruebas de que todo lo que te ha pasado el último año no ha sido cosa del azar, hay un responsable y en esa maleta están los medios para que pague -dijo el “Agente” Graves acercándome el maletín-. Esa pistola y las cien balas son irrastreables, la policía no sabrá quién disparó ni qué arma fue, las pruebas se volatilizarán o se perderán en una maraña de burocracia, nadie te culpará, nadie te perseguirá. Tuya es la decisión de vengarte del que te ha arruinado la vida o seguir adelante lamentándote el resto de tu vida por no haber tenido huevos para hacerlo.

Miré su pétreo rostro con arrugas cinceladas, cogí la maleta y me marché.

Estuve días dándole vueltas al asunto, cogía la pistola, la cargaba y luego la volvía a descargar. Tenía un objetivo pero no estaba seguro de poder alcanzarlo.

El dibujo es muy expresivo, dinámico y con profundos contrastes de negro

Y entonces llegó el otro tipo, se presentó en mi puerta como si me conociera de toda la vida. El señor Shepperd también tenía ese aire marcial pero se le veía quemado, además me dio la impresión de que era de la acera de enfrente; me soltó no se que historias sobre una guerra de los tiempos de maricastaña cuando los primeros colonos llegaron a este gran país, un rollo sobre milicianos, un grupo llamado El Trust y unos soldados llamados Minutemen, cómo habían moldeado la historia de este país, alzado reyes y derrocado gobiernos, mencionó un par de veces la palabra magnicidio. Me dio la impresión que no se llevaba muy bien con el otro viejo. Pero todo lo que dijo no me importaba una mierda, sólo me preocupaba el frío peso que tenía en mi bolsillo.

Luego las cosas empezaron a ponerse raras de verdad, tenía una idea dando vueltas por esta cabezota mía, recordaba algo pero no sabía qué. Registré cajones y muebles y rebuscando entre las cosas de mi chico apareció una pila de tebeos, esa basura que solía leer a escondidas, uno de ellos me llamó la atención, se titulaba 100 Balas y lo escribía un tal Brian Azzarello, basura blanca de Cleveland, los dibujos era de un argentino llamado Eduardo Risso. Los dibujos estaban bien, con mucha sombra y los tipos le salían muy expresivos y bien caracterizados, no se mucho de dibujo pero este tío sabía lo que se hacía, además las nenas las hacía cañón de verdad. En la portada ponía que lo editaba el sello Vértigo pero se veía que la editorial era DC, la misma que publicaba esa porquería de tíos en mallas como Superman y Batman. Supongo que era para distinguir al público porque ponía un cartelito de “Recomendado para lectores maduros”.

Cae el telón tras 100 números

El título me intrigaba así que leí un poco y un sudor frío me recorrió la espalda, allí estaba el “Agente” Graves y el Sr. Shepperd, también estaba Dizzy Cordoba, la tía buenorra del barrio que acabó en la cárcel y a la que le mataron a la familia. Estaba el inútil de Lee Dolan al que se la liaron bien con el asunto aquel de los niños.

Y estaba el maletín con las cien balas.

Devoré número tras números, la historia se iba complicando cada vez más, al principio parecía que iba de gente a la que le daban el maletín, pero todo se enmarañaba con todo eso de El Trust y los Minutemen, cada vez aparecía más gente, como MiloGarret, el detective de la cara vendada o esa bestia de Lono, muchos de los milicianos eran reactivados para una guerra de clanes.

Era absorbente, complicado pero muy bien escrito, con esas frases cortantes que usan los capos del barrio y una ambientación urbana muy real, se notaba que el escritor conocía las calles y lo que se movía por allí. Se podía oler el humo y el sudor de los bares y casi se oía la música, blues y jazz no esa mierda hip-hop y Hanna Montana que oyen los chavales hoy en día.

Llegué al final, 100 números, como las 100 balas del título. Casi había olvidado que eso que leía estaba calcado de mi propia vida pero me daba igual. Ese tebeo me había enseñado si merece la pena matar por venganza y qué nos impide hacerlo y lo que ocurre cuando no hay consecuencias. Que existen poderes en la sombra que lo manejan todo y que no somos más que peones en el ajedrez de la vida.

Salí de casa decidido, el hierro de mi bolsillo ya no me pesaba tanto y su tacto era ahora cálido. Entré en la guarida de aquel que había destrozado mi vida, estaba de espaldas a la puerta y no se inmutó cuando apunté el cañón a su nuca, si todas esas historias eran ciertas podría acabar con él y salir impune.

Entonces noté algo moverse a mi espalda. Cuando escuché el disparo tras de mi supe que aquel tipo se equivocaba, sí que hay consecuencias. Vaya si las había.

Viñetas recomendadas: Cerebus, de Dave Sim y Gehrard

2010-07-25T13:02:00.009+02:00

Estamos sin duda ante el acontecimiento editorial del año. Por fin, después de más de 26 años desde que Dave Sim (1956, Ontario, Canadá) comenzara a autoeditar esta obra una editorial española consigue publicar este cómic traducido al castellano, algo a lo que el autor se había negado sistemáticamente alegando que cualquier traducción traicionaría su trabajo.

Y es que es imposible separar a Cerebus de Dave Sim, autor y personaje se confunden a lo largo de los ¡trescientos! números que componen esta monumental serie. En las 6000 páginas de este cómic Sim desarrolla y da vida (y muerte) a un personaje que es fiel reflejo de todas sus ideas, filias y fobias, un personaje que sufre cambios y evoluciona a medida que el autor lo hace en la misma medida.

Sim autoedita la obra alejado de cualquier gran editorial, dibuja, escribe, se encarga de la impresión y de la distribución intentando en todo momento desmarcarse de la fama underground de la autoedición y pretendiendo competir con las grandes editoriales. Y cumple su meta en todo momento incluso cuando grandes editoriales como DC Comics le tiran los tejos. Una labor única y titánica que no tiene igual en el medio. Además, firme defensor de los derechos de autor, compagina la edición de Cerebus con charlas, conferencias y labores de autopromoción por todos los Estados Unidos ayudando en gran medida a que autores como Jeff Smith y su Bone o los Elfquest del matrimonio Pini nacieran dentro de esa corriente de autoedición. Por otro lado los cantos de sirena de su éxito llevarían a la ruina a otros muchos autores.

No sé porqué me han entrado ganas de volver a ver Alf.

La serie comienza como una parodia de Conan y los cómics de Espada y Brujería que tan de moda estaban a finales de los setenta pero es a partir del número 20 cuando un cambio se produce en el cómic y se empieza a alejar de ese tono ligero para comenzar una lenta pero constante evolución hacia una larga narración de la vida del protagonista, un cerdo hormiguero antropomórfico que habla de si mismo en tercera persona, que le llevará a situarse en lo más alto de todos los estamentos sociales, políticos y religiosos (llegará a ser Papa), vivirá el amor y el desengaño, la decadencia y la vejez y, finalmente, la muerte; en un profundo análisis de los mecanismos del poder, el arte, la religión, la sociedad y las relaciones interpersonales.

Sim, esquizofrénico y con no pocos problemas de ego añadidos, empapa cada página con su particular modo de ver el mundo, así su propia y creciente misoginia y antifeminismo llegan a su punto álgido en un número 186 donde vertería todo su resentimiento hacia las mujeres producto de su propio divorcio. Su evolución hacia la radicalización y su ávido abrazo a una religión propia mezcolanza de judaismo, cristianismo e islamismo inundan la parte final de su serie alejando a crítica y lectores hasta llegar a ese prometido número 300 donde la agonía de Cerebus es paralela a la del propio cómic. Esto no resta el más mínimo mérito a varios de los arcos argumentales de la serie con momento francamente brillantes que le sitúan en lo más alto de lo que jamás se haya editado en cómic y con hallazgos narrativos y visuales sólo comparables a lo que hizo Will Eisner en The Spirit.

La narrativa es rompedora y arriesgada.

Si bien las ventas de este cómic nunca pudieron competir con las de editoriales como Marvel, Sim tuvo la inteligente idea de recopilar los sucesivos arcos argumentales en voluminosos tomos de más de quinientas páginas conocidos como “phone books” por su similitud con las guías telefónicas, que vendería directamente por correo saltándose toda distribución y que le harían prácticamente millonario. Nuevamente se adelantaría a su época en varios lustros anticipando los tomos recopilatorios que hoy en día son habituales en cualquier editorial.

La edición de Ponent Mont está a la altura de la serie y recopila el segundo tomo de Cerebus en un impresionante cómic de tapa dura con una cuidadísima traducción y rotulación que respeta al máximo el trabajo de Sim. La editorial, en una polémica pero inteligente decisión, ha prescindido del primer tomo de la serie cuya calidad e interés es bastante menor y comienza editando “Alta Sociedad” uno de los mejores arcos argumentales y el inicio de la evolución de la serie hasta sus más altas cotas. Si todo va bien prometen editar ese tomo en el futuro para contentar a completistas.

Un cómic y un autor que son Historia del cómic y que no deberían faltar en los estantes de todo buen aficionado.

Ahora sólo me queda leerlo.

Viñetas recomendadas: Las Serpientes Ciegas, de Felipe Hernández Cava y Bartolomé Seguí

2010-05-31T11:36:00.006+02:00

Felipe Hernández Cava (Madrid, 1953) es uno de los mejores guionistas que existen actualmente en nuestro país, un autor que siempre sabe dar un toque reflexivo y culto a sus obras, profundamente documentadas y con claros guiños a la literatura negra y el cine.
Las Serpientes Ciegas fue editada por entregas en la revista BDbanda en entregas de periodicidad irregular, su edición en álbum sería primero en Francia, donde fue elegida por los libreros galos como uno de los 15 mejores álbumes publicados en 2008. Tras su edición en nuestro país la obra ha obtenido los premios al mejor guión y mejor autor en el XV Salón del Cómic de Barcelona y el Premio Nacional de Cómic Español del 2009, así como los premios a mejor guión de historieta realista 2009 del Diario de Avisos y el IX Premio de la crítica 2009 al mejor guionista y a la mejor obra nacional.

Si bien el trabajo del guionista puede verse como otra incursión a nuestra guerra civil esa sería una definición demasiado superficial. La guerra civil está presente en algún capítulo pero es realmente la idealización de la política y una visión romántica e ingenua de una revolución que nunca fue el verdadero motor de las acciones de los protagonistas. Una visión quizá decepcionada del propio autor que plasma en el personaje de Curtis Rusciano, presentado inicialmente como líder iluminado abducido por los ideales revolucionarios comunistas y que deviene en traidor resentido en los capítulos finales.

Es sin embargo la propia estructura de la obra donde guionista y dibujante juegan su mejor baza. Dividida en siete capítulos que van adelante y atrás en el tiempo para ir colocando las piezas de un puzzle que tendrá en sus últimas páginas un sentido totalmente inesperado en un arriesgado giro que , sin embargo, no sólo no desentona con el resto de la obra sino que añade matices y profundidad a la personalidad de Ben Koch el protagonista principal de una obra en la que es más una marioneta de las personas, los acontecimientos y, sobre todo, del destino. Un destino que le busca en la forma del hombre que viste de rojo cuya presentación en las primeras páginas trae ecos de la mejor novela negra: «Me han encomendado la misión de encontrar a un hombre que incumplió un pacto».

The man in red

Así viajamos de la Nueva York de 1939 donde conoceremos a Red, un viejo idealista que vive esperando una revolución en la que nunca podrá participar, saltamos al Nueva York de 1936 donde Ben Koch llega huyendo de la policía de Detroit que le busca «por algo que no quiero recordar» que nunca nos será revelado pero que causará la condena final de Koch. Conoce a Red que le guiará por el clandestino movimiento comunista y donde conocerá a Curtis, la persona que cambiará su vida y que le llevará a luchar en la guerra civil en la España de 1938.

Sin embargo Koch no es una persona de grandes ideales, es alguien arrastrado por las circunstancias y manejado por aquellos con los que se cruza, Curtis le inicia en las ideas revolucionarias comunistas y el que, debido a un crimen, le obliga a huir del país, en España busca el refugio en las personas que conocen a Curtis y donde conoce el amor y nuevamente es arrastrado a luchar en una guerra que en otras circunstancias le hubiera importado bien poco.

Es precisamente en las trincheras donde volverá a encontrar a Curtis y descubrirá que el hombre que había idolatrado no es más que alguien resentido y desencantado para el que los ideales sólo son una manera de manipular a los demás para poder medrar en sus ambiciones.

Llegamos así a una resolución final en la que la venganza y los reproches llevan a los personajes a su clímax y, en un giro fantástico descubriremos quién es el hombre que viste de rojo y cuál es el destino final de Ben Koch.

¿Otra historia de la Guerra Civil?

Ilustrada por Bartolomé Seguí (Palma de Mallorca, 1962) que abandona su tradicional blanco y negro para ofrecernos una interesante paleta de color que añaden plasticidad a un dibujo de trazo grueso que se amolda perfectamente al guión narrando, sin experimentos ni sorpresas pero con ritmo, sin destacar por encima del guión. Un dibujo que recuerda al Miguelanxo Prado de Trazo de Tiza y cuyo color marca a algunos personajes desvelando lo que realmente son.

Una obra sobre el desencanto, la política travestida de altos ideales, la venganza y el destino al que nos llevan nuestros actos.

Viñetas recomendadas: Los Muertos Vivientes, de Robert Kirkman, Tony Moore, Charlie Adlar

2010-05-17T10:47:00.004+02:00

Con esta introducción presenta el guionista Robert Kirkman (E.E.U.U., Kentucky, 1980) su, hasta ahora, obra cumbre. Guionista todoterreno en el género superheroico donde su Invencible se ha convertido en todo un referente de la industria y un modelo de cómo construir una serie partiendo de elementos convencionales para crear algo distinto, fresco y original. Es, sin embargo, su serie The Walking Dead la que mayor prestigio y fama le ha dado con diversos premios como nuestro premio Expocómic 2006 al mejor guionista internacional y estando nominado este mismo año al premio Eisner a la mejor serie de continuará. Además este año ha empezado el rodaje de una serie basada en Los Muertos Vivientes en el joven pero prestigioso canal norteamericano AMC, conocido por la excepcional serie Mad Men. El piloto ya está en fase de producción a cargo del director Frank Darabont (Cadena Perpetua, La Milla Verde).

Los Muertos Vivientes es editada en EEUU En formato comic-book mensual de 24 páginas desde el año 2003 habiendo alcanzado en la actualidad los 70 números y que vienen siendo puntualmente recopilados en álbumes conteniendo 6 ejemplares cada uno y con portadas exclusivas para esa edición, en nuestro país este ha sido el formato elegido por Planeta DeAgostini para su publicación habiendo salido recientemente el tomo noveno alcanzando así el número 54 americano.

¿Qué nos encontramos en esta serie? Estamos ante un cómic de terror género zombie, una definición que se queda muy pobre ante el verdadero protagonista de este tebeo: la pérdida de la civilización y la búsqueda de una nueva vida en un mundo destruido. Más cercano quizá al genero post-apocalíptico que a un tratamiento puramente de terror el tratamiento del género zombie se hace respetando las normas que en su día definiría George A. Romero alejándose de los más recientes acercamientos al género que películas como 28 Días Después o Resident Evil nos han presentado, con zombies que no son exactamente muertos vivientes que acosan y atacan desenfrenadamente a los seres humanos.

Los muertos andantes -que sería una más correcta traducción- de Kirkman son torpes y lentos y sólo tienen en el número una verdadera ventaja frente a los humanos. Son una presencia constante en la serie -incluso en su ausencia- y son, finalmente, el catalizador de las emociones que realmente sustentan la trama. Porque es precisamente de esto, de las emociones, de cómo el ser humano se enfrenta a un mundo destruido y sin esperanza, de lo que trata este cómic. Lejos de intentar luchar contra la plaga que asola el mundo los protagonistas de la serie lo único que pretenden es adaptarse y restablecer algo parecido a una vida.

"Yo la tengo más larga"

La serie se narra desde el punto de vista de Rick Grimes, un policía que tras un altercado despierta de un coma en un hospital en un mundo que ya ha sido alterado por los zombies y que tras conseguir reunirse con su familia se dará cuenta que el nuevo estado de las cosas no sólo ha afectado al entorno sino también, y muy profundamente, a las personas. Haciendo surgir en muchos casos deseos, odios y rencillas que permanecían ocultos tras el status quo perdido. As como si de una guerra se tratase, los humanos han dejado de lado muchas de las normas que regían en la sociedad y en muchos casos han dejado salir algunos de los sentimientos reprimidos que ocultaban tras las estrictas normas de la civilización.

La serie contiene no pocos momentos terroríficos, pero son precisamente los más inquietantes aquellos que surgen de lo más profundo del ser humano, como la pareja de novios que decide suicidarse antes que enfrentarse al nuevo entorno o ese padre que conserva a toda su familia zombie en un granero a la espera de una cura que es imposible que llegue.

Porque los zombies de la serie no son personas infectadas por un virus que puedan curarse, son verdaderos muertos que han cobrado vida; hay también una verdad aterradora detrás: los seres humanos sí que están infectados por lo que sea que ha traído la plaga y, por tanto, cuando mueren pasan a ser zombies. No hace falta ser mordido por un muerto viviente -cosa que por otro lado conlleva una muerte segura- para acabar convertido en zombie, una simple enfermedad o muerte violenta añadirá un nuevo miembro a los muertos andantes.

Esta certeza es precisamente lo que hace perder toda esperanza a la humanidad, no importa lo que se luche por sobrevivir o combatir a las hordas que pretenden matarlos, al final todos acabarán en el otro bando.

Con un pulso certero Kirkman dosifica los momentos de acción y enfrentamiento contra los zombies con otros en los que sencillamente se dedica a profundizar en las relaciones de sus protagonistas, un grupo heterogéneo de supervivientes unidos por un mismo objetivo: vivir una vida normal. Así surgen amores, odios, alianzas y enfrentamientos en una continua evolución de los personajes, especialmente del principal protagonista, el ex-policía Rick, que pasará de optimista líder a tullido desequilibrado a dos pasos de la locura.

Con dibujos de Tony Moore en las primeras entregas (1978, Lexington, Kentucky) es pronto sustituido por Charlie Adlar (1966, Shrewsbury, Inglaterra), quizá peor dibujante que Moore pero competente narrador con un buen dominio de los claroscuros y una mejora paulatina que le convierten en un perfecto dibujante para esta serie que, por cierto y contra lo habitual en el mercado americano, se edita en blanco y negro.

"I'm a poor lonesome cow-boy..."

Un cómic altamente recomendable tanto si eres amante del género como si no, una lectura que atrapa número a número y un tebeo que se ha convertido en todo un referente en una industria dominada por las capas y leotardos.

Viñetas recomendadas: As Enemigo: guerra en el cielo, de G. Ennis, C. Weston y R. Heath

2010-05-01T12:06:00.007+02:00

El As Enemigo fue creado en 1965 por el guionista Robert Kanigher (1915-2002, E.E.U.U) y el mítico dibujante Joe Kubert (1926, Yzeran, Polonia) apareciendo en diversas cabeceras de corte bélico de la editorial DC Comics hasta los primeros 80. Sólo tendría una corta reaparición destacable en la novela gráfica de 1990 titulada As Enemigo: Amor de Guerra escrita y pintada por George Pratt. Habría que esperar al año 2001 para que apareciera publicada la obra que nos ocupa: As Enemigo: Guerra en el cielo que recientemente ha editado Planeta DeAgostini con guiones de Garth Ennis (1970, Hollywood, Irlanda del Norte) y dibujos de Chris Weston (1969, Rinteln, Alemania) en el primer capítulo y de Russ Heath (1926, New Jersey, E.E.U.U.) en el segundo y último.

El As Enemigo, fue concebido como sosias del mítico Barón Rojo y sus historias originales estaban ambientadas durante la Primera Guerra Mundial, resulta poco común que en aquellas historias el punto de vista fuese el de un enemigo, sin embargo, la visión atormentada del protagonista, la caballerosidad de los jinetes del aire, el honor entre pilotos y una visión algo distante de la violencia convirtió su trabajo en un clásico indiscutible.

Si bien los relatos clásicos se sitúan en la Primera Guerra Mundial el guionista irlandés Garth Ennis ubica su relato entre los años 1942 y 1945 durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial.

Hans von Hammer, “el martillo del infierno”, vive en su privilegiado castillo alejado de los acontecimientos que azotan Europa hasta que una inesperada visita del pasado le hará volver a los mandos de una nueva avioneta de color rojo. Sus motivaciones están bien alejadas del ideal de conquista nazi, Hammer luchará por su país y por todos esos jóvenes que el Tercer Reich está condenando a una muerte segura en Rusia, nunca por “un viejo perturbado y senil con un bigote a lo Charlie Chaplin”, pero también porque es lo único que sabe hacer.

El detallado dibujo de Chris Weston remarca la crudeza de ciertas secuencias.

A lo largo de las páginas el desencanto de von Hammer va creciendo y no duda en declarar que cree luchar en el bando equivocado lo cual le granjeará graves conflictos con sus superiores, tras ser derribado y caer en Leningrado podrá ver cómo es la verdadera batalla en tierra y su visión algo idílica de la guerra, a vista de pájaro, cambiará para siempre. Pronto se dará cuenta que no existe el bando correcto y que los pilotos como él manchan el cielo luchando en el paraíso. Finalmente, con la llegada de las tropas americanas y en una antológica escena en la que el Sgto. Rock -otra de las clásicas creaciones de Bob Kanigher y Joe Kubert- se encuentra cara a cara con el héroe alemán, von Hammer se entregará declarando que “su” guerra ha terminado.

Garth Ennis es un notorio guionista cuya obra ha sido principalmente editada en Estados Unidos siendo su obra más destacable Predicador un extenso trabajo que le hizo merecedor de diversos premios. Es conocido por sus historias irreverentes y su marcado carácter provocador pero también es notoria su afición a los relatos bélicos que ha plasmado en diversas historias recopiladas recientemente en el tomo Historias de Guerra por Planeta, su visión de la guerra es extremadamente realista, sucia y cruel independientemente de los bandos combatientes, sus relatos carecen de heroísmo y glorificación del combate, para él la guerra es muerte y destrucción tras oscuras motivaciones ideológicas y políticas. Así As Enemigo: Guerra en el cielo, abandona por momentos los hermosos combates en el aire para bajar al suelo y mostrarnos niños tiroteados, soldados crueles y violentos, civiles que caen en la antropofagia para sobrevivir, campos de concentración y oficiales fanáticos.

En la parte gráfica contamos con dos dibujantes a cual más diferente. Por un lado, en la primera historia de este pequeño tomo, contamos con el detallado y muy realista dibujo de Chris Weston, sus páginas, con un dominio absoluto de rostros y expresiones, destacan por la verosimilitud que reflejan. En la segunda parte del tomo contamos con Russ Heath es otro clásico del cómic, coetáneo de Kubert y compañero suyo en multitud de relatos históricos y bélicos y un estilo de dibujo que se asemeja bastante al maestro Kubert, con un dibujo menos detallista y acabado, pero igualmente expresivo y con un perfecto sentido de la narración, especialmente en las escenas aéreas.

Clasicismo y modernidad conviven perfectamente en las páginas de esta gran obra.

La industria del tebeo en España: situación y futuro

2010-03-07T08:02:00.004+01:00

Hablar de una industria de la historieta en nuestro país es casi una utopía, editoriales existen pero o son subdivisiones de grandes grupos editoriales o filiales extranjeras (Planeta, Panini, Glenat, Ediciones B) o son pequeñas editoriales prácticamente formadas por aficionados (Astiberri, Sins Entido, La Factoría, Dolmen) o simplemente son un pequeño grupo editorial con apenas un puñado de publicaciones (El Jueves, La Cúpula). Sólo Norma Editorial podría considerarse un gran grupo nacional que abarca cómic americano, europeo y manga con ventas importantes. Y, por supuesto, diversas editoriales de manga, algunas filiales argentinas, con un único tipo de producto en venta y un muy específico grupo de lectores.

¿Y los autores? Siempre queda un pequeño grupo de irreductibles que publican en nuestro país, el 90% restante trabajan para el extranjero, ya sea para el mercado franco-belga, el japonés o el americano. Paradójicamente la mayoría de sus obras acaban siendo editadas en nuestro país traducidas de dichas ediciones.

No siempre fue así, tras la guerra civil nuestro país conoce una edad de oro, especialmente en los años 40 y 50 con ventas de centenares de miles de ejemplares de pequeños cuadernos semanales y la popularización del término tebeo gracias al éxito de TBO y los personajes de Coll, Joan Bernet o Carles Bech.

No es un tebeo, es el TBO

El éxito de la editorial Bruguera, con múltiples cabeceras y la normalización de la “Escuela Bruguera” en la que los diversos autores se plegaban a una estructura narrativa de gag final y sorprendente, provoca en cierta medida que el cómic empiece a ser visto como algo exclusivo de la infancia, los férreos controles autocensores de la editorial da lugar a poca experimentación temática. La censura franquista controla además cualquier producto que venga de la influencia estadounidense, prohibiéndose los superheroes y la mayoría de productos de dicho país.

Así llegamos a los 70, la muerte de Franco provoca el auge de las revistas para adultos, así todos aquellos jóvenes lectores de Bruguera son ahora adultos que devoran revistas realizadas para ellos: Metropol, Cairo, Cimoc, El Vívora, Totem, Metal Hurlant, Dossier Negro, El Papus, El Jueves, Rambla, 1984 o Creepy invaden el quiosco… y acaban asfixiándolo. A finales de los 80 prácticamente han desaparecido todas y un mercado ha muerto. Los niños que leían El Jabato y el TBO abandonan definitivamente los cómics.

Inmenso Richard Corben

Así el mercado queda dividido entre los cómic de Ediciones B, meros herederos de Bruguera que viven de reediciones y Mortadelo y Superlópez, el cómic de superheroes importados de USA, la tímida presencia de álbumes europeos o nacionales y una ingente cantidad de manga que copa el mercado.El cómic ha perdido la respetabilidad que pudo ganar en los 70 y es visto como lectura para niños, el paso previo a lecturas ’serias’. El éxito de las consolas y la presencia de ordenadores e internet, convierten el cómic en un entretenimiento pasajero que raramente acompaña a la adolescencia y mucho menos a la edad adulta. Sólo el manga pica la curiosidad de los jóvenes, en parte por la presencia de anime en los múltiples canales televisivos y en parte por una estética similar a la de los videojuegos que consumen. No hay una cantera de lectores.

Actualmente las ventas apenas pueden alcanzar 3 o 4 mil ejemplares, lo justo para cubrir gastos, hay excepciones, claro, y el manga alcanza cifras muy superiores pero, en general, un cómic que venda más de 10.000 ejemplares ya puede considerarse un éxito. Hay editoriales que apenas cubren gastos y tapan con algún éxito las pérdidas de otros cómics y así poder permitirse publicar aquello que les gusta, aficionados convertidos en editores.

Visto el negro panorama ¿cuál es el futuro de la edición de cómic? Las pasadas navidades la tienda de libros en la red Amazon vendió más libros electrónicos que en papel, en nuestro país, como siempre, los editores son reacios a empezar la edición electrónica y ha tenido que ser una operadora, Telefónica, la primera que ha dado grandes pasos en esta dirección. En Estados Unidos la gran editora de superheroes Marvel ha empezado a vender sus cómics por internet, DC Cómics no irá a la zaga y no tardarán en hacerlo en diversos idiomas lo cual acabará con editoriales como Planeta o Panini que viven de la edición en español de sus materiales.

A falta de un formato que permita leer todavía cómics a color en una pantalla portátil, ligera y de gran autonomía (y no, el Ipad no es nada de ello) no tardaremos en ver libros electrónicos de pantalla tamaño revista, a color y con gran legibilidad con mínimo consumo de batería. De ahí a que la gente empiece a leer cómics en ese formato apenas quedan unos meses. Las editoriales tendrán que ponerse las pilas y empezar a ofrecer su catálogo en este formato, un formato que les ahorrará costosos costes de edición y distribución y les puede dar muchos más ingresos por un menor gasto. El papel quedará relegado a reediciones en formato álbum de lujo. Se seguirán publicando ediciones en tomo de Watchmen o Los Pasajeros del Viento. Pero las colecciones mensuales de Spiderman, Superman o Mortadelo quedarán para las pantallas electrónicas. El manga, habitualmente en blanco y negro ya se vende en formato electrónico en Japón con un éxito más que importante y será lo primero que podamos ver aquí hasta que llegué el color.

La tienda Marvel ya ofrece e-cómics. Incluso gratuitos.

No es una utopía, es el futuro que debería llegar o el medio quedará definitivamente muerto. ¿Será el fin de las editoriales tal y como las conocemos? Es posible que queden como meros distribuidores a nivel electrónico, quizá continúen ofreciendo sus servicios de edición, maquetación y traducción a las grandes editoriales extranjeras para adaptar las publicaciones a cada país y luego realicen ediciones en papel de los cómics más demandados. Las más pequeñas quizá puedan sobrevivir publicando su material más selecto y marginal con unos costes mínimos con lo cual incluso podrán tener beneficios con más frecuencia. El manga arrasará en las pantallas de los ebooks, como siempre.Igualmente es probable que el formato comic-book mensual de 24 páginas habitual en USA desaparezca en favor de las llamadas novelas gráficas, sin el encorsetamiento que obliga la producción mensual marcado precisamente por la distribución se podrán permitir ediciones aperiódicas con mayor número de páginas y más cercanas a las historias auto-conclusivas que a infinitas sagas-río.

El futuro está aquí, ¿quién dará el primer paso?

Viñetas recomendadas: María y Yo de Miguel y María Gallardo

2010-02-23T23:49:00.005+01:00

María tiene 12 años, una sonrisa contagiosa, un sentido del humor especial y tiene autismo.

Con estas palabras inicia Miguel Gallardo (Lérida, 1955) su trabajo María y yo. Premio Nacional del Cómic de Cataluña en 2008 y finalista en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona en el mismo año, estamos ante una obra de tintes autobiográficos del padre literario del conocido Makoki. Alejado ya de su faceta más gamberra y underground y tras un largo paréntesis en el que se ha dedicado a la ilustración en los últimos años ha retomado su carrera como historietista con cómics autobiográficos y una faceta mucho más sensible de lo que sus primigenios trabajos pudieran hacer creer.

Gallardo, en compañía de su hija María, nos relata algo tan sencillo como unas vacaciones en un cómic que es a la vez cuaderno de notas y recopilación de anécdotas y emociones. No hay estructura aparente ni en lo literario ni en lo gráfico. Pasamos de páginas de abigarrado texto con una única ilustración a otras donde la sucesión de viñetas mantiene la rigidez de cómic tradicional. Y muchos, muchos dibujos.

Gallardo sabe que en el complejo mundo interior de su hija las imágenes son importantes y que hacen feliz a María ya que le dan tranquilidad y un sentido a lo que para nosotros es cotidianidad, por lo que dibuja todo aquello que ve, en ocasiones como si viéramos a través de los ojos de esta niña. Su dibujo suelto, “en caliente” como lo define el Gallardo dibujante, transmite la cotidianidad de lo familiar pero también el afán de descubrimiento e inocencia del que sólo los niños parecen conservar. El tono es distendido, amable, cariñoso; así vamos sumergiéndonos en el día a día de un trastorno del que sabemos muy poco y para el que la gente no suele mostrarse especialmente sensible.

El autor nos instruye y alecciona sin ser moralizante, se lamenta de los que miran mal a su hija, con incomprensión y hasta desdén, nos enseña las grandes dificultades que pueden encerrar las cosas más pequeñas, nos hace entender que el muro que rodea a María puede ser alto pero no infranqueable y que detrás hay un mundo de cariño y risas.

Hay extractos del día a día mostrados con humor y un continuo asombro por las evoluciones de María y sus respuestas a lo que le rodea y hay momentos de grandes logros como cuando María consigue ponerse los calcetines con las dos manos o ese momento de felicidad cuando María le dice a su padre algo tan sencillo como “Tu y yo”. Delicadas piezas que conforman un acercamiento a una realidad para la que ni los médicos tienen respuesta.

El proyecto de María y yo se ha visto recompensado con la realización de una película de corte documental protagonizada por esta extraordinaria pareja. Además, el siguiente trabajo del autor junto al también premiado Paco Roca, Emotional World Tour, recopila, también a modo de cuaderno de viajes, anécdotas y experiencias de ambos autores en las diferentes entrevistas y presentaciones de sus premiadas obras por toda nuestra geografía. María está tan presente en este cómic como en María y yo y las referencias son constantes. Un complemento perfecto para este trabajo y también muy recomendable.

Viñetas recomendadas: 36-39. Malos tiempos, de Carlos Giménez

2010-02-14T22:36:00.005+01:00

Carlos Giménez es, hoy por hoy, el más grande historietista que ha dado nuestro país. Por calidad, volumen, interés y entrega, su trayectoria podría compararse a la del mismísimo Will Eisner, quizá el más grande autor de cómic de la historia. Giménez fue propuesto el año pasado como candidato al premio Príncipe de Asturias de las Artes con apoyos de más de cien personalidades de la cultura. No pudo ser, pero dicha propuesta ya engrandece a autor y medio.

Con más de 50 años de trabajo a sus espaldas, ha ofrecido un variopinto número de trabajos —historias infantiles, románticas, western, ciencia-ficción— y, sobre todo, un enorme volumen de obras de carácter autobiográfico o fiel reflejo de nuestra historia más reciente: gracias al memorable Paracuellos, donde nos narró su infancia en los internados del Auxilio Social, Barrio, donde contó su adolescencia, o Los profesionales, donde reflejó sus vivencias en la profesión tras emigrar a Barcelona, hemos podido seguir la posguerra y la transición desde sus ojos. Con Sabor a menta y sus Historias de Sexo y Chapuza entramos en la democracia y en el cambio social y sexual de nuestro país.

Carlos Giménez, una vida sentado ante el tablero de dibujo.

Tras unos años de cierta sequía en nuestro país, volvió con fuerza añadiendo nuevos álbumes a sus series Paracuellos, Barrio y Los profesionales. Pero ha sido su último trabajo el que le ha llevado de nuevo a recuperar el éxito y llamar la atención sobre su obra. Hablamos de 36-39. Malos tiempos, cuatro álbumes en los que Giménez sitúa la acción en nuestra guerra civil y especialmente en el sufrimiento de civiles durante la contienda.

Si bien el primer álbum nos muestra relatos de ambos bandos con historias de rencillas y venganzas personales es, con su segundo tomo, donde la obra toma forma como una sucesión de pequeñas historias, aisladas pero con cierto hilo conductor, en la que el protagonismo lo tienen las personas que padecieron la contienda, especialmente durante el asedio que sufrió Madrid. Civiles, personas anónimas, hombres, mujeres y niños que vieron su mundo vuelto del revés y cómo su vida tuvo que convertirse en una lucha por la supervivencia, evitando los tiroteos, las bombas y, sobre todo, el hambre.

Enfrentados diariamente al horror y la muerte, el hambre es la fuerza que mueve muchas de las historias, el dolor de ver morir de hambre a un hijo, las mezquindades egoístas de las personas peleando por un mendrugo de pan duro o la entereza de unos padres que alimentan su hambre con el gozo de poder dar a sus hijos un plato de mondas de patata.

Destaca especialmente la historia titulada Sito, una de las más largas de la obra, que golpea al lector en cada página hasta llegar a esa última viñeta en la que un niño acomoda un hueso de su sacrificada mascota en su caseta .

Giménez utiliza una estructura narrativa con profusión de textos de apoyo en los que, en tercera persona, introduce unas historias en ocasiones con final indefinido pero que sirven de perfecta muestra de diversas situaciones vividas por personas sencillas en tiempos extraordinarios. No hay lugar para héroes ni para hazañas bélicas, Giménez se sitúa en pie de calle, en portales, plazas y pequeños pisos semiderruidos, los protagonistas son vecinos que deben afrontar una guerra que les ha pillado en un bando y, con todo, continuar sus vidas como buenamente pueden.

La postura del autor es clara: «No soy neutral. Repito: no soy neutral. Créanme, he hecho tremendos esfuerzos por ser objetivo, ¡objetivo! Que nadie me pida que sea neutral ante el fascismo». Los arquetipos son evidentes, los malos son malos de verdad, su aspecto les delata mientras que los buenos lo son en grado superior, con rostros de bondad marcados por el dolor y el sufrimiento. En el cuarto y último tomo, tras la rendición de Madrid, surgen aquellos que debieron ocultarse henchidos de orgullo y dispuestos a tomar represalias contra muchos de los que, en algunos casos, les habían ocultado y ayudado en los peores momentos. Un vistazo al futuro que espera a los vencidos.

Sin embargo, los mayores ataques del autor no van contra opciones políticas o la división de bandos. Sus más duras palabras van dirigidas a la guerra y cómo saca lo peor de la gente: el miedo es lo que nos transforma en bestias. «¡¡MALDITO SEA EL QUE EMPIEZA UNA GUERRA!!».

El horror y la tragedia como sólo Carlos puede dibujarlo.

En el apartado gráfico, Giménez sigue fiel a su estilo semicaricaturesco, realista en escenarios y profundamente expresivo. Los personajes llevan sus sentimientos grabados en los rostros y cuerpos. Narratívamente es un trabajo menos arriesgado que otras obras, con una composición de viñetas clásica y profusión de primeros planos y planos medios que se dirigen de manera discursiva al lector. Sus niños han perdido algo del realismo que mostraron en Paracuellos y revelan un exceso de caricatura en contraposición a los adultos. El dibujo en general se ve más suelto y falto de volumen que en sus primeros trabajos, pero sigue siendo un vehículo perfecto para lo que Giménez quiere contar.

En la parte literaria el autor puede pecar de cierto maniqueísmo, pero se lo perdonamos porque estamos ante personas reales que se ven superadas por las circunstancias, que sacan lo peor —y a veces lo mejor— de sí mismas y que, a menudo, solo hacen lo que deben para sobrevivir. Hay mezquindad, egoísmo, crueldad, venganza y resentimiento; pero también generosidad, sacrificio, perdón y entrega. Hay horror y dolor; pero también humor y esa ternura que sólo este gran autor sabe sacar de sus personajes.

Tal vez no sea un cómic que pueda interesar al lector actual o aquellos ya hartos de que nos vuelvan a contar una y otra vez la Guerra Civil, pero las pequeñas historias llenas de humanidad de Giménez pueden ser extrapolables a cualquier conflicto o lugar.

Carta a los Reyes Magos

2009-12-18T19:46:00.007+01:00

Queridos Reyes Magos:

Este año he sido muy bueno, he trabajado lo justo y ayudado en las tareas de la casa, he tratado bien a mis gatos, les he dado agua y comida y he cambiado su arena regularmente, alguna vez se me ha olvidado, pero ellos han sido tan amables de recordármelo meándose en mi cama.

He conseguido que el armario de los tebeos no se caiga por su propio peso y que la pila de DVDs crezca con moderación.
He estudiado inglés y conseguido aprobar dos entrenamientos en ese idioma a pesar de ser incapaz de hablarlo con soltura.

He logrado engordar sólo dos kilos a pesar de tener que perder diez veces ese peso, pero a cambio no he hecho ejercicio ni pasado hambre.

También he conseguido mantener mi blog con una moderada actividad de entradas, aunque no lo lea casi nadie y no hagan comentarios.
Así que, de modo totalmente desinteresado y como recompensa me gustaría que me trajerais:

-Los DVDs de Dexter, Star Trek Espacio Profundo Nueve (a partir del tercero), la película de Slumdog Millonaire o las dos últimas del tito Clint.

-El cómic de María y Yo.

-Un reproductor BlueRay.
-Cualquier tomo del Batman de Neal Adams, de Carlitos y Snoopy o el de Dick Tracy. El tomo de Camelot 3000 tampoco me desagradaría.

-Un jamonero que impida que acabe otra vez en urgencias.

-Un jamón (para que el jamonero quede bonito).

-Una invitación a Spamalot (El musical).

Cualquiera de ellos me hará muy feliz e impedirá que cuando os vea en la cabalgata no sea yo el que os tire los caramelos a la cara.

También me podéis regalar cualquier cosa que se os ocurra y que consideréis que necesite o me vaya a gustar, a cambio prometo agradecerlo con una sonrisa y disimular mi decepción.

Un saludo y hasta el año que viene.

¡Felices fiestas a todos!

2009-12-14T12:39:00.003+01:00

En un blog sobre, entre otras cosas, cómics, no puede faltar mi particular felicitación navideña, esta vez con viñetas.

Pincha para ver en grande.

Top 10 de películas raras

2009-11-13T13:33:00.004+01:00

Entiendo por películas raras aquellas en las que:

-No hay manera de entender de qué trata la historia.
-Se emplea recursos narrativos, estilísticos y/o temporales de difícil seguimiento para el espectador que dificultan o imposibilitan la comprensión de la historia.
-El argumento es demasiado complejo, enrevesado o contiene conceptos científicos, filosóficos o abstractos que se escapan al espectador poco experimentado.
-Sólo el director sabe lo que se oculta tras la película.
-El director y/o guionista abusan de las drogas.

De todas las películas que he visto yo seleccionaría las siguientes como las más extrañas o incomprensibles:

1ª Inland Empire de David Lynch.
Vaya por delante que Lynch es uno de mis directores favoritos. Su nombre es sinónimo de rareza y excluyendo dos o tres películas de su filmografía (Una Historia Verdadera, El Hombre Elefante y, si me apuras, Dune) el total de sus films sólo pueden catalogarse como películas raras. Unas más accesibles, como Terciopelo Azul o Corazón Salvaje y otras bastante menos, como Cabeza Borradora, Carretera Perdida, Mulhollan Drive o el largometraje de Twin Peaks. Pero con Inland Empire la cosa se sale de toda escala. El propio Lynch ha contado, aparentemente en broma, que ni él mismo sabía lo que rodaba y que se limitaba a grabar imágenes según aparecían en su cabeza. La empanada mental toma tres horas de desaforado metraje en el que historias dentro de historias, personajes desquiciados y enfermedades de la mente (y el espíritu) zarandean al espectador dejándole extenuado y dudando de todo lo que ha visto (y de porqué lo ha visto).

Yo me tragué enterita Inland Empire y sobreviví

2ª Donnie Darko de Richard Kelly.
Para empezar con esta película hay que entender que estamos ante un film de ciencia-ficción aunque pueda no parecerlo. Para comprender lo que sucede hay que estar al corriente de conceptos como Universo Tangencial y Universo Primario, Artefactos, Agujeros de Gusano, Paradojas Temporales y demás parafernalia científico-filosófica. Todo ello para narrar una historia de tierras paralelas y colapsos universales en las que nuestro heroe, Donnie Darko (atención a la aliteración de nombre y apellido típica de los superheroes), ha de sacrificar su vida para salvar el mundo. Extraña pero absorbente con momentos terroríficos (las apariciones de el conejo monstruoso) es una de mis películas favoritas en las que cada nuevo visionado aporta nuevas piezas a un puzzle en el que el director aparentemente ha escondido varias piezas.

3ª La Ciudad de los Niños Perdidos de Jeunet y Caro.
La imaginación al poder en esta imprescindible cinta en la que a modo de cuento infantil se nos narra una fantástica historia sobre la inocencia infantil y los sueños. Plagada de ideas y conceptos repletos de sentido de la maravilla y con una narrativa frenética llena de extraños encuadres y primerísimos planos resulta francamente estimulante.

4ª Brazil de Terry Gilliam.
El ex-Monty Python nos ofrece esta película de culto en la que presenta una distopía burocrática de la que nuestro protagonista, un impresionante Jonathan Pryce desea escapar, aunque sea sólo en sueños o, finalmente, en su propia locura. Atrapado en una trama kafkiana por la simple intromisión de una mosca verá su vida irremisiblemente arrastrada al desastre al intentar rebelarse de la monstruosa maquinaria burocrática y paranoica que dirige el mundo. Un montaje de vértigo y la imaginería típica del director dan redondez a esta extraña película.

5ª Pi de Darren Aronofsky.
Una nueva incursión en la ciencia-ficción con conceptos filosóficos y morales como la representación numérica del nombre de Dios. Un personaje obsesionado por encontrar un sentido matemático a la vida y el universo que busca, curiosamente dado lo materialista que resulta, una fórmula matemática que prediga los movimientos de la bolsa se verá inmerso en una extraña conspiración cuando un grupo de místicos judíos le explique las resonancias matemáticas de la cábala. Rodada con cuatro duros en un opresivo blanco y negro y con un montaje de planos cortos que le dan un ritmo sincopado extremo y tan desquiciado como la psique de nuestro protagonista.

6ª Primer de Shane Carruth.
Una de esas películas de las que tras el primer visionado nos queda la sensación de que alguien nos ha tomado el pelo pero que a medida que intentamos analizar lo visto nos damos cuenta de la complejidad que entraña. Si Pi se rodó con cuatro duros ésta lo hizo con tres y comparte con la película de Aronofsky varios puntos, aquí los protagonistas, unos geeks de la ciencia, descubren un singular método de viajar en el tiempo y poder enriquecerse invirtiendo en bolsa, cuando descubren que pueden cambiar aquello que no les gusta de su pasado la cosa se desmadra bastante. Resulta divertido escuchar los absurdos diálogos para besugos y pseudo-científicos de estos sujetos llenos de palabros sin pies ni cabeza y el curioso método para viajar en el tiempo que utilizan, básicamente encerrarse en un trastero respirando de una bombona de oxígeno. Originalísima propuesta que requiere de varios visionados para su perfecta comprensión (o no).

7ª El almuerzo desnudo de David Cronenberg .
Otro director como Lynch cuya filmografía está llena de películas extrañas y retorcidas. Videodrome, Crash, Inseparable, Spider o Existenz son buena muestra de que lo suyo no son los films de corte clásico pero con esta adaptación del universo de Burroughs, típica película psicotrópica a la que sólo se puede acceder desde la simbología y las obsesiones del escritor y la peculiar visión del director.

"Creo que esta va a ser la última copa que me tomo hoy"

8ª Cómo ser John Malkovich de Spike Jonze.
Con un guión del genial Charlie Kauffman del que han surgido no pocas películas extrañas y maravillosas como Adaptation, Human Nature o Olvídate de mi es una película en la que los elementos surreales y fantásticos se dan la mano para adentrarnos en un mundo en el que las ideas más absurdas se nos antojan plausibles. Divertida, irreal, romántica y terrorífica a partes iguales.

9ª Corre Lola, Corre de Tom Twicker.
Su prólogo nos explica claramente lo que vamos a ver, una sucesión de momentos en los que las decisiones o hechos fortuitos pueden cambiar el destino. Al ritmo frenético con el que corre la protagonista asistimos una y otra vez a una carrera desenfrenada en la que pequeñas decisiones como saltar o sortear un obstáculo pueden decidir la vida y la muerte de los personajes. No es una película especialmente inaccesible pero sí que presenta una idea que sin ser especialmente novedosa (ahí está Atrapado en el Tiempo por ejemplo) sí que lo hace con una presentación y estructura original.

10ª Punch-Drunk Love (Embriagado de amor) de Paul Thomas Anderson.
Estamos ante otro director más que interesante poseedor de un universo propio lleno de personajes desquiciados y desequilibrados, a menudo obsesionados, ya sea por el dinero, el poder, el sexo o, como en este caso, por un ideal romántico de lo más retorcido. Siendo en apariencia una sencilla ¿comedia? romántica es en la rareza de los propios personajes, su comportamiento extremo, a veces violento, a veces patético, donde reside lo extraño de este curioso film. Con momentos ridículos, situaciones absurdas y diálogos sin sentido la película hace que sintamos simpatía por su trastornado protagonista y su particular historia de amor.

Hay, por supuesto, muchas más que podrían estar en este personal ranking: El ansia, Cronos, varios films de Greenaway, las películas japonesas de Tetsuo, Anticristo de Lars Von Trier, Irreversible... pero me quedo con las expuestas. La mayoría me han gustado, otras no pero todas son interesantes y proponen una visión diferente al cine que estamos más acostumbrados.

Tebeos en píldoras

2009-09-30T19:47:00.007+02:00

La vida del lector de cómics es dura, hay que luchar contra la avalancha de novedades mensuales, los precios de los tomos, el espacio menguante en las estanterías y, sobre todo, la temible pila de cómics atrasados. Afortunadamente de cuando en cuando encontramos un rato entre el tiempo que dedicamos al PC, a ver películas y series y a vivir una vida más o menos convencional.

De los últimos cómics que he leído me gustaría destacar los siguientes:

El dulce hogar de Chi, manga realizado por Konami Kanata.

Con un dibujo sencillo que recuerda al de la genial Yotsuba! Estamos ante uno de los pocos mangas que se editan a color. Reconozco que siento debilidad por los gatos y que los mangas de corte humorístico-costumbrista como Shin-Chan me encantan, así que con esta serie disfruto doblemente. No se puede negar la originalidad de esta serie narrada desde el punto de vista de una pequeña gatita que tras perderse acaba en el hogar de la típica familia japonesa. Lejos de las burradas de la delirante Ebichu el humor de Chi es más familiar pero igualmente efectivo, si eres conocedor de los felinos no dejará de asombrarte la capacidad de la autora de explicar los comportamientos de los gatos visto a través de los ojos de la pequeña Chi.

Me pareció ver un lindo gatito

Invasión Secreta, escrita por Brian M. Bendis y dibujos de Leinil F. Yu.

El penúltimo mega-evento de Marvel empieza a dar muestras de que esto ya empieza a ser una fórmula, tras Dinastía de M, Civil War y, en menor medida, World War Hulk la consecución de saga tras saga sin dar tiempo a explorar cada nuevo status quo creado, empieza a cobrar factura a los lectores que como yo preferiríamos que se aprovechara cada cambio para crear nuevas historias en lugar de volver a machacar lo conseguido sin apenas desarrollarlo.

Invasión Secreta empieza bien, con una invasión de Skrulls a nuestro planeta no sólo desde fuera sino también desde dentro con numerosos agentes escondidos tras la identidad de todo tipo de personajes Marvel. En algunos casos resultan lógicos pero otros son bastante forzados y poco creíbles como el caso de Hank Pim, quizá lo mejor de esta saga sea recuperar a Pajaro Burlón un personaje al que cogí mucho cariño desde la ya clásica miniserie de Ojo de Halcón. También hay muertes, claro, pero ya sabemos que en los universos de papel las muertes nunca suelen ser definitivas.

Spiderman contra Spiderman

Supergirl, escrita por Peter David y con dibujos de Gary Frank y Leonard Kirk.

Planeta apuesta por el formato mega-tocho y publica completa la serie de Supergirl en cuatro tomos de más de quinientas páginas a un precio más que aceptable.

Soy de los pocos pirados que siguió esta serie cuando la “editó” la mexicana Vid en nuestro país, incluso compré algunos números por correo vía Argentina cuando desaparecieron del mapa. Y es que pocas obras de Peter David me suelen decepcionar.

Tomando de base la Supergirl creada por Byrne en la serie de Superman sin vínculo alguno con Kriptón pero con un ojo en la encarnación pre-Crisis y la personalidad de Linda Danvers, David se las ingenia para fusionar pasado y presente y dar forma a una nueva Supergirl vinculada con los ángeles y con continuas referencias a la mística judeo-cristiana. Sin renunciar al humor que le caracteriza la serie explora la psique de esta superchica que comparte alma con una joven más que problemática. Lastrado por los continuos mega-eventos de DC David se las apaña más que bien para contar lo que le interesa y presentar un amplio abanico de secundarios. El dibujo de Gary Frank en los primeros números resulta brillante con su mezcla entre Bolland y Davis y bastante menos rígido que en series más recientes, la sustitución por Leonard Kirk con un dibujo menos limpio y detallado no resta interés a una serie que, habiendo sido publicada durante más de ocho años podremos leer en apenas cuatro meses.

Supergirl contra, estooo, Supergirl

Capitán America de Brubaker y varios dibujantes.

El Capitán America es una serie que ha atravesado múltiples etapas de lo más interesantes pero que en nuestro país nunca ha tenido demasiado éxito probablemente porque se le vincula a una visión imperialista de Estados Unidos, nada más lejos de la realidad, el Capitán America que devolvío a la vida Stan Lee en el mítico Vengadores nº 4 es una persona desar

raigada y fuera de su tiempo que representa unos ideales que, probablemente, ya apenas existan excepto en una idílica versión del sueño americano.

El Capitán America de Brubaker, por otro lado, deja algo de lado estas cuestiones para centrarse en historias de puro espionaje o complejas conspiraciones de villanos. Tiene además el mérito de devolver a la vida un personaje como Bucky Barnes que llevaba más de cuarenta años muerto de un modo que no resulta risible. La serie, por otro lado, peca de un ritmo más bien lento y un abuso del decompressive que hace que los números se acumulen sin que aparentemente ocurra nada importante, pero que vistos en conjunto presentan numerosas tramas y puntos de interés. Es posible que en algún momento la serie de

muestras de agotamiento aunque, de momento, Brubaker está aportando una etapa que será histórica.

Capitán América contra... vale, me rindo

Descanse en paz

2009-09-21T17:10:00.002+02:00

Desde A eso digo: ¡NO! nos queremos sumar al recuerdo del recientemente fallecido Yoshito Usui dando constancia a través de esta entrada de nuestro luto y pena. Siempre le recordaremos con cariño como el entrañable autor de su obra más conocida, Crayon Shin-Chan, la cual se ha convertido para muchos en una parte imprescindible de nuestra cultura popular.

Descanse en paz, Usui-Sensei.

Películas clásicas que me marcaron

2009-08-20T20:49:00.006+02:00

Hace muchos, muchos años, en televisión se emitía cine clásico... y en horario de máxima audiencia. Entonces sólo había dos canales y uno de ellos, que emitía en UHF (lo normal hoy en día) o se veía mal o no se veía. Eran los tiempos de Sábado Cine, La Clave, Primera Sesión, Mis Terrores Favoritos, Con “H” de Humor y Cine Club con sus ciclos dedicados a actores o directores. Ciclos maravillosos como los dedicados al melodrama, al musical, al cine negro o a Alfred Hitchcock que supongo no había género lo suficientemente grande para abarcarle.

Los que tuvimos la suerte de vivir está época pudimos disfrutar de lo mejor del cine clásico y, por qué no admitirlo, de lo mejor del cine. Algo a lo que directores, productores y guionistas actuales deberían mirar y sentir vergüenza de si mismos.

Eran tiempos más inocentes para mí, cuando todas las películas eran en blanco y negro porque no se emitía en color o, más tarde, porque un televisor en color era un lujo que tardaría en llegar a casa. Cuando hoy en día uno está ya curtido tras ver miles de películas es difícil que ir al cine se convierta en una experiencia nueva, que algo pueda sorprendernos, asustarnos y, mucho menos, impactarnos. Pero entonces, cada película se convertía en un momento maravilloso y las sensaciones que me invadían eran nuevas y profundas, en ocasiones dejando una huella que, a día de hoy, sigue imborrable.

No son todas pero sí las que mejor recuerdo.

“La mujer del cuadro” es todo un clásico del cine negro con un Edward G. Robinson que, habiendo nacido para encarnar a un gangster, en esta película era un pobre hombre enredado por la mujer cuyo retrato observa todos los días, así se verá involucrado en una oscura trama. La película se estrenó con el novedoso recurso de un cartel rogando al público que no revelase su final. Un final que, aunque probablemente no empleara una argucia original, sí que lo utilizaba como giro final inesperado. Y vaya si lo sería para mí que todavía lo recuerdo como una sorpresa.

Por favor, cuando vea la película no cuente a nadie el final

“Capitanes intrépidos” despertó en mí la pasión por las aventuras, historia de duros marineros con corazón de oro, todavía recuerdo la canción que Spencer Tracy cantaba a su joven pupilo pero lo que realmente me marcaría sería la escena donde Tracy encuentra su final.

Con “Furia” volvería a encontrarme con Tracy y Lang en otra impactante película en la que un buen hombre se ve arrastrado por las casualidades y es linchado por una jauría humana. El posterior juicio contra esa gente y una inesperada aparición hacen un maravilloso retrato sobre la humanidad y lo peor de ella.

“Caravana de mujeres” no soló significaría mucho para mí, se convertiría en todo un fenómeno social haciendo que en nuestro país se reprodujeran diversas “caravanas de mujeres” en busca de un marido. Es una película que recuerdo con especial cariño ya que mi padre, poco o nada aficionado a ver películas, la disfrutó como nunca había visto en él y se pasó días riéndose rememorando a “cara-caballo”.

“La invasión de los ladrones de cuerpos” no pude terminar de verla en su día pero la escena en la que las famosas vainas se abren expulsando cuerpos humanos copiados alimentó mis pesadillas una buena temporada, años después pude verla completa y descubrí que la película seguía resultando inquietante y aterradora.

Mucho me temo que no es una lechuga

Con “Los crímenes del museo de cera” me ocurrió algo parecido, cuando la vi me dio auténtico terror y todavía me acuerdo como intentaba ignorar la pantalla del televisor haciendo como que leía un tebeo. No sirvió de nada y aquella noche fue de pesadilla, para más inri todas las semanas viajábamos al campo y al pasar al lado de el Cerro de los Ángeles me encontraba con un cartel que anunciaba el museo de cera de Madrid lo cual sólo servía para despertar mis terrores nocturnos.

“La mosca” y “El increíble hombre menguante” son otras dos películas que el genial Narciso Ibañez Serrador tuvo el buen gusto de ofrecer en “Mis terrores favoritos” para mayor prejuicio de mi asustadiza persona. Si la escena de “La mosca” en la que la esposa quita la capucha a su mutado marido ya es terrorífica el final, con la mosca con rostro humano rogando por su vida, es para dejarle a uno hecho polvo. De “El increíble hombre menguante” no he olvidado la escena del gato o la de la araña.

"Cariño, no es lo que parece"

“Tarzán de los monos” con el único y verdadero Tarzan que nos ha dado el cine es otra película inolvidable. “Angawa” y “yuyu” siempre estarán en mi vocabulario. Tanto me gustaban las películas de Weissmuller que en una ocasión fingí encontrarme enfermo para no tener que ir a clase por la tarde y poder ver una de sus películas.

De "El asombro de Brooklyn" no puedo olvidar el día que la vi, un 24 F en el que, por razones que no terminaba de entender, las televisiones habían dejado de emitir su programación habitual y no había colegio “por si acaso pasa algo”. Afortunadamente no pasó nada tan malo como podía haber ocurrido y pudimos disfrutar de Danny Kaye boxeando al ritmo de El Danubio Azul.

De “Psicosis” poco hay que decir. La escena de la ducha ha alimentado las pesadillas de varias generaciones y, en mi caso, no fue menos. Aunque lo que realmente me marcó es la escena final con un Norman Bates recluido del que ya no queda nada excepto la desquiciada mente de su madre.

También la comedia dejó recuerdos inolvidables, “La fiera de mi niña” es una película modélica de principio a fin, aunque lo que yo más recuerdo es a Katherine Hepburn con el tigre equivocado mientras Cary Grant canta aquello de “todo te lo puedo dar menos el amor, baby”

Todo el mundo conoce a Chaplin, Buster Keaton o El Gordo y El Flaco pero quizá no todos conozcan a Harold Lloyd ya que sus películas (por una cuestión de derechos) no son tan emitidas. Sin embargo en mi infancia se emitió un programa llamado algo así como “El mundo de Harold Lloyd” que ofrecía un refrito de escenas de sus películas. Ahí me aficioné a este actor pero cuando emitieron un ciclo sobre él y pude ver “El hombre mosca” caí rendido. Creo que nunca me he reído tanto pasándolo mal.

"Ay, que me caigo" Ah, no, que esa era otra.

Afortunadamente para mí, cuando vi por primera vez “La semilla del diablo” no supe entender del todo su título (más bien el ridículo título con que se estrenó en España) y pude llegar al final sin prever lo que iba a ocurrir. Evidentemente la sorpresa fue mayúscula y la dichosa canción de nana de los créditos finales me daría no pocas noches de sudores fríos.

Finalmente no puedo dejar de recordar la malsana “¿Qué fue de Baby Jane?”, no he podido olvidar su perversa trama y lo retorcido de su desenlace. Una de esas películas que atraen por lo desagradable y enfermizo de sus personajes.

Cómo destrozar el final de una película desde la carátula de un DVD

Hay más, muchas escenas que han quedado guardadas en mi memoria como aquél hombre perseguido por una avioneta, ese otro que caía muerto tras una agonía después de que un supuesto oftalmólogo le pusiera unas gotas en los ojos, “ron, ron, ron, la botella de ron”, los niños clonados de Hitler, la chica cuya cabeza daba vueltas, el principio de una gran amistad, Rosebud, un cohete llamado Calabuch, la “probe” chica convertida en dama, la Estatua de la Libertad enterrada en una playa...

A eso digo: ¡NO! (XI)

2009-08-01T13:59:00.002+02:00

CRISIS, WHAT CRISIS?

2009-07-16T14:11:00.001+02:00

Si por algo amo los cómics de superheroes es por esa cohesión interna que tienen, formando un universo unitario con una continuidad y en el que los actos que ocurren en una serie afectan al resto.

Así los cruces entre series vienen siendo algo habitual desde hace décadas y no resulta extraño que Spiderman se codee con Lobezno o Superman se dé de tortas con Brainiac con una ayudita de el Detective Marciano.

Con la llegada de los grandes crossover o grandes eventos la cosa se magnificó y la plana mayor de cada universo superheroico se reunía para combatir grandes amenazas. Si bien en DC ya llevaban años reuniendo a los dos grupos más importantes de dos de sus universos (Tierra 1 y Tierra 2, pero eso viene luego), la Liga de la Justicia y la Sociedad de Justicia, no es hasta la llegada de la miniserie Contest of Champions, publicada en 1982, cuando se agrupase a prácticamente todos los personajes de una editorial, en este caso Marve,l en una historia. La miniserie no tuvo la repercusión esperada, posiblemente porque la historia no era gran cosa, pero su mayor defecto fue que lo que allí aconteció no tuvo ningún reflejo en las series de la casa.

Esta es una manifestación ilegal, disuelvanse.

Tendría que llegar, un par de años más tarde, la maxi-serie de 12 números Secret Wars para inaugurar un nuevo tipo de mega-cruce de personajes en el que lo que allí ocurría afectaría a la mayoría de los personajes implicados. Así el mismo mes que daba su aparición la maxi-serie en casi todas las publicaciones de Marvel se podía ver cómo aparecía una especie de portal dimensional en medio de Central Park y allí se adentraban los personajes de cada cabecera. En el siguiente número de cada serie los personajes salían por la misma puerta por la que habían entrado con diferentes cambios tanto físicos (el famoso traje negro de Spiderman, por ejemplo) como mentales (Hulk volvía más salvaje que nunca). El porqué de todos esos cambios se vería durante los siguientes meses en las Secret Wars.

¡Al ataquerl!

Las Secret Wars, pese a ser una historia entretenida no tuvo muy buenas críticas, la trama era sencilla en exceso y a lo largo de la serie prácticamente sólo eramos espectadores de diversas ensaladas de tortas entre héroes y villanos. Sólo se salvaba el personaje que había provocado todo, el Todopoderoso (Beyonder en el original inglés, nada de reminiscencias bíblicas) y el dibujo de un Mike Zeck que, por otro lado, no daba precisamente lo mejor de sí mismo, además fue sustituido por un mediocre Bob Layton en algunos números. A pesar de todo la serie vendió una barbaridad dando origen a una secuela y provocando la llegada casi anual de nuevos eventos que agruparían a todo el universo Marvel.

Mientras se publicaban las Secret Wars, DC Cómics empezó a editar la que sería, hasta el momento, la mejor gran saga superheroica jamás publicada: Crisis en las Tierras Infinitas. Dicen las malas lenguas que a Jim Shotter, por entonces editor de Marvel, le llegó la noticia de la futura publicación de tal evento y se puso manos a la obra para escribir sus Secret Wars y poder editarlas antes que DC sacara su propia maxi-serie. Visto los resultados no resulta descabellado pensar que así fue.

Crisis en las Tierras Infinitas fue guionizada por Marv Wolfman y dibujada por George Perez, una pareja que había llevado a Los Nuevos Titanes a la gloria, compitiendo en popularidad y calidad con La Patrulla X de Claremont y Byrne. A lo largo de varios meses y especialmente en la serie de los Titanes, se había podido ver a un misterioso personaje, ubicado en un satélite en órbita a nuestro planeta, acompañado por una joven y maquinando en las sombras. Aparentemente se trataba de un villano ya que una de las cosas que hacía era vender armas de alta tecnología a villanos, sin embargo en las Crisis descubriríamos la verdad. De todos modos todo hace pensar que los planes de Wolfman para el personaje eran muy distintos y que con las Crisis en perspectiva rehizo sus ideas convirtiendo a dicho personaje, El Monitor, en la fuerza motor de la serie.

Que sí, que sí, que Supergirl a muerto. Y yo voy y me lo creo.

En aquellos tiempos el Universo DC era bastante caótico, no se trataba de un universo único sino de varios. Desde la mítica historia "El Flash de dos mundos" en la que el personaje de Flash de aquellos tiempos se encontraba con el Flash que DC había editado durante los años 30 ubicándolo en Tierra-2, una tierra paralela a Tierra-1 en la que sobrevivían los personajes de la Edad de Oro. Con los años irían apareciendo nuevas tierras paralelas como Tierra 3 donde los heroes de Tierra-1 eran villanos y Lex Luthor el mayor héroe del planeta, incluso existía una Tierra-Prima que sería nuestro propio universo. Además, con los años DC había ido adquiriendo editoriales y derechos sobre diversos personajes y los había ido ubicando en sus propias tierras paralelas. Así el Capitán Marvel y familia habitaba en Tierra-S y los personajes de Quality Cómics eran colocados en Tierra-X.

Todo esto sumado a diversos universos futuros, como el de La Legión de Superheroes, había vuelto el mundo los personajes DC en algo demasiado farragoso y complicado de abordar por los nuevos lectores. Wolfman utilizaría sus Crisis para hacer limpieza de universos y fusionar las múltiples variantes de los personajes en uno único, aprovechándose para hacer borrón y cuenta nueva con muchos de ellos y volver a narrar sus orígenes adecuándolos al nuevo universo (y público).

Crisis en la Tierras Infinitas podía haber sido algo ininteligible, pero gracias a las hábiles manos de Wolfman y al maravilloso y espectacular dibujo de Perez se convirtió en la mayor historia épica de superheroes jamás publicada. Mundos murieron y mundos vivieron y asistimos, atónitos y sobrecogidos, a la muerte de personajes históricos.

Tras las Crisis, John Byrne volvería a narrar el origen de Superman y se haría cargo de su cabecera, George Perez volvería a Wonder Woman a sus orígenes mitológicos, Frank Miller redefiniría el origen del Caballero Oscuro y Giffen y deMateis nos traerían la más divertida encarnación de la Liga de la Justicia jamás vista.

Sin embargo la labor de Wolfman tenía algunos puntos oscuros que no habían quedado del todo resueltos y personajes como Power Girl o La Cazadora habían tenido que reescribir toda su historia para encajar en el nuevo universo. Así se pudo ver que DC no había terminado de lograr su objetivo por lo que en años siguiente volvería a la carga con nuevas maxiseries como Hora Cero rompiendo, más que arreglando, el trabajo de Wolfman-Perez.

Tuvimos que esperar 20 años para encontrarnos con un nuevo cómic de DC con la palabra Crisis como título, así en la miniserie Crisis de Identidad somos testigos de otro tipo de crisis superheroica, aquella que no viene de grandes amenazas cósmicas sino de lo más profundo del alma humana. Así descubriremos que los impolutos heroes de la Liga de la Justicia no lo son tanto y que en el pasado llegaron a cometer auténticas aberraciones para salvaguardar sus propios intereses. Vemos que los villanos no son los payasos que algunos habíamos visto y que su depravación y maldad es mucho mayor de lo que pensábamos y descubrimos que la mente de los seres queridos de los héroes puede ser mucho más frágil de lo que podíamos imaginar.

¿Otro muerto? ¿No será Supergirl por casualidad?

Las consecuencias de tan dramática historia afectaron a todo el universo DC que en los siguientes meses se volvió un sitio mucho más cruel y desagradable. Alguien tenía que poner remedio a eso y así llegarían las Crisis Infinitas, una maxi-serie preludiada por cuatro miniseries y varios especiales en la que algunos de los personajes que creíamos perdidos tras las primeras Crisis volverían para convertir el universo DC en un reflejo de sus deseos. Al final las cosas no salen tan bien y presenciamos el nacimiento de 52 universos paralelos que todavía hoy no han sido suficientemente explorados.

Tras estas Crisis Infinitas varios héroes desaparecen durante un año, DC edita entonces la enorme serie limitada de 52 números semanales en la que, en principio, se narraría qué sucedió con esos héroes durante todo un año. Al final la serie se convierte en algo totalmente distinto contando diversas historias con personajes más bien segundones del Universo DC y resolviendo deprisa y corriendo la tarea de descubrir qué hicieron los héroes ese año.

Al finalizar 52 llega Cuenta Atrás hacia Crisis Final, una nueva serie de 52 entregas semanales y diversas miniseries paralelas que lleva a unas nuevas Crisis, la Crisis Final, tal vez las definitivas a tenor del título (¿nos lo creemos?), que nos devolverán un nuevo y distinto Universo DC para la próxima década.

No, si ya me extrañaba a mi.

Cine de barrio

2009-06-29T18:02:00.005+02:00

Era la sala de cine más grande del mundo, con un ancho muy superior al de las salas actuales contaba con un número de filas impresionante además del llamado “gallinero” con una treintena de butacas colocadas en gradas, la pantalla era un poco más estrecha que el ancho de la sala pero seguía siendo enorme y desde la primera fila hasta la pantalla había más de diez metros de separación que, en algunas ocasiones, se aprovechaba para montar un escenario donde se hacían presentaciones de eventos y algún que otro concierto.

Al contrario que las habituales salas de las capitales que anteriormente habían sido teatros y sido reconvertidas a cines, aquel cine de mi barrio había sido construido con tal finalidad.

Sólo se proyectaban películas los fines de semana y los festivos permaneciendo cerrado el resto de la semana, cada semana una nueva película que era sustituida a la semana siguiente por lo que no era raro que, ante algunos estrenos de relumbre, se colgara el cartel de no hay localidades. Las entradas eran todas iguales y no estaban numeradas por lo que se formaban unas colas enormes para lograr entrar los primeros y, cuando las puertas se abrían, la gente corría al grito de tonto el último para poder hacerse con el lugar preferido.

Había una gran barra de bar donde no se hacían palomitas y se dispensaban todo tipo de bebidas. En los baños una alarma avisaba que la proyección iba a comenzar y en mitad de la película, siempre en el momento más interesante, se interrumpía la película para un descanso en el que la gente aprovechaba para echar un cigarro en el descansillo. Algunos aprovechaban para cambiar de butaca evitando siempre al tipo cabezón que siempre llegaba tarde y se nos ponía delante.

Los domingos por la tarde había sesión infantil donde se podían ver películas de los Hermanos Marx y algún film de animación, los padres aprovechaban esa sesión para librarse de sus hijos que campaban a sus anchas por el “gallinero” bastante ajenos a lo que se proyectaba.

Había una cosa que llamaban “sesión continua” que significaba que, si no habían vendido todas las localidades, te dejaban quedarte en la sala y volver a ver otra vez la película.

Todavía se proyectaba lo que nosotros llamábamos “el NO-DO” que no era tal cosa sino algunos documentales y cortometrajes de lo más variopinto. Incluso se proyectaban algunas películas muy raras que llevaban el calificativo de “S” y que mis padres no me dejaban ver. Ir al cine era para mí todo un acontecimiento y, en más de una ocasión, pasaba toda la semana esperando el momento de entrar en aquel oscuro y maravilloso lugar. Así creí que un hombre podía volar, viajé por El Cairo en busca de arcas mitológicas, nunca volví a entrar en el mar sin buscar antes aletas en el horizonte, volé subido en una bicicleta acompañado de un pequeño alien, sufrí pesadillas con un horrible sujeto que llevaba un guante con garras y reí como nunca con Aterriza como puedas.

Con el paso de los años empezaron a surgir los multicines y aquel viejo y gran cine empezó a proyectar películas cada vez menos destacables, los estrenos de relumbrón no llegaban hasta meses después de su llegada a otras salas e incluso algunos fines de semana el cine había aparecido cerrado… y un buen día no volvió a abrir sus puertas. Allí permaneció durante varios años, un día sus puertas fueron tapiadas, otro el cartel con su nombre desapareció y, mucho tiempo después cuando ya había abandonado el hogar paterno y vivía en otra localidad, volví a verlo ahora convertido en un supermercado.

Hoy día incluso las salas de los multicines son cerradas sucumbiendo a las nuevas tecnologías y, en gran parte, por culpa de la pésima calidad del actual cine pero en aquellos años ir al cine era todo un ritual y un acontecimiento, los amigos y compañeros de clase comentábamos la película que habíamos visto ese fin de semana y muchas de ellas dejaban una huella imborrable en nuestra memoria.

Adiós, Cine "Las Margaritas”.

Más dura será la caída

2009-05-29T18:36:00.005+02:00

Existe una fascinación por el ídolo con pies de barro, supongo que la envidia tiene algo que ver, pero nada resulta más atrayente que ver a una estrella caída.

Recientemente dos películas han devuelto a la palestra a dos actores que vivieron sus mejores días hace ya un par de décadas y cuyas carreras prácticamente estaban bajo cero.

La primera de ellas es “una del Van Damme”. Que yo a estas alturas de la vida vea una película de este actor no deja de ser singular, nunca he sido un admirador precisamente de las películas de “yoyas” y las de Van Damme concretamente no han despertado en mi el más mínimo interés. Creo que de toda su filmografía sólo había visto Blanco humano y eso por estar dirigida por John Woo.

Sin embargo en su última película, JCVD, encontramos a un sorprendente Van Damme. La película es una mezcolanza de comedia, film de robo con secuestro y drama biográfico presentando a un Jean-Claud Van Damme en horas bajas, realizando películas de ínfimo presupuesto en las que él se lleva casi todo y apenas queda nada para el film y dirigidas por niñatos aburridos, divorciado por enésima vez y peleando por la custodia de su hija (delirante el juicio), sin dinero para pagar a sus abogados y al que Steven Seagal le ha birlado su reentré en Hollywood. Para colmo de males se ve implicado en un robo con rehenes.

¡Van Damme actúa!

Lo mejor de la película son precisamente las escenas en las que vemos a un Van Damme acabado en lo laboral y el lo personal, tocado por las drogas y vapuleado por las mujeres pero simpático y dedicado con sus admiradores. Un tipo que se nos hace encantador y sincero sin atisbos de egolatría en busca de una redención que no llegará hasta el final del film.

La película es muy dinámica, con escenas narradas desde diversos puntos de vista, con tono ligero, numerosos flashback y alguna que otra ensoñación del actor. Sin duda el punto álgido es aquel en el que el actor, sólo ante la cámara, ejecuta un monólogo (probablemente improvisado) en el que desnuda su alma cara al espectador, la mezcla de lucidez, absurdo e ingenuidad sobrecoge en un momento de honestidad pura.

Realidad y ficción se dan la mano durante toda la película, con un ritmo rápido y momentos de gran comicidad (desternillante la escena del cigarrillo).

La interpretación del actor resulta sorprendente, haciéndonos preguntar si realmente Van Damme era tan mal actor. Francamente me encantaría volver a ver a este Van Damme, derrotado pero simpático en algún drama o comedia.

Por otro lado tenemos la laureada El luchador en la que un hipertrofiado Mickey Rourke encarna a una especie de alter ego en forma de luchador de wrestler. No podemos dejar de recordar la patética carrera como boxeador de este antaño seductor interprete.

Los paralelismos con su carrera son numerosos, actor y personaje vivieron una etapa gloriosa en los 80 de la que sólo quedan cenizas, su cuerpo acusa los años de pelea y los estragos de drogas y golpes y ,sin embargo, ambos están dispuestos a levantar su carrera y volver a ser el centro de los focos.

Oye Mickey, que dice Kim que le devuelvas la peluca que le robaste en el rodaje de 9 semanas y media.

La película es demoledora y no tiene piedad con un personaje que ve cómo apenas le quedan posibilidades de relanzar su carrera y que vive de su vieja gloria firmando autógrafos a cambio de dinero (la escena más dura de la película, cuando observa a sus excompañeros de gloria en sillas de ruedas o con sondas de orina) o en combates locales amañados. Para colmo sufrirá un infarto que, en principio, debería apartarle de la lucha.

Los combates, reales y sin dobles, muestran la crudeza de estas luchas coreografiadas en las que los golpes son auténticos aunque sus consecuencias puedan ser exageradas y sobreactuadas.

Al final, nos muestra a un luchador al que sólo le queda abrazarse a un último combate y su pequeño momento de gloria final.

Afortunadamente, tras Sin City, en esta El Luchador parece que Rourke puede dar más de una victoria aunque quizá su físico no juegue a su favor, tal vez otra estrella en horas bajas como Tarantino pueda sacar todo lo que aún lleva dentro este actor, mientras tanto nos conformaremos con volver a ver a Marv en Sin City 2.

Mi primera vez

2009-05-11T13:09:00.004+02:00

Recientemente fui invitado a participar en la emisión de un programa de una radio local en la sección que tienen unas amigas. Decidí presentar el post “Cómo hacer una crítica de cine (sin haber visto la película) en once sencillos pasos” aunque intentando que fuera menos irónico y más didáctico ya que lo que expuse en él es efectivo aunque lo presentase como un texto humorístico.

Dado que es una emisora muy pequeña y su radio de acción bastante reducido dudo que mucha gente lo escuchase pero para mi fue una experiencia muy gratificante que no me importaría repetir.

He subido mi intervención para que podáis escucharme en toda mi ininteligible gloria, toda una muestra de problemas de dicción y pronunciación, aporreamiento de micrófonos, repetición de palabras y momentos de pausa producto del nerviosismo. En mi defensa diré que me noto bastante suelto y que teniendo en cuenta que no me limité a leer el texto del blog sino que sólo lo utilicé como guía, la cosa ha salido bastante coherente. La crítica de la película de Lobezno la preparé media hora antes en sólo cinco minutos utilizando para ello los créditos que encontré por la red y toda ella fue improvisada. Afortunadamente conocía al director del que vi hace poco “Tsotsi”.

Curiosamente, tras haber podido ver después la película, veo que la critica que hice coincide punto por punto con la realidad y que si tuviese que hacerla ahora no variaría demasido.

Podeis escuchar el audio en este reproductor:

A eso digo: ¡NO! (X)

2009-04-15T09:46:00.006+02:00

Estoy harto de que se me cuelguen mis programas y la única solución sea cerrarlos sin guardar los cambios.

Estoy harto de que se me cierren los programas sin previo aviso.

Estoy harto de que cada dos o tres días me encuentre el ordenador con un pantallazo azul provocado por una incompatibilidad con un driver que he actualizado mil veces.

Estoy harto de esperar varios minutos a que arranque mi PC.

Estoy harto de esperar varios minutos a que se apague mi PC.

Y en caso de necesidad pues te instalas Windows dentro.

Estoy harto de que todas las aplicaciones imprescindibles sean de pago.

Estoy harto de que cada vez que instalo y luego desinstalo programas, mi disco duro tenga menos espacio.

Estoy harto de tener que buscar en la red los programas que necesito.

Estoy harto de que cuando todo va mal la única solución sea formatear el disco duro.

Estoy harto de este escritorio feo y aburrido.

Estoy harto de que con cada nueva versión de S.O. tenga que actualizar mi PC.

Kubuntu 8.10 con KDE 4.2, amarok 2 y compiz fusion. ¡WOW!

Adiós Sr. Gates, hola Sr. Torvalds.

Píldoras cinéfilas

2009-03-31T14:14:00.005+02:00

Lo admito, soy más bien un tipo hogareño. Dadme un sillón, algo para leer o una película que ver y soy feliz.

Aprovechando este fin de semana de repunte invernal he tenido la ocasión de ver varias películas, algunas recientes, otras no tanto, que paso a comentar.

En primer lugar la película de animación de Wonder Woman.
Resulta muy curioso que ahora que las películas con imagen real, basadas en cómics de superheroes tanto de Marvel como de DC, se hayan sacado varios films de animación clásica con personajes de sus respectivos universos. Mientras que las de Marvel, dos películas de Vengadores versión Ultimate, una de Doctor Extraño y una de Iron Man, son todas ellas de una calidad más bien escasa en cuanto a animación y algo más soportables en sus guiones por contra las películas de DC son bastante más destacables, desde el Batman anime a la deliciosa La Última Frontera y, en el caso que me ocupa, la película de Wonder Woman.

Peliculón animado

Mientras esperamos la llegada a la pantalla grande de una versión con actores del cómic de la Mujer Maravilla podemos deleitarnos con la que es, en mi opinión, una de las mejores adaptaciones de un cómic a la (pequeña) pantalla. Una película épica que auna lo mejor de la mitología del personaje y sabe emplearlo como imagen icónica despojándolo de un bagaje de décadas para centrarse en la esencia y las historias que, tras muchas reescrituras, queda como la mejor y más coherente. Con un dibujo de la escuela de Paul Dini que recuerda la inolvidable serie del hombre murciélago presenta algunos momentos gloriosos como el desembarco de las amazonas y la posterior lucha con el villano de turno. Tras ver esta película sólo podemos soñar con que sirva de ejemplo para la futurible versión en carne y hueso de Wonder Woman.

Despues pude ver La Ola, una película alemana de reciente factura. En los últimos años hemos podido ver varias películas de esta nacionalidad de lo más estimulante. De la frenética Corre Lola, Corre a la perturbadora El Experimento, pasando por las emotivas La vida de los otros o Los Falsificadores.
La Ola recuerda bastante a El Experimento y en ella podemos ver cómo el ser humano sigue estando al borde del abismo sujeto a sus más bajos instintos, basta un pequeño empujón para sacar lo peor del ser humano y convertirnos en fascistas sin miramientos por todo el que sea diferente o nos parezca inferior. Resulta curioso que ambas películas estén basadas en hechos reales lo que las hace aun más incómodas.

Todo esto ha pasado y ¿volverá a ocurrir?

Tras una película tan dura me hacía falta algo más ligero y superficial y le tocó a Saw V.
La saga de Puzle sigue enredándose y tras una cuarta entrega en la que la madeja parecía enredarse sin ir a ninguna parte aquí parece desenredarse lo suficiente como para parecer que los guionistas han encontrado una manera de continuar la serie al tiempo que se bucea en el pasado de Puzle y sus sucesores. Recordando cada vez más a la serie Cube volvemos a tener a un grupo de personas víctimas del villano redentor (como en la segunda entrega) al tiempo que se nos narran hechos pasados y se nos deja con un final totálmente abierto que deja abierta la puerta a una sexta entrega... y las que hagan falta. Puzle ha llegado como villano del siglo XXI a la sombra de los Jason, Michael Myers o Freddy y parece dispuesto a quedarse. Sólo para los que soportaron las cuatro anteriores.

Después de este mal rato llega el turno de otra gran película, The Visitor. Si ya en Vías Cruzadas pudimos apreciar el talento de Thomas McCarthy para crear personajes inolvidables y plenos de humanidad en The Visitor volvemos a encontrarnos con una historia de personas que se encuentran a sí mismas gracias a la influencia de otros con los que, en otras circunstancias, no tendría nada en común. Una película divertida a ratos pero trágica en su fondo que nos presenta la cruda realidad de los inmigrantes en el país de la libertad... ejem y que nos hace ver que el inmigrante es también un ser humano con sus sentimientos y penas. Especialmente destacable el papel de Richard Jenkins, eterno secundario en decenas de películas y series de televisión que encuentra aquí el personaje de su vida, nominación al Oscar incluida. Un director-guionista al que no hay que perder el rastro y un actor del que seguir disfrutando aunque sea como secundario de lujo.

Richard Jenkins aprenderá a tocar el djembé... y mucho más.

Ahora es el turno de El Curioso Caso de Benjamin Button. Lanzada como aparente triunfadora en la carrera de los Oscar sucumbió ante la maravillosa Slumdog Millonaire y, tras verla, es perfectamente comprensible. Donde Slumdog era alegría y esperanza Benjamin Button es tristeza y melancolía. Una película que con un hilo conductor puramente fantástico no deja de ser una visión romántica y trágica del amor y la muerte. Un relato lleno de magia que no da respiro al espectador con una continua sucesión de momentos dramáticos con la muerte siempre alrededor del curioso Benjamin Button. Una película que quizá no deje satisfecho pero que al menos nos hará reflexionar sobre lo breve de la vida y cómo hay que saber vivir cada etapa de ella en su momento correcto.

Tocaba ahora recordar una película de hace unos años que en su día me gustó mucho y de la que esperaba mantuviera todo su encanto y no me sentí decepcionado. Fresa y Chocolate sigue siendo una película fresca, valiente y emotiva. Jorge Perugorría borda su personaje de gay dotándole de una fuerza y delicadeza llena de contrastes.
En realidad quise volver a ver esta película como prólogo a El Cuerno de la Abundancia dirigida por Juan Carlos Tabío que co-dirigió Fresa y Chocolate junto al llorado Tomás Gutierrez Alea. Si bien ambas películas son radicalmente distintas, en El Cuerno de la Abundancia encontramos diversos guiños y referencias a Fresa y Chocolate que la hacen aun más curiosa.

Hay un momento en el que se encuentran Bernardito (Perugorría) y Jacinto (Vladimir Cruz) en una escena que separa ambas películas catorce años. Vladimir le regala a Jorge una botella de Whiskey de la misma marca que el personaje de Perugorría ofrecía a Cruz en Fresa y Chocolate. También es muy destacable la escena en la que Bernardito recrimina a su padre haber echado a su hijo Diego de casa por gay y que tuvo que salir del país por ello, en clara referencia al personaje de Diego que encarna Perugorría en Fresa y Chocolate. Sabemos así que Diego y Bernardito son hermanos (¿gemelos?) y el destino final del primero.

Por otra parte la película siendo bastante divertida está lejos de la perfección y su similitud con Bienvenido Mr. Marshall no es casual (homenaje incluido en forma de cartel de cine), especialmente hilarante los momentos de coitus interruptus de Bernardito que nunca puede consumar el acto sexual ni con su esposa ni con su acosadora prima.

Catorce años después Vladimir devolverá la botella a Perugorría

Un fin de semana especialmente productivo.

Lo mejor de las daily strip

2009-03-23T11:33:00.005+01:00

Las daily strip o comic strip ya no son lo que eran, de los tiempos en los que ocupaban páginas enteras de los periódicos y suplementos a color los dominicales se ha pasado a pequeñísimas viñetas semiocultas entre el horóscopo y el pronóstico meteorológico; al menos en E.E.U.U., porque aquí hace años que la cosa ha ido a peor y prácticamente sólo existen un par de viñetas cómicas y una única tira en unos pocos diarios y por lo general sólo de contenido político, los domingos mejora un poco la cosa pero tampoco es para tirar cohetes.

Y sin embargo las daily strip siguen ahí gracias a las recopilaciones en álbum donde cobran todo su sentido y brillan con luz propia.

Los tiempos de las sundays a color en tamaño tabloide ya pasaron

Desaparecido Calvin & Hobbes otras tiras cómicas has dado el relevo, las tiras de aventuras aún siguen ahí pero el bajón de calidad ha sido muy acusado y los comic-book han sido el siguiente paso natural para ellas. Sin embargo el humor todavía funciona y a pesar de la limitación de unas pocas viñetas los autores siguen manteniendo un elevado nivel en los gags e incluso pueden dar una trama más o menos continuada durante varios días.

Del humor algo blando e inocente de Mutts pasamos al gamberrismo animal de Get Fuzzy con una nueva vuelta de tuerca al esquema dueño-perro-gato que parecía agotado en Garfield. La maldad del gato Bucky B. Katt sirve de contraste a la bonachonería del perro Satchel Pooch. para desesperación de su dueño, Rob Wilco, fiel reflejo de Darby Conley autor de la tira que demuestra conocer al dedillo el comportamiento animal utilizándolo con certeza para la creación de gags hilarantes.
Mucho más pasado de vueltas es la hilarante Liberty Meadows donde una alocada serie de animales antropomórficos sirven de apoyo a los patéticos avances amorosos de su veterinario con la psicóloga animal del parque donde conviven. Humor bestial (nunca mejor dicho) y los preciosos dibujos de Frank Cho en una serie que no hay que perderse.

Todos amamos a Brandy

Ciudadano Can es otra peculiar visión de las funny-animals con bastante cinismo y mala baba.

La ya veterana Zits sigue asombrando por su capacidad de retratar el mundo adolescente sin caer en la monotonía o la autocopia.

Pocas veces se ha plasmado el mundo adolescente con tanto acierto como en Zits

Y no podemos dejar de lado las tiras clásicas, las magnificas ediciones de Popeye, Krazy Kat o Carlitos y Snoopy no pueden faltar en nuestra comicoteca. Y ya puestos, recuperar a los grandes de la tira "para adultos" como el Spirit de Eisner, el Tarzán de Hoggart o el imprescindible Príncipe Valiente de Foster.

Creo que actualmente vivimos un buen momento en la edición de strips y mientras esperamos una edición decente de Li'l Abner o Pogo la oferta no deja de ser amplia e interesante.

A eso digo: ¡NO! (IX)

2009-03-17T09:39:00.010+01:00

Vuelve el video-cutre.

Cuando el video hizo su aparición en los 80 implicó toda una revolución, hasta el momento la gente veía los estrenos de cine en las salas y luego se dependía de la televisión para que, cuando creyeran oportuno, volvieran a emitir esas películas. Eran los tiempos en los que sólo existían dos canales y la oferta era más bien escasa. Lo que más se veía era cine clásico cosa que, vista en perspectiva, hemos de agradecer los que gracias a ello pudimos desarrollar una aceptable cultura cinéfila.

Con la llegada del video todo eso cambió, los estrenos más recientes llegaban a los estantes del video-club apenas seis meses después de su estreno. Para los que vivíamos en grandes poblaciones con buenas salas de cine ya era un logro, pero para las pequeñas localidades en las que ni siquiera existía un cine la llegada del video-club supuso toda una revolución.

Si bien los video-club solían surtirse de estrenos más o menos recientes, en ocasiones se podían encontrar clásicos e incluso películas pertenecientes a los circuitos de V.O. (aquellas llamadas de "arte y ensayo"). Sin embargo el público pedía más y poco a poco empezaron a aparecer películas de serie B, serie Z, telefilmes e incluso rodadas para ser estrenadas directamente en video. Llegaba el video-cutre.

Películas "de karatekas", subproductos de Charles Bronson o Chuck Norris, terror-caspa. Todo valía para satisfacer los paladares menos exigentes.

La llegada del DVD significó una nueva revolución: una calidad de imagen y sonido inimaginable para los fanáticos del video, un formato duradero y sin pérdida de calidad tras múltiples visionados, menor tamaño del soporte... todo ello llevó a la aparición del coleccionismo. Mientras algunos habíamos acumulado videos grabados de la TV y alguna que otra película comprada, la mayoría se había limitado al alquiler y visionado sin afán coleccionista. El DVD cambió esto, los cinéfilos comprábamos películas por primera vez. La oferta ha sido impresionante, desde clásicos mudos al último estreno de cine, desde cine independiente a cine patrio.

¿Y los video-club? Una vez pasado del formato analógico al digitalel proceso fue el mismo que con el video. Primero llegaron los últimos estrenos en masa, algún clásico, algo de anime y, por desgracia, volvió el video-cutre. Películas que nunca se estrenaron en nuestro país tras su fracaso en las salas de su país de origen, la enésima producción japonesa o coreana de terror asiático, telefilmes camuflados como grandes producciones, películas rodadas para su estreno en DVD, serie B, serie Z y mucha, mucha caspa.

¡Guau! la última peli de Michael Feifer. Y con Benjamin Pitts, Brent Fidler, Cherish Lee y Nick Mathis. ¡No me la pierdo!

No resulta extraño encontrar en los estantes de los video-club películas como una cuarta o quinta entrega de American Pie, la segunda parte de Despedida de soltero (¿¿¡¡??) o extrañas películas con numerosos premios en festivales celebrados en pueblos de la América profunda.

Ahora el futuro es el Blue-Ray y, de momento, los estrenos en este formato están siendo de producciones recientes de mayor o menor éxito en salas y alguna que otra película de los últimos años pero no nos engañemos, dentro de poco el video-cutre llegará al Blue-Ray y podremos disfrutar de la última de Chuck Norris en alta definición y sonido sorround 7.1.

El último pelotazo de Chuck con la mejor calidad de imagen y sonido.

Las mejores series que nadie ve (V): Rescue me

2009-02-27T21:26:00.002+01:00

Emitida su primera temporada por Fox hace años tuvimos que esperar a la llegada del nuevo canal TNT para poder ver la segunda y tercera temporadas (de seis hasta el momento).

Creada por Peter Tolan y su principal protagonista, un inmenso Denis Leary, puede parecer, tras visionar su primer episodio, que nos encontramos ante una nueva serie de equipos de emergencia al más puro estilo Urgencias o Turno de guardia, surgida tras el 11-M y para mayor gloria de los heroícos bomberos. Nada más lejos de la realidad, Rescue Me es una serie puramente dramática con toques de humor de lo más gamberro sobre un equipo de bomberos de Nueva York cuyo cociente intelectual sumado no llega a las tres cifras.

Y es que si por algo destacan los protagonistas de la serie es por ser personas sencillas con grandes problemas.

Empezando por Tommy Gavin (Denis Leary) que perdió a varios compañeros y amigos en la caída del WTC incluyendo a su primo Jimmy Keefe que se le suele aparecer para echarle en cara el desastre que es. Su vida desde entonces ha ido en caída libre con problemas con su mujer, alcoholismo y abuso de drogas además de cargar con su padre, un recuperado Charles Durning para la pequeña pantalla y el mejor amigo de éste, un gordinflón inutil.

Nuestro irlandés borracho y narizotas favorito

El resto del equipo no le va a la zaga, la mujer de su jefe tiene Alzheimer, el novato de la plantilla, Mike Silleti, tiene tendencia a caer en relaciones homosexuales a pesar de no ser gay (o quizá sí), Lou Shea descubre su vena poética para desespero de su esposa y mofa de sus compañeros, Franco Rivera pagará su promiscuidad con la llegada de una inesperada hija, Laura Miles sufrirá el machismo de sus compañeros y Sean Garrity... bueno, bastante tiene con ser bobo de solemnidad.

Ningún personaje se salva, Tommy Gavin es un cúmulo de vicios y su carácter violento le traerá más de un problema, el resto de personajes son mezquinos, envidiosos, machistas, crueles o imbéciles, pero también son valientes y llenos de compañerismo. Pocas veces he visto un mejor retrato del ambiente laboral de la clase obrera.

El mayor grupo de inútiles que ha tenido el cuerpo de bomberos

A pesar de su dramatismo la serie tiene grandes momentos de comedia provocados generalmente por las burradas del equipo. Inolvidable la escena en la que Franco se coloca una anilla en el pene y tras una erección sufre un estrangulamiento del miembro que liberan sus compañeros ¡con una radial!.

Si bien la serie está ambientada en un parque de bomberos las escenas de acción son escasas y no es raro que apenas se vea un incendio en unos pocos episodios. Prima el drama y la caracterización de personajes todo ello de un modo adulto, con frecuentes escenas de sexo y violencia.

Las mejores series que nadie ve (IV): El abogado

2009-02-17T14:32:00.004+01:00

En la serie de post que estoy dedicando a "Las mejores series que nadie ve" he venido tratando algunas series de gran calidad que por diferentes motivos (deficiente programación, poca promoción, baile de horarios...) no han llegado a una gran audiencia o son poco conocidas.

De todas las series de los últimos años, y la que precisamente acuñó la denominación de "la mejor serie que nadie ve", destaca El Abogado (The Practice) de David E. Kelley.

Picapleito's power

Kelley se hizo mundialmente famoso con La Ley de los Angeles eclipsando al propio creador de la serie Steven Bochco. Repitiendo éxito de crítica con Picket Fences y Chicago Hope crea en 1997 The Practice una oscura y deprimente serie sobre abogados en horas bajas.

Pronto la serie llama la atención de la crítica a pesar de no haber destacado por sus grandes audiencias, así se convierte en "la mejor serie que nadie ve" al tiempo que comienza a ser premiada con varios Emmy, logra así el respaldo de un público fiel que la mantendría durante ocho temporadas.

Esto, claro, en Estados Unidos, en nuestro país la serie ha sido literalmente destrozada por los canales donde ha sido emitida. Inicialmente la programó Canal + en abierto pero tras un par de temporadas sufrió un parón de más de un año para retornar en codificado nuevamente desde la primera temporada, así continuaría hasta la cuarta temporada para desaparecer nuevamente de la parrilla durante varios meses, volvería nuevamente en abierto en un horario imposible los domingos por la mañana, sin embargo seguiría habiendo parones de varios meses entre temporadas y hasta emitir el año pasado la última temporada tras un descanso de casi dos años. Paralelamente la emitió FOX en las sobremesas con pausas entre temporadas igualmente eternas y desconozco si ha emitido la octava y última temporada. La Sexta la ha emitido en las sobremesas pero me parece que no tardó en retirarla de la parrilla.

Como ya he dicho la serie era bastante oscura, en su primer episodio el bufete de Bobby Donnell está prácticamente en bancarrota y sobrevive a duras penas, los abogados dejan de lado sus prejuicios y defienden a criminales a sabiendas de su culpabilidad y se valen de todo tipo de artimañas legales para liberar a traficantes y asesinos. Las relaciones interpersonales serán la tónica de las subtramas y la serie no estará exenta de suspense y momentos de puro thriller criminal. Los juicios, punto álgido de los episodios, plantean dilemas éticos y morales con gran realismo (el propio Kelley es abogado) y muchas victorias tendrán un sabor agridulce por no hablar de las frecuentes derrotas en las sentencias.

Este tono oscuro se mantendrá hasta la séptima temporada con un cruce, más ligero, con Ally McBeal también de Kelley. Con la octava temporada llega Allan Shore sustituyendo a Bobby Donnell y con él llega la revolución. Auténtica precuela de lo que será Boston Legal la octava temporada está teñida de humor y locura, los espectadores permanecen atónitos viendo cómo el absurdo de Ally McBeal inunda una serie en la que el humor no había destacado especialmente. El punto álgido llega cuando Allan Shore es despedido y contrata al bufete de Denny Crane para demandar a sus ex-compañeros. Los personajes de Sally Heep y Tara Wilson también pasarían a Boston Legal. Así la octava temporada de El Abogado anticipa lo que será Boston Legal compartiendo con ella parte de su tono absurdo y desenfado.

Con él llegó el escándalo

Con todo, la octava temporada resulta un perfecto colofón de una de las mejores series televisivas de todos los tiempos, cerrando todas las tramas pendiente y estableciendo el status quo final de los principales personajes incluyendo el retorno de Bobby Donnell. Un último episodio con momentos nostálgicos y un regusto más bien dulce.

Retconeando que es gerundio

2009-01-26T17:04:00.006+01:00

Si algo distingue a los universos superheroicos de cualquier otra saga literaria o cinematográfica es el rico bagaje de personajes y situaciones y la pertenencia a un mismo mundo de multitud de héroes ofreciendo, no sólo cruces entre diferentes series, sino que lo que ocurre en una serie tenga consecuencias en otra, es lo que se conoce como continuidad.

Así hemos podido ver cómo la llegada de una nevada en pleno verano en la serie de Thor ocurría al mismo tiempo en el resto de series de Marvel, o eventos cósmicos como Crisis en Tierras Infinitas afectaba tanto a todas las series de DC como a la propia continuidad de muchas de ellas.

Luego se ha popularizado el término Retcon o retrocontinuidad, esto significa narrar hechos pasados desconocidos hasta ahora y hacerlos encajar en la continuidad oficial.

En la teoría es algo perfecto, permite añadir información al pasado de los personajes enriqueciéndoles e incluso corregir errores de continuidad dando explicaciones lógicas a ciertos eventos que no encajaban correctamente en el devenir de las historias.

Algunas de las series que se han dedicado a rescribir la continuidad han sido Los Invasores de Roy Thomas, con las andanzas de Capitán América, Namor o La Antorcha Humana original durante la segunda guerra mundial o Las Historias Jamás Contadas de Spiderman con historias de los años de instituto de Peter Parker. En DC la serie más importante sobre retrocontinuidad ha sido All-Star Squadron que igualmente narraba historias pasadas de la Sociedad de Justicia Americana.

Roy Thomas siempre rellenando el pasado

Sin embargo no todo es tan bonito, muchos autores han aprovechado las retcon para narrar su personal visión de hechos pasados que SÍ han sido narrados con anterioridad, así podemos leer diferentes primeros encuentros de Lobezno y Elektra según el capricho del autor de turno o historias pasadas que destrozan la continuidad oficial añadiendo situaciones absurdas o injustificables.

De estas últimas posiblemente la que más ha soliviantado los ánimos del fandom ha sido la saga Pecados del Pasado donde se sacan de la manga el embarazo y posterior parto de gemelos de Gwen Stacy con Norman Osborn como padre. Algo que provocó las iras de todos los aficionados que veían cómo era manchada la honra de la virginal Gwen.

El horror, el horror

Incluso ha habido una historia en la que se narraba que tía May era en realidad la madre de Peter Peter. Afortunadamente en el último momento alguien debió ver el absurdo error en que se convertiría eso y solucionaron el problema ubicando la historia en un universo alternativo.

Otro de los sistemas empleados para rescribir la continuidad es concebir una historia que modifique el pasado hasta llegar a una situación actual totalmente diferente a todo lo establecido, ocurrió con las mentadas Crisis en Tierras Infinitas tras las cuales nunca existieron un Superboy o Supergirl, Wonder Woman nunca perteneció a la Liga de la Justicia e incluso algunos personajes vieron alterados sus orígenes. Y recientemente tenemos la historia Un Día Más en las series de Spiderman tras la cual Peter Parker nunca estuvo casado con Mary Jane, Harry Osborn sigue vivo e incluso un hecho tan trascendental como la revelación al mundo de la identidad de Spiderman parece haber sido olvidado.

Estas maniobras han sido realizadas con mayor o menor fortuna, han dado mejores o peores resultados o han sido simplemente temporales y rectificadas con posterioridad, en el caso de lo sucedido en Spiderman todos esperamos que la situación revierta al estado anterior aunque conociendo los caprichos editoriales todavía no parece clara la fecha en que esto ocurra.

Y en estos momentos tenemos en nuestro país la edición en castellano de Secret Invasión en la que todo lo que conocemos de diversos personajes puede ser mentira ya que detrás de ellos puede que esté un infiltrado Skrull suplantado su personalidad.

Veremos en qué queda todo aunque tras los sucesivos megaeventos Marvel de Dinastía de M, Civil War o World War Hulk ya estamos viendo que las consecuencias a largo plazo no están siendo exploradas precisamente, grandes historias con mayor o menor acierto pero cuya trascendencia parece ser más bien volátil.

El universo Marvel se llena de Skrulls

Noticia de alcance

2009-01-13T19:03:00.001+01:00

Primera plana en todos los periódicos, titulares abriendo los telediarios, reportajes de media hora en todos los programas matinales, becarios repartidos por toda la península informando con cara de estar pasándolas canutas por el sueldo mínimo… lo del tiempo es más noticiable que guerras, crisis o el final de Gran Hermano. Un tema que nunca suele pasar de conversación de pasillo o máquina de café del currele parece haberse convertido en la serpiente de verano de este invierno.

Dado lo importante para nuestras vidas que es tan destacable noticia, Odninor, colaborador no oficial, me ha pedido publicar un post sobre tan decisivo tema. Sin más dilación ante tan magno acontecimiento os dejo con su infinita sabiduría, su mente preclara y su verbo afilado:

-Pues anda que no hace frio últimamente.

Muchas gracias Odninor.

Las mejores series que nadie ve (III): ReGenesis

2009-01-12T19:34:00.003+01:00

Dentro de las series con un cierto trasfondo científico destaca entre todas ReGenesis por ser, posiblemente, la única que no causaría vergüenza ajena a un verdadero científico.

Admito que los C.S.I., Bones, House o incluso Numb3rs emplean procedimientos, metodología y terminología científica para dar una capa de veracidad a los guiones, pero cualquiera que profundice un poco observará lo ridículo de algunos de estos artificios: PCR's que se realizan en cuestión de minutos, proyectores holográficos (¿¿!!??), tratamientos de fotografías imposibles e instantáneos ¡y sin usar un ratón!, técnicas erróneas (esas pipetas llenas de aires...),por no mencionar el empleo recurrente de enfermedades raras para estirar el diagnóstico hasta el último minuto. ReGenesis tiene algo esto pero empleado de manera correcta y empleando técnicas sujetas al método científico.

En esta serie apreciamos otras importantes diferencias, los casos se suelen centrar en problemas globales de tipo epidemiológico y no tanto en pacientes únicos, se nos presentan innovaciones en biomedicina que realmente existen, ya sea como estudios actuales o como nuevos tratamientos o enfermedades y también, como en la mejor ciencia-ficción, se plantean teorías que, al menos conceptualmente, son perfectamente posibles e incluso son anticipatorios de una realidad que, tarde o temprano, nos alcanzará.

Otra de las cualidades de esta serie es el empleo del dilema ético como eje central. Bioterrorismo, destrucción de ecosistemas, genocidio selectivo por virus, experimentos con cobayas humanas o clonación son algunos de los temas que se plantean a lo largo de cada temporada. Y lo mejor es que de un modo tan realista que en ocasiones resulta terrorífico ver todo lo que se mueve en esos círculos.

La serie trata de un equipo de científicos pertenecientes a la empresa NORBAC (The North American Biotechnology Advisory Commission) una agencia afincada en Toronto con financiación de Canadá, E.E.U.U. y México. Al frente del equipo está David Sandström (Peter Outerbridge), un biólogo molecular con serios problemas de disciplina así como con el alcohol y las mujeres.

¿Es Peter Outerbridge un clon de Peter O’Toole creado por NORBAC?

El carácter del personaje puede recordar al de House, malhablado, rebelde con los jefes y las autoridades y con serios problemas a la hora de elegir entre las directrices de la empresa y las vidas de las personas. Sin embargo resulta un personaje nada caricaturesco, lleno de matices y muy respetuoso con su equipo.
Otra característica que distingue esta serie de la fórmula C.S.I. es que los personajes llevan su vida personal al trabajo y no a la inversa, las decisiones que toman son coherentes con una filosofía vital perfectamente definida, los personajes son lo que piensan, no lo que hacen.

Otro de los protagonistas que destaca con luz propia es Bob Melnikov, biólogo aquejado con el síndrome de Asperger, una forma de autismo que le hace carecer de toda empatía e incapaz de interpretar las emociones que le rodean. La interpretación de Dmitry Chepovetsky es brillante dotando al personaje de una ternura y desvalidez totalmente alejada de todo histrionismo.

Carlos Serrano (Conrad Pla), médico y bioquímico, en su condición de inmigrante Mexicano y homosexual estará especialmente sensible a los temas que afecten a las minorías y a los menos favorecidos.

El resto del elenco no resulta menos interesante si bien entre la segunda y la tercera temporada sufrirá un importante ajuste tras un importante acontecimiento que marcará para siempre a muchos de los personajes.

Las temporadas se alejan de los capítulos autoconclusivos presentando numerosos casos que se suceden a lo largo de varios episodios y con varias tramas simultaneas, la serie tiene una gran complejidad y es cierto que alguno se puede perder en alguno de los brainstorming en los que los científicos evalúan los casos, pero lo más importante siempre serán los efectos y consecuencias de cada decisión que el propio diagnóstico. Tampoco faltarán momentos de intriga al más puro estilo de espionaje empresarial e incluso el equipo científico tendrá que lidiar con unas altas esferas que les manipulan, ocultan información e incluso utilizan para fines poco éticos.

El equipo de NORBAC (me pido a Meiko)

La serie es canadiense y se nota, compleja, oscura, con escenas más subidas de tono de lo habitual, adulta y densa, muy densa. No será tan divertida como House, tan entretenida como C.S.I. o tan ligera como Bones pero su calidad es indiscutible y cada episodio nos hará pensar un poquito sobre lo que hay al otro lado de la ciencia. Está tan trabajada que hasta podemos visitar la página web de NORBAC.

Como guinda en la primera temporada tenemos a la protagonista de Juno como hija de David Sandström antes de su salto al mainstream norteamericano.

En España la emite el canal Calle 13 y hasta ahora ha completado las tres temporadas existentes a la espera de una cuarta que resuelva el cliffhanger del último episodio y varias subtramas pendientes.

En busca del espacio perdido

2009-01-09T11:18:00.001+01:00

Si hay un momento realmente duro en la vida del coleccionista de cómics es la llegada del fatídico día en que el espacio que dedicamos a guardar nuestras numerosas series resulta insuficiente.

¡VADE RETRO!

Un buen coleccionista de cómics es aquel que comienza una serie y no la abandona hasta que esta llega a su fin. Si hablamos de cómics de superheroes esto suele ser problemático ya que con series indefinidas con más de 45 años de publicación esto no ocurre nunca. Lo habitual, si no dominamos la lengua de Shakespeare, es comprar las ediciones de nuestro país. Si la serie ya lleva tiempo en el mercado y por alguna razón hemos decidido empezar a comprarla esto provocará la compra compulsiva de todos los ejemplares anteriores hasta llegar al preciado número 1. Si la iniciamos al empezar la publicación no la dejaremos nunca.
Hay raros casos de personas que dejan de comprar una serie porque ya no les gusta o por atravesar una etapa mediocre, ¡error! eso significará un hueco en nuestros estantes y en la vida de esos personajes en caso de retomarla posteriormente.

Como en el mundo editorial de los superheroes estos suelen compartir universo y, además, el baile de guionistas y dibujantes entre series es constante, esto provoca que poco a poco empecemos a aumentar el número de series que compramos. Se empieza con Spiderman pero pronto vemos que este es miembro de Los Nuevos Vengadores así que hacemos también esa serie y dado que también hay unos Poderosos Vengadores no puede faltar en nuestra lista y, claro, si en estas series están Iron Man y Capitán América pues también hay que tenerlas, luego llega La Patrulla X que no puede comprarse si no se hace también con Lobezno y X-Men. Tampoco puede faltar X-Factor con Peter David al guión y, claro, X-Force que allí está Lobezno también. Y ya puestos hay que añadir las series Ultimate con sus Spiderman, X-Men y Ultimates. La "primera familia" nunca debe faltar, son los cimientos de Marvel, así que tocan Los 4 Fantásticos y su versión Ultimate para no dejarles cojos. Brubaker lo está haciendo francamente bien en Capitán America así que habrá que seguir su Daredevil. Tampoco hay que olvidarse de las series editadas en tomo, Hulka merece la pena y el Punisher de Garth Ennis también (ya puestos habrá que ponerse con Punisher War Journal), La Iniciativa tampoco es manca y Los Exiliados es muy entretenida y ofrece una gran perspectiva del universo Marvel.

Y no nos olvidemos de DC y su vasto abanico de personajes y series, Batman y Superman por supuesto, y Flash. Y los pilares de DC que son JSA y Justice League. Green Lanter y Green Arrow también, y Nuevos Titanes y Outsiders y...

Y luego hay que recuperar épocas pasadas: Bibliotecas Marvel y DC, tochos de Universo DC.

Y Manga, claro. Empezando por Dragon Ball y todo Rumiko Takahashi. Gantz es cañera y algo de samurais tampoco viene mal, Vagabound y La Espada del Inmortal para empezar y siguiendo con Kenshin y Lobo Solitario y Cachorro. Las historias intimistas de Taniguchi. Y las geniales Monster y 20th Century Boys. Recuperamos Bateadores e Hiroshima y el divertido City Hunter y Ah! Mi Diosa. De Tezuka hay que conseguir todo lo que se pueda. Algo de Clamp…

Dejar de lado el cómic europeo o los clásicos de las tiras de prensa sería sacrilegio así que tocan Principe Valiente, Popeye, Flash Gordon, The Spirit, Pitufos, Tintin, Mortadelos, todo Gosciny, Spirou o cosas más modernas como La Mazmorra, Zits o Liberty Meadows.

Y así mes tras mes y año tras año. ¿Resultado? Estanterías en casa, en el trastero, en casa de los padres, en la casa del pueblo... Pero todo tiene un límite y ni pasando de la colocación vertical a la horizontal hasta llegar al techo del estante pueden entrar más de 25 años de cómics.

Una pequeña muestra de cómo queda uno de los estantes (tres niveles de profundidad) tras la última criba. Sí, este es el “después”

Uno ya empezó, tímidamente, a deshacerse de aquellas series que fueron compradas en su día pero que, vistas en perspectiva, no tienen unos niveles de calidad mínimamente exigibles (Liefel e Image principalmente) pero finalmente llega el momento de un vaciado profundo de los estantes y bolsas y bolsas de colecciones, principalmente mangas, irán al contenedor de reciclado de papel. R.I.P.

Y lo peor es que el espacio recuperado ya se ha llenado de nuevo y cada vez es más difícil seleccionar qué se salva de la quema.

A eso digo: ¡NO! (VIII)

2008-12-31T18:55:00.002+01:00

¡Madre mía! The movie

2008-12-22T19:46:00.003+01:00

La siguiente crítica ha sido realizada por Odninor, colaborador no oficial.

El autor del blog declara no compartir sus opiniones y no estar de acuerdo con los comentarios del susodicho.

La gemela zarapastrosa de la Streep con la amiga muerta, Caracartón, Fondón y Mariposón. El que está sentado es Tolai.

Mamma Mía! es uno de los musicales de mayor éxito de los últimos años. Empleando temas de ABBA como hilo conductor de una trama más bien ligera ha sido estrenado en una docena de países, entre ellos España.

Como ya ha ocurrido en otras ocasiones se ha realizado una película adaptando la obra teatral. Para ello se contrató como directora a la misma persona que realizó el montaje teatral, con un reparto de caras conocidas encabezado por Meryl Streep, esperando repetir el éxito en la gran pantalla… no ha sido así.

¡Madre Mía! The Movie adolece de todos los defectos que una obra de teatro puede tener en su traspaso al celuloide: desaprovechamiento de los escenarios naturales, falta de primeros planos, estatismo, emociones falsas, coreografías limitas y pésimas voces.

La película empieza bien, una imagen onírica acompañada de una de las pocas voces decentes del reparto dan paso a la obertura en la que se nos presenta a los “padres” de la chica, una secuencia dinámica que será la última de toda la película.

La chica es la amiga muerta de Verónica Mars, con algo menos de curvas y ojeras y bastante menos guarrona de lo que la vimos en la bendita serie, para mi lo mejor de la película junto a otra protagonista de la que luego hablaré. Pues bien, esta chica descubre el diario de su madre en el que relata cómo se enrolló con tres individuos prácticamente de manera consecutiva hace veinte años. Dado que la chica tiene esa edad y que según el diario su madre no parece haber vuelto a conocer varón deduce que uno de ellos es su padre. Como se va ha casar dentro de poco se le ocurre invitarlos a todos y así descubrir cuál de ellos es su verdadero padre.

La madre es la gemela zarapastrosa de Meryl Streep, víctima de su peluquero y de los de vestuario que además ha invitado a la boda a sus dos mejores amigas: la estupenda Christine Baransky y Lina Morgan.

Maravillosa Baransky y Lina Morgan secundan a Pelosucio Streep.

Los tres padres llegan a la isla… porque la historia transcurre en una isla griega. Esto lo sabemos porque hay mar, una montaña y, sobre todo, muchas mujeres feas y peludas con barba de tres días.

Los tres sujetos son Caracartón Brosnan, Fondón Skarsgard y Mariposón Firth cuyas dotes como cantantes van de horrible a patético. Caracartón no lo haría del todo mal si al menos llevara una barba sucia, una botella de Whiskey en la mano y moviera los dedos de manera rara mientras se tambalea como hace Joe Cocker, pero malgasta su talento intentando cantar bien cuando se ve a la legua que lo suyo son los Martini sacudidos y los anuncios de cremas faciales masculinas que debe gastar por arrobas con ese careto requemado.

Hay muchas canciones de ABBA lo cual está muy bien… si te gusta ABBA. Y todos los momentos musicales consisten en montar un numerito en la calle mientras un grupo de griegas se suma al desfile que invariablemente termina en el embarcadero y con alguien cayendo al agua. La primera vez hace gracia pero a la décima aburre.

También hay un número en el que las amigas de Desmaquillada Streep intentan animarla en el que destaca Lina Morgan haciendo su numerito de Tonta del Bote, las dos tan feas y desafinadas que dan grima. Menos mal que está Estupenda Baransky para subir el nivel con su belleza, clase y estupenda voz. Ya me gustó en la serie Cybill y dió muestras de su talento para el musical en Chicago pero en ¡Madre Mía! The Movie se supera a sí misma. El único personaje con gracia de toda la película y, junto a la amiga muerta de Verónica Mars, la única con una voz digna de un musical.

De mayor quiero una mamá como tú.

También sale Tolai Cooper como el prometido en un papel totalmente irrelevante entre tanta arruga y michelín. Junto a su grupito de descerebrados musculitos protagoniza uno de los momentos más vergonzosos de la película en un número musical en el que la pandilla de seguidores del método Atlas se pasea por (¡sorpresa!) el embarcadero con aletas de bucear haciendo poses ridículas. Todo un homenaje al nonsense.

Lo peor de la película es el falso buen rollo que pretender transmitir los protagonistas que resulta forzado y poco real. Unos actores a los que sobran años, kilos y arrugas y una puesta en escena que en las tablas puede resultar simpática pero en la pantalla queda aburrida y repetitiva.

Y cuando el suplicio parece haber acabado todavía queda el apoteosis final, con un video-clip en los créditos en el que los protagonistas interpretan un último tema con la peor caspa setentera que pueden soportar mis sufridos ojos.

¡El horror, el horror!

Para un perfecto visionado de la película es recomendable el uso del siguiente kit.

Las gafas pueden elegirse entre roble y pino.

Otro año sin Expofriki

2008-12-08T12:19:00.006+01:00

Este año no he ido a Expocómic,ni el pasado... ni el anterior.
Y es que Expocómic no me convence.
No todo es achacable al evento, la mayoría de mis pegas son más bien personales:

1º No me gusta pagar la entrada.
Vale que hay exposiciones, eventos, charlas y firmas de autores. Pero al final lo que uno hace más es comprar. Y me fastidia tener que pagar para entrar a comprar en un sitio. Es como tener que pagar entrada por entrar al Carrefour alegando que "hay degustaciones de comidas".

2º Demasiada gente para tan poco espacio.
El recinto de la Casa de Campo se ha quedado pequeño, cada año la afluencia es mayor y también aumenta el número de editoriales con su correspondiente stand. Codazos, colas, gente sentada en todas partes, calor humano...

La plaza estaba abarrotá.

3º Las exposiciones siempre me decepcionan.
Da igual que sea Steve Rude y sus cuadros de ancianas gordas o una mini-exposición sobre el Capitán Trueno. Las exposiciones están poco o mal presentadas, recurren alarmantemente a la fotocopia y dan un aspecto excesivamente desangelado.

4º Demasiados otakus.
Seguro que a más de uno le sienta mal esto que digo, pero a mi tanto friki disfrazado de personaje de anime me da un poco de vergüenza ajena. Entiendo que es una de las pocas ocasiones en las que pueden lucirse así sin despertar la risa del personal, pero creo que ya existe un Salón del Manga, con mayor éxito incluso que este Expocómic, donde creo que encajan más que en un evento más generalista sobre los tebeos.

Friki’s Power.

5º No me gusta ir solo.
Creo que un salón de estas características se disfruta más en compañía de otros aficionados, desgraciadamente no conozco a mucha gente que comparta mi afición y cuando voy con mi mujer tengo la sensación de que se aburre. Recomiendo ir con amigos que compartan el gusto por las viñetas.

6ºLa organización
Charlas con autores en oscuras salas imposibles de encontrar sin hacer uso del hilo de Ariadna. Megafonía estridente e incesante que impide oír a los ponentes. Traductores poco atinados. Cosplay a todo volumen. Largas colas de entrada. Asfixia y lipotimias entre el público.

Las clases magistrales suelen tener mucho éxito. No entiendo porqué.

7º La ubicación.
Demasiado en la periferia de Madrid, no demasiado bien comunicado y lejos de cualquier buen restaurante.

No preguntes.

Siempre que asisto a un Expocómic tengo una sensación agridulce. He disfrutado con las charlas de Busiek y Chen, con la de Starlin, con un maravilloso Hernández Palacios en la Expogafe (murió a los pocos meses y el Palacio de los Deportes donde se celebró ardió también poco después), con la última presentación de novedades de Pere Olivé... pero otras veces me he ido sin ver ningún acto y, encima, con los bolsillos vacios.
Creo que Expocómic ha crecido y mejorado año a año pero hasta que no encuentre un recinto adecuado y obtenga entidad propia desligándose del manga y los videojuegos, no podrá dar todo lo que puede ofrecer.

Tal vez el próximo año.

Arrugas en la memoria

2008-11-28T14:08:00.012+01:00

La estupenda portada expresa a la perfección el sentido del cómic

“Arrugas”, del Valenciano Paco Roca, premio al mejor guión y a la mejor obra española en el Salón del Cómic de Barcelona de 2007 y flamante, pero tardío, Premio Nacional de Cómic en 2009, es uno de esos cómics que no deben faltar en toda tebeoteca, un cómic que regalar a los que no leen cómics, a aquellos que creen que los tebeos son para niños o los que nunca entenderán porqué el cómic es arte.

En este trabajo Paco Roca narra la historia de Emilio, un director de una sucursal bancaria ya jubilado que se encuentra en el peor momento de su vida, viudo y lidiando con una familia para la que se ha convertido en una carga. Su difícil comportamiento con los que le rodean hace que sea internado en una residencia de ancianos donde se le diagnosticará Alzheimer. Allí, todavía lúcido, podrá ver con sus propios ojos cuál será su destino. Un final contra el que luchará ayudado por Miguel, su compañero de habitación, en una pelea sin victoria posible.

“Arrugas” es una historia sobre la memoria y su pérdida y sobre una enfermedad que no sólo nos roba lo que fuimos sino también lo que somos convirtiéndonos en una pizarra en blanco en la que ya no se puede escribir.

Hay en este cómic muchos momentos de comicidad y ternura pero con una segunda lectura trágica en un relato salpicado de anécdotas reales de ancianos. Todo ello narrado de manera con eficacia empleando diversos puntos de vista, así no sólo vemos a los personajes, también participamos de su particular modo de ver mundo que les envuelve a través del velo de su enfermedad, un mundo anclado en momentos del pasado que se resisten a olvidar.

Emilio es consciente de su enfermedad y lucha por evitar “subir a la segunda planta”, un lugar donde los enfermos ya no pueden valerse por si solos y permanecen en un continuo estado de ensimismamiento.

Las emociones están presente en toda la obra pero sin hacerla demasiado dura o sentimental para el lector; hay ligereza en el tono, pero también profundidad y dolor en esos ancianos y sus peculiares manías.

Particularmente hermosa resulta la historia del matrimonio que revive a diario una historia de amor nacida en su infancia.

Un dibujo sencillo, de linea clara y algo caricaturesco pero dotado de gran expresividad acompaña a una narrativa de extrema fluidez. La maestría del narrador brilla especialmente cuando, casi al final del álbum, con dos páginas y media totalmente en blanco, Paco Roca consigue decir mucho más que otros autores en páginas y páginas de dibujos y texto.

No puedo evitar las comparaciones al hablar de “Arrugas” de Paco Roca con la película de Mercero “¿Y tu quién eres?”. Y, en mi modesta opinión, “Arrugas” gana por por goleada.

Mientras que en aquella película se trivializaba sobre una enfermedad tan dura y se golpeaba al espectador con continuos efectismos dramáticos, en el cómic somos partícipes del dolor y de las pequeñas alegrías de los protagonistas sin caer en la banalidad o una pretendida moralina. Hay algo tranquilo y agradable en los ancianos de “Arrugas” que Mercero no supo expresar con sus sobreactuados protagonistas.

Por poner un pero al tebeo creo que la escena de la escapada resulta demasiado salida de tono y parece algo forzada.

Un cómic que nos acerca a la realidad de una dura enfermedad evitando la crudeza o ser demasiado edulcorado.

"Arrugas" ha sido editado por Astiberri

El cine en casa (y III)

2008-11-26T18:09:00.004+01:00

¿Quién está más perdido, los supervivientes del vuelo 815 o los guionistas de Lost?

Se conoce como cine de género aquel que puede englobarse en unos determinados códigos estéticos y/o estilísticos, fuera de los más globales drama y comedia aunque con evidentes connotaciones ya sean dramáticas o cómicas.

Así quedarían enmarcados dentro del cine de género las películas policíacas, de espionaje, acción, bélicas, ciencia-ficción o terror, principalmente.

El la televisión siempre ha habido series que cabría definir dentro de estos géneros, desde Star Trek a Outher Limits o de El Prisionero a Expediente X.

Sin embargo, fuera de ser consideradas series de culto, nunca han estado entre las favoritas del público y, salvo excepciones, los indices de audiencia nunca han superado a las series dramáticas de corte más clásico. En especial dramas familiares, médicos o judiciales.

Brillan con luz propia las series policíacas como C.S.I. o Ley y orden. Pero son las series de géneros como el fantástico o la ciencia-ficción las que, de un tiempo a esta parte, están viviendo su momento de gloria.

El ala oeste de la Battlestar Galactica

Series como Perdidos, un cóctel de fantástico, ciencia-ficción y drama de supervivencia; Heroes, la serie de superheroes que no quiere parecerlo; Battlestar Galactica, serie que mezcla ciencia-ficción y política; 24, acción pura y dura; The Unit, espionaje y paramilitarismo; Chuck y Último Aviso, mezcla de espionaje y comedia; Sobrenatural, terror y misterio al más puro estilo Expediente-X o Smallville, superheroes sin complejos. Y otras como Surface, Invasión, Tan Muertos Como Yo, Ripper o Journey Man que quedaron por el camino.

Nunca hemos tenido tanta variedad y calidad para elegir. El mejor cine de género en nuestra pequeña pantalla.

¿Mulder y Scully?... er... no. Los hermanos Winchester

A eso digo: ¡NO! (VII)

2008-11-25T20:42:00.010+01:00

Relative strangers=Una familia casi perfecta
Coeurs=Asuntos privados en lugares públicos
The Water Horse: Legend of the Deep=Mi monstruo y yo
I Want Candy=Vaya par de productorex
The Game Plan=Papá por sorpresa
Rogue=El territorio de la bestia
Fools Gold=Como locos... a por el oro
My moms new boyfriend=Mi novio es un ladrón
Drillbit Taylor=No tan duro de pelar
Made of honor=La boda de mi novia
Forgetting Sarah Marshall=P aso de ti
Bonneville=El viaje de nuestra vida

Harold and Kumar Escape From Guantanamo Bay=Dos colgaos muy fumaos: Fuga de Guantánamo

Whisper=Hellion: El ángel caído
College Road Trip=Loco viaje al campus
Meet Dave=Atrapado en un pirado
Love wrecked=Mi ligue en apuros
The Love Guru=El gurú del buen rollo
Married Life=El juego del matrimonio
My best friends girl=Una novia para dos
Tropic Thunder=Tropic Thunder, una guerra muy perra

Y lo de este ya es obsesión. Hasta se repite.

Step Brothers=Hermanos por pelotas
The Rocker=Un rockero de pelotas
Balls of Fury=Pelotas en juego
Dodgeball: A true underdog story=Cuestion de pelotas

Mr. Woodcock=Cuestión de pelotas (Mr. Woodcock)

Menos una, todas estrenadas este año.

Hoy recomiendo: Las guerras de los Sinestro Corps

2008-11-24T15:21:00.003+01:00

Como ya he dicho anteriormente me gustan los tebeos de superheroes. Si bien es cierto que mi bagaje se fundamente más en las ediciones de Marvel, nunca he hecho ascos al catálogo de DC, su principal competidora.

Tratar de hacer entender a un profano el increíble universo que se oculta tras las páginas de los cómics de superheroes es prácticamente imposible. Las películas han ayudado, pero no se acercan ni de lejos al complejo entramado fruto de décadas de publicaciones. Universos entrelazados con multitud de personajes que dificilmente pueden ser abarcados en dos horas de metraje.

Uno de los más fascinantes conceptos de DC es el del cuerpo de Green Lanterns, una especie de policía universal en la que unos pocos elegidos patrullan un determinado sector del espacio.

El más famoso Green Lanter ha sido siempre el terrestre Hal Jordan, pero en nuestro planeta comparte el poder del anillo verde con Guy Gardner, John Stewart y Kyle Rainer.

Tomando como punto de partida una pequeña historia del maestro Alan Moore, Geoff Johns, artífice de esta saga, presenta la creación de los Sinestro Corps. Un cuerpo de portadores de un anillo amarillo bajo el mando de Sinestro, un Green Lantern renegado, ayudado por el Superman Cyborg, Superboy Prime y el Antimonitor.

Ya la tenemos liada.

Con un número especial que sirve de presentación y a lo largo de varias entregas de las series Green Lantern y Green Lantern Corps presenciamos una auténtica guerra entre los dos bandos portadores de anillos.

Es tal la magnitud del evento y tan grandes las bajas de los Green Lantern que los Guardianes, creadores de los anillos esmeraldas, deben reescribir las leyes de los Lantern y permitirles el poder matar para sobrevivir.

Una saga con algunos momentos francamente espectaculares y batallas grandiosas que jamás podremos ver en una pantalla de cine. El clímax, en nuestro planeta, permite que la plana mayor de personajes de DC tengan su pequeño momento en la gran batalla final.

Además la saga presenta nuevos conceptos como el que todos los anillos, sea cual sea su color, contienen la esencia de una entidad que representa diversos estados emocionales: Valor, Amor, Miedo, Esperanza...

Así somos testigos de lo que vendrá en la futura saga "La noche más oscura" con múltiples portadores de anillo.

Tras la decepcionante Crisis Infinitas se agradece este cómic, realizado con inteligencia y corazón y con la mirada puesta en el futuro

¡Al ataquerl!

Las mejores series que nadie ve (II): Veronica Mars

2008-11-20T19:57:00.006+01:00

Maltratada por "La 2" y emitida en el canal Cosmopolitan TV, no precisamente uno de los más populares de las digitales, Veronica Mars es una de las mejores series de los últimos tiempos, una mezcla de serie policíaca y drama adolescente que, por desgracia, no tuvo el mismo éxito de público que crítico lo cual la ha convertido en una serie de culto para paladares exquisitos.

Quizá ese toque "teen" alejó a potenciales espectadores más talluditos y su complejidad y sofisticación hizo lo mismo con los espectadores más jóvenes. A pesar de ello completó tres temporadas con algunos de los mejores momentos televisivos de los últimos tiempos.

De Verónica Mars me gusta hasta la sintonía.

La primera temporada nos sitúa en Neptune (California), una localidad donde, o eres rico... o trabajas para ellos. Verónica Mars es una de las chicas más populares del instituto, su padre es el Sheriff y su novio, Duncan Kane, uno de los mejores partidos de la ciudad, la hermana de su novio, Lilly, es su mejor amiga y es, a su vez, novia de Logan Echolls, hijo de un famoso actor que no vive sus mejores momentos.

Todo cambia el día que Lilly aparece asesinada, el padre de Verónica acusa al padre de Lilly y Duncan como sospechoso del asesinato y su obsesión acabará con su carrera arrastrando a Verónica con ella, además Duncan corta su relación poco antes del asesinato sin dar explicaciones. La madre de Verónica abandona el hogar y, para colmo de males, Verónica es drogada y aparentemente violada durante una fiesta de los chicos del instituto donde aparece con la palabra "puta" escrita en su vestido.

Convertida en una paria será rechazada por su antiguo novio y convertida en objeto de burlas de Logan y su pandilla.

Su padre crea una agencia de detectives en la que Verónica trabajará de ayudante resolviendo casos al tiempo que investiga la muerte de su amiga.

Esta primera temporada abarca toda esa trama salpicada por episodios autoconclusivos con pequeños casos de investigación.

Resuelto el misterio de la primera temporada no hay lugar para el respiro y la segunda temporada comienza con un aparente accidente en el que mueren varios alumnos del instituto. Esta segunda temporada además atará varios cabos de la primera y cerrará el destino de varios personajes al tiempo que Verónica inicia una relación complicada con el improbable Logan Echolls.

La tercera temporada, con la sombra de la cancelación sobre la serie, presenta varias tramas largas sin el gancho de las primeras pero ofreciendo un nuevo entorno, la Universidad de Neptune, que permite añadir nuevos personajes al elenco.

El final resulta algo precipitado y, aunque cierra todos los misterios abiertos, deja varias subtramas en el aire a la espera de un posible retorno que, por las últimas noticias, puede ser en un largometraje que situaría a Verónica como becaria del FBI. Entretanto podemos consolarnos con una posible cuarta temporada editada en cómics.

La serie, como ya he dicho, es densa y compleja y el espectador ocasional puede acabar perdido entre tanto misterio y personaje, pero una visión de conjunto nos muestra el magnífico trabajo de planificación de los guiones. Aderezado con unas buenas interpretaciones y no pocas "apariciones estelares" de parte del elenco de Buffy Cazavampiros, tiene en su protagonista, Kristen Bell, su mejor baza.

Verónica-Kristen es la novia que todos hubieramos querido, si somos del sexo masculino, y la amiga ideal de toda chica. Guapa, sexy, inteligente, divertida, mordaz, valiente y decidida.

Huerfanos de la serie hemos podido verla en Deadwood, donde sufriría uno de los más brutales destinos que he visto en una teleserie, y en Heroes como villana con poderes eléctricos.

Kristen, I love You

A eso digo: ¡NO! (VI)

2008-11-19T19:14:00.008+01:00

¿Es que en los hoteles desconocen la existencia de las persianas?

Las mejores series que nadie ve (I): Coupling

2008-11-14T19:39:00.005+01:00

No, no es el Central Perk

Coupling es una poco conocida serie británica de humor creada por Steven Moffat (el mismo de la reciente Jekill) que se emitió desde el año 2000 al 2004 en la BBC repartida en cuatro temporadas.

Como la mayoría de series británicas cada temporada sólo tiene seis episodios.

Su esquema recuerda mucho a Friends, varias parejas de treintañeros que se reúnen a tomar copas en un pub y nos hacen cómplices de sus vivencias y pensamientos. Sin embargo un rápido vistazo nos marca las muchas diferencias que se resumen en una, su tono adulto.

Mientras que en Friends los protagonistas tendían a ser eternos adolescentes en Coupling nos encontramos con auténticas relaciones y conversaciones adultas. El tono "picante" y los dobles sentidos abunda en todas las frases y conversaciones, las confusiones y enredos que estos provocan dan lugar a algunos de los mejores sketches que he visto en una sitcom en los últimos años.

Las conversaciones pueden ser banales o absurdas pero siempre girarán sobre el sexo opuesto, el pacatismo que suele haber en la sociedad americana da paso a un punto de vista más europeo y desenfadado sobre el sexo y las relaciones.

No me confundáis, no hay escenas de sexo ni diálogos soeces pero sí que abundan conversaciones del tipo que solemos tener con los amigotes cuando vamos un tanto pasados de cervezas.

Diálogos sobre porqué los hombres vemos porno aunque tengamos pareja (y la defensa más acertada que he visto nunca sobre ello), las ventajas de una mujer con cerebro en los pechos, cómo superar situaciones incómodas imaginando a la gente desnuda (cosa nada aconsejable en un entierro), cómo recuperar a tu ex pareja prometiéndole tríos con mujeres o cómo ligar en un baño con una desconocida, al salir a comprar preservativos, mientras tu pareja espera en la puerta de al lado para hacerte el amor .

Hay episodios brillantes como ese en el que Jeff intenta ligar con una mujer israelí que sólo habla hebreo y se nos muestra la misma situación desde el punto de vista de cada interlocutor y el desastroso final que conlleva.

Los personajes están perfectamente caracterizados:
Steve Taylor, algo inseguro con las mujeres que tras una complicada relación con Jane (una indespegable, en palabras de Jeff) conoce a Susan Walker con la que inicia un nuevo noviazgo.

Susan es una mujer segura de si misma y bastante liberada que puede llegar a ser algo intimidatoria con sus parejas y que parece haber encontrado en Steve su mejor complemento.

Sally Harper es su mejor amiga, cosmetóloga y obsesionada con la juventud y el paso del tiempo, algo desesperada por encontrar pareja se lía con Patrick Maitland el mismo día que Susan le da plantón.

Patrick es el típico guaperas más bien descerebrado que se cree un regalo divino de las mujeres... algo que quizá sea cierto teniendo en cuenta que Susan le llamaba "el trípode".

Jane Christie, la ex de Steve es una neurótica posesiva que siempre ha conseguido engañar a Steve para que no la deje utilizando artimañas sexuales. Aceptará a Susan a regañadientes pero siempre con un ojito puesto en SU ex.

Por último está Jeff Murdock, el único personaje realmente inmaduro del sexteto, un niño grande aficionado a las consolas y con auténtico terror a las mujeres, es el "colega del porno" de Steve con el que ha prometido que cuando uno muera el otro irá a su casa para deshacerse de todo el porno que tenga y salvaguardas su honra, es también compañero de Susan y el que la presentó a Steve. Salió con Susan en una ocasión pero su extremo nerviosismo ante una mujer tan lanzada imposibilitó toda continuidad. Es el personaje más divertido y Richard Coyle, el actor que le interpreta, hace una composición delirante.

Jeff, te queremos

Si te gustó Friends pero la notaste algo blanda esta es tu serie, en mi opinión tan divertida como aquella y mucho más adulta.

Blade Runner: Recuerdos y reflexiones.

2008-11-14T15:26:00.001+01:00

La primera vez que vi Blade Runner no me gustó. Nada.

En mi defensa diré que sólo tenía 11 años y mis referentes cinéfilos eran la TV, las sesiones infantiles de los domingos por la tarde y el Superman de Richard Donner. Ni siquiera había visto todavía ningún Star Wars.

Fui aconsejado por un compañero del colegio ya que su hermano mayor la había visto y le había gustado mucho y mi decepción fue mayúscula. No entendí nada, algunas escenas me daban miedo y encima a una tía se le veían las tetas (un shock, mi primer desnudo en pantalla) lo cual me incomodó bastante (iba con mi hermano mayor).

Por aquella época frecuentaba la biblioteca de mi barrio y comencé a aficionarme a las revistas de cine que allí había, concretamente Dirigido Por... En uno de sus números analizaban la película y la ponían por las nubes y, aunque no entendí todos los detallas, empecé a darme cuenta que la culpa de mi disgusto tal vez no la tuviera la película.

El tiempo fue dando al film una estela de mito, y cualquier referencia posterior venía acompañada por la coletilla "de culto". Tuve que esperar al primer "director's cut" para poder volver a verla y reconsiderar mi postura y, efectivamente, en ese segundo visionado reescribí todas mis impresiones. Noté en falta la voz en off que no me parecía redundante y le daba un toque noir a la película, pero la eliminación del Happy End me pareció mucho más acorde con el tono de la película.

Y desde entonces nunca la había vuelto a ver. Con el auge del DVD esperaba la salida en ese formato de la película, pero Ridley Scott se hacía de rogar, sólo una edición importada en VOS se había comercializado pero no me había interesado. Hasta que se supo el motivo de la tardanza: una nueva Director's Cut con alguna escena añadida (o extendida) y efectos especiales retocados amén de remasterizaciones varias.

Primero se editó el famoso (e inalcanzable) maletín con 5 versiones de la película, múltiples extras y varios objetos de merchandising. Pero, por fin, se ha comercializado la película en dos ediciones, una, la normal, y otra con todos los DVD del maletín pero sin objetos añadidos.

Y así, después de tantos años, he podido reencontrarme con este clásico moderno.

De momento sólo he visto el último Director's Cut, como mi recuerdo de las versiones previas no es muy bueno enumeraré algunas de las impresiones que he tenido aunque quizá sean producto de mi mala memoria.

Como nuevas escenas sólo he percibido un pequeño flash de dos orientales con máscaras bailando en una pantalla y la muerte del personaje de Daryl Hannah me ha parecido más larga y agónica de lo que recordaba. Las vistas de la pirámide de la empresa fabricante de replicantes me han parecido más impresionantes, no se si hay retoque digital, pero si no es así, resultan muy reales para la época en que se rodó. Se ha mantenido la escena del unicornio y la voz en off sigue desaparecida.

La película me ha gustado más que nunca, el toque de cine negro con estética futurista encaja a la perfección y se me ha hecho muy corta y entretenida, algo que revisando películas de hace unos años no siempre me ocurre. La historia, a pesar de su sencillez, resulta densa y el final es brillante. El monólogo final de Hauer sigue siendo brutal (voz de Constantino Romero incluida en la versión doblada) y el epílogo despeja toda duda sobre si Deckard es un replicante.

Sobre este punto diré que en la primera versión la cosa no quedaba tan clara, supongo que Scott decidió matizarlo más y añadió la escena del unicornio que, con el origami que también lo representa, deja bastante claro que Deckard tiene recuerdos implantados y que hasta el personaje de Edward James Olmos los conoce. No son pocos los que dicen que esa escena onírica no es más que una secuencia extraída de la siguiente película de Scott (Legend) y yo estoy de acuerdo. Supongo que la figura del unicornio de origami y la presencia de este animal en Legend fue una feliz coincidencia que Scott supo aprovechar.

Otro detalle destacable es la obsesión por los ojos que el director tiene a lo largo de la película: en la escena aérea inicial inserta un plano de un ojo, luego en el test que se hace los replicantes los ojos son primordiales y destacan en todas las escenas con el aparato empleado para dichos test. Los replicantes acuden a un diseñador de ojos en una escena con diversos planos de ojos envasados, el fabricante lleva unas curiosas gafas y, posteriormente, un replicante extrae un ojo de una cuba con nitrógeno líquido y se lo coloca en el hombro. El director de la empresa diseñadora también lleva unas extrañas gafas que aumentan y distorsionan sus ojos, cuando es asesinado por Hauer este lo hace introduciéndole los dedos en los ojos. Luego Daryl Hannah pinta sus ojos con un spray negro y, más tarde, Hauer bromeará colocándose unos ojos de juguete. Hay muchos más pero estos son los que me han llamado más la atención.

Se ha criticado mucho la película como demasiado esteticista pero a mi me parece que si se pretende crear una determinada atmósfera se debe cuidar mucho la imagen, en una película ambientada en el futuro es primordial y la presencia de pantallas publicitarias, coches voladores, lluvia omnipresente y contaminación palpable son imprescindibles para crear el tono, tanto futurista como de cine negro. Scott es un director irregular aunque por encima de la media y con un estilo propio que da mucha importancia a la ambientación y que debe a sus orígenes publicitarios. Si tengo que elegir entre su estética publicitaria o la de vídeo-clip con montaje inconexo que nos inunda me quedo con la primera. Si además cuida los guiones este director puede dar muchas alegrías. Su último trabajo, "American Gangster", es de lo mejor que he visto en años, digno del mejor Scorsese.

Cómo hacer una crítica de cine (sin haber visto la película) en once sencillos pasos

2008-11-11T17:40:00.005+01:00

1º Ante todo ¡fuera complejos!
Corre el bulo de que todo crítico de cine es un director frustrado ¡mentira! Del mismo modo que no hace falta ser Arguiñano o conocer una receta para saber si un plato es de nuestro gusto tampoco hay que tener ninguna experiencia o conocimiento especial en realización cinematográfica para saber si una película nos gusta. Porque, no nos engañemos, una crítica no va de si una película es buena o mala sino de si nos ha gustado o no y luego escribir algo totalmente diferente.

2º Lo importante es la jerga
Como he dicho no hay que ser Truffaut o Bogdanovich y tener aspiraciones de cineasta, tampoco hay que conocer los entresijos de una película pero, evidentemente, hay que parecer que sabemos de lo que hablamos y para ello nada como conocer la jerga. Un palabro bien colocado nos dará toda la credibilidad necesaria para parecer un experto cinéfilo. Términos como "ópera prima", "estructura temporal", "flasback", "banda sonora", "fotografía", "interpretación", "guión", "montaje" "caracterización" o "ambientación" deben salpicar toda crítica que se precie de serlo.

3º Lee, lee y lee... y luego copia
Antes de afrontar una crítica es fundamental leer lo máximo posible sobre la película, conocer la carrera previa del director es primordial, algún detalle sobre el guión y saber bien el "cast" de la película. Si se lee alguna crítica o reseña hecha por otros mucho mejor, no te faltará material para "fusilar".

4º Ver la película antes es perder el tiempo
Un visionado previo de la película puede ayudar, pero es mejor evitarlo. Nada puede influir más en una crítica objetiva que una valoración en función de nuestros gustos, así que siempre será preferible no verla para no sentirnos obligados a expresar nuestros sentimientos reales. Lo importante es la información previa y cómo plasmar esos datos de manera imparcial. Si Antonio Gasset y Andrés Arconada pueden hacerlo tu no vas a ser menos. Además te ahorraras más de un sufrimiento y puedes aprovechar ese tiempo que no vas a perder en pillar una cogorza o dedicarte a tus otras artes onanistas.

"11:14 es la típica película de terror adolescente" Andrés Arconada

5º Los festivales. Tu gran aliado
Los múltiples festivales de cine son una ayuda inestimable para tu labor crítica por dos motivos, el primero son las escasas posibilidades de que esas películas iranies, rumanas o congoleñas lleguen a estrenarse en salas comerciales, las posibilidades de que alguien pueda contrastar tu crítica de esas películas son nulas así que puedes contar lo que quieras sin miedo. Eso sí, toda película iraní es "maravillosa y arriesgada", si es del este de Europa será "valiente y aleccionadora" y si es de la India ha de ser "alejada de los tópicos de Bollywood". Toda película independiente norteamericana tendrá el calificativo de "fuera de los cánones más comerciales".
La segunda ventaja de los festivales es que, con el cine comercial, permite el visionado previo de muchas películas por compañeros de profesión con lo cual, cuando se estrenen en salas ya tendremos el trabajo de "investigación" prácticamente hecho.

6º Conoce al director
Con sus más y sus menos todo director suele mantener unos niveles similares en toda su filmografia, hay que estar al tanto de sus periodos de decadencia pero, por lo demás, cualquier crítica a un film anterior puede servirnos de guia para la actual película. "Fiel a su estilo" debe quedar grabado en tu mente.

7º En caso de equivocación no nos pongamos nerviosos
Un traspiés lo puede tener cualquiera y grandes directores también hacen grandes fiascos. Si nuestra labor de recopilación de datos no ha sido buena podemos cometer el error de ensalzar el último truño de David Linch. Pero tranquilidad, tres sencillas frases nos librarán del dedo acusatorio:
-Pues a mi me ha gustado.
-Lo que pasa es que no la has entendido.
-Tu no tienes ni idea de cine.

8º Tópicos típicos
Nada como espolvorear varios tópicos para salpimentar tu crítica. "El cine no se ve con los ojos, se ve con el corazón", "prometedor primer trabajo", "esforzada labor histriónica", "montaje vertiginoso", "ambiente opresivo", "música evocadora", "el grán público", "guión de acero", "fallida labor de dirección"... una buena frase hecha llenará el vacío de tu crítica.

9º Califica con números o estrellas
Una puntuación antes de cualquier crítica se hace imprescindible, en la mayoría de los casos evitará que el texto sea leído ya que será la única guía que busque el potencial espectador.

10º Si no es un estreno mucho mejor
Nada como los clásicos. En reestreno o pase televisivo nos permite hacer crítica "en dos patás". Internet, una inmensa bibliografía (a ser posible prestada o de bibliotecas públicas) o "La guía del video-cine" de Carlos Aguilar nos ofrecen el trabajo literalmente acabado. Sólo hay que "transcribir".

11º Irse por las ramas, una meta
Habla de la historia, repasa la carrera de actores y directores, comenta películas similares, relata anécdotas del rodaje, haz un listado de premios y una valoración del pase de la película por festivales, coloca una cita cultural para parecer más leído... todo vale para desviar la atención sobre el verdadero asunto. Si te enrollas lo suficiente el lector se dará por satisfecho sin haber encontrado ninguna crítica real en todo lo leído.

“Para ir al cine con esta cartelera hay que tener coeficiente intelectual negativo”

A eso digo: ¡NO! (V)

2008-11-07T17:20:00.004+01:00

¿Porqué narices me tienen que estropear el visionado del programa o película que estoy viendo con "moscas", publicidad o anuncios promocionales insertados encima de la imagen? Y luego nos hacen pagar canon para que respetemos la propiedad intelectual.

A ver qué le parecería a Ramoncín que la discográfica insertase cortes publicitarios en medio de las canciones al editar sus discos. O a Perez Reverte anuncios de ING cada 20 páginas de sus Alatriste.

Ni respeto al autor ni al espectador.

Los Chenchos

2008-11-05T20:09:00.004+01:00

Como tantos años la fería, como llamábamos a aquellas casetas de tómbola y las inseguras atracciones que las acompañábamos, había vuelto a nuestra localidad.

Año tras año llegaban, a veces acompañadas de algún circo de nombre rimbombante como Gran Circo Europa o Circo Mundial, y entonces hacían las delicias de niños y no tan niños que disfrutaban de El Barco Vikingo o el clásico Tren de la Bruja.

Y aquellas tómbolas, que repartían sobrecitos o extrañas tablas con tres cartas de la baraja española pegadas, ofrecían todo tipo de premios. Desde jamones y longanizas a botellas de vino, cuberterías, freidoras, consolas coreanas que imitaban a las Nintendo y Sega y hasta televisores de 14’’.

Pero todos los años algún peluche o muñeco era la estrella y el vocero que coreaba los números premiados cantaba alguna rima bastante penosa a costa del muñeco de moda.

Un año era la muñeca Pepona o Chochona, tanto daba, otro el Naranjito. Los pitufos, Epi y Blas, Espinete o, más tarde, todo un clásico: el Perrito Piloto al que nunca supe encontrar porqué era piloto y mucho menos de que clase.

Me gustaba pasear cuando aún montaban las atracciones o las casetas y tómbolas. En alguna ocasión los operarios nos habían invitado a subir a alguna atracción “para probarla” y nosotros, tan temerarios como inconscientes, subíamos encantados sin saber que nuestra vida podía correr peligro.

Y en una ocasión ocurrió que un hombre, mientras desembalaba el muñeco que tocaba ese año se le quedó mirando con extrañeza. Al verme me preguntó cómo se llamaba ese peluche a lo que respondí: -Bart Simpson de Los Simpson.
El hombre sonrió satisfecho y me dio las gracias.

Pocos días después iba con mi pandilla a disfrutar de las ferias y me acerqué a aquella caseta, el hombre, micrófono en mano gritaba: -¡Los Chenchos, los Chenchos! ¡El niño de los Chenchos!

Bart Chencho

Tamaño natural

2008-11-03T13:01:00.006+01:00

Lars, un joven muy especial

El fin de semana, si no salgo por ahí, suelo dedicarlo a ver películas. Intento ser ecléctico y ver un poco de todo, sin demasiados prejuicios pero intentando que no tenga que pasar a modo mononeuronal.

Intento ver alguna película palomitera tras una buena comida, si la película lo merece suele ser el mejor acompañamiento a una buena siesta.

No le hago ascos al cine español pero intento escoger las películas españolas informándome bien antes para saber a qué me enfrento. Son ya muchas las decepciones pero también hay sorpresas agradables muy de cuando en cuando.

Y luego siempre cae alguna película "de buenas críticas". Algo de calidad, un buen drama o alguna películilla independiente.

Si el año pasado una de mis favoritas fue Pequeña Miss Sunshine este año, sin duda, mi pequeño tesoro ha sido Lars y una chica de verdad.

Una de esas pequeñas joyas que se ven con una sonrisa perpetua (aunque se congele en más de un momento) y que, cuando termina, me hace sentir que han sido algunos de los mejores minutos que he invertido delante de una pantalla. Una película que seguro ha pasado inadvertida por nuestras salas a pesar de haber estado nominada a varios Oscar (su guión lo merecía) y tener varios premios.
Lars y una chica de verdad es una historia sobre la imposibilidad de relacionarse y expresar nuestros sentimientos, sobre la búsqueda del amor y cómo las personas pueden afectar a las que les rodean haciéndoles mejores seres humanos.

Lars y una chica de verdad cuenta la historia de un joven cuya madre murió al nacer y de cuyo padre nunca recibió afecto, para colmo su hermano mayor escapó del hogar familiar en cuanto pudo y ahora vuelve casado y esperando un hijo.

Nuestro protagonista tiene una imposibilidad incluso física de expresar y recibir afecto, el mismo contacto humano le causa dolor y apenas se relaciona con su entorno. A pesar de ello es muy querido por su comunidad que le ve como un joven dulce y educado.

Todo cambia cuando hace acto de presencia Bianca, una joven de imposible biografía que ha conocido por internet y que además necesita silla de ruedas.

La familia conoce a Bianca... y alucinan.

Cuando su hermano y cuñada conocen a Bianca no pueden creer lo que ven, Lars ha sublimado todas sus imposibilidades en una persona que ni tan siquiera es real. Diagnosticado como un episodio delirante su doctora aconsejará que se le siga la corriente al tiempo que le trata.

Así todo el pueblo participará de la farsa y poco a poco Bianca ejercerá su magia haciendo que familia, amigos y conocidos lo den todo por Lars provocando en este un sorprendente cambio que le acercará a la compañera de trabajo por la que siempre ha sentido algo.

Rozando el absurdo y evitando, con nota, caer en el ridículo o la cursilería, la película plantea, en tono de comedia, grandes temas sobre cómo somos y cómo el dolor puede crear barreras que sólo el afecto puede derribar.

Lars y una chica de verdad es de esas películas que, cada vez en menos ocasiones, nos reconcilian con el cine que se hace hoy en día y nos demuestran que sólo hacen falta buenas historias contadas con sentimiento.

A eso digo: ¡NO! (IV)

2008-11-03T07:27:00.006+01:00

¿Por qué en bares, restaurantes, pubs, gasolineras y centros comerciales, muchas veces con un aspecto inmejorable, todo se viene abajo cuando entramos a los baños?

Yorick contra todas

2008-11-01T11:04:00.003+01:00

Hoy voy a hacer una recomendación de lectura y así aprovecho un texto que ya hice hace tiempo, que es finde y no puedo dedicarle mucho tiempo al blog.

Y el último hombre.

Escrita por Brian K. Vaugham y dibujada principalmente por Pia Guerra. Vaugham es un joven guionista que ha sabido destacar tanto en el género de superhéroes como en historias de más enjundia. De los primeros sobresale la serie Runnaways de Marvel donde crea de la nada a un grupo de adolescentes con poderes, descendientes de unos villanos hasta el momento desconocidos. El tratamiento desenfadado, la perfecta caracterización de estos chavales y el alejamiento de los tópicos habituales del género le ha ganado el favor de la crítica y ha convertido la serie en una de culto. Actualmente la serie ha recaído en las manos de Joss Wheddon, creador de Buffy, Angel y Firefly para televisión con lo cual es de esperar que la calidad no decaiga.

Su otra serie de "superhéroes" es toda una rareza y, para muchos, su mejor trabajo: Ex machina. Una serie donde un ex-superhéroe se dedica a su carrera política. El ala oeste de la Casa Blanca se da la mano con el mundo de los superhéroes en esta estupenda serie.

Pero toca hablar de Y el último hombre. Una serie que se podría englobar dentro de la ciencia-ficción post apocalíptica pero que basta un simple vistazo para darse cuenta que la definición se queda corta y no le hace justicia. La mejor manera de entender de qué va la serie es seguir su argumento: Yorick es un bueno-para-nada aprendiz de mago y escapista que se saca unos ingresos cuidando del adiestramiento de monos para emplearlos en ayuda a minusválidos, el mono a su cargo es Ampersand (el símbolo & o letra "Y" en su uso habitual, la Y griega será recurrente en toda la obra y, más o menos oculta, se puede encontrar en todas las portadas). Yorick, a pesar de ser un poco friki y más bien inútil, tiene una estupenda novia llamada Beth que, cuando inicia la historia, se encuentra en Australia.

En ese punto sucede el desastre, por motivos aún desconocidos un virus invade todo nuestro planeta matando a todo mamífero con el cromosoma Y, todos los machos de la tierra mueren en una agonía provocando todo tipo de desastres a su paso. ¿Todos? no, Yorick y Ampersand sobreviven inexplicablemente.

Yorick, muy a su pesar, emprende un viaje para ¿salvar a la humanidad? ¿Encontrar la cura? ¿Procrear con todas las mujeres vivas? ¿Convertirse en El Elegido? Pues no, se va a buscar a su novia.

A lo largo de años la serie se convierte en la búsqueda de Beth pero también en la resolución de todos los enigmas que se han planteado ¿sigue el virus activo y pueden nacer varones de las mujeres embarazadas en el momento de la tragedia? ¿Quién lo creó y con qué fin? ¿Por qué Yorick y su mono no están afectados? ¿Hay más hombres vivos? ¿Cómo se crean y son las nuevas sociedades sin los hombres? ¿Seguirá Yorick fiel a Beth ante tanta tentación?

Alejada del tono oscuro y catastrofista de otras historias post-apocalípticas (género que no me gusta especialmente) la historia avanza llena de emoción, suspense y continuas sorpresas y giros. Se indaga en los personajes, sus historias, sus vidas pasadas y sus motivaciones dando mucha importancia a su evolución y cambios frente al nuevo status quo.

El guionista ha anunciado el fin de la serie a la altura del número 75 (en USA, aquí se publica en tomos) por lo que ya está prácticamente acabada en estos momentos.

Se ha hablado de una película y una serie de televisión (que sería lo ideal) pero de momento nada en firme, dado que el escritor ha sido uno de los últimos fichajes para escribir la serie Perdidos (que bien "perdida" anda, por cierto) espero que se formalice la serie de televisión porque merecería la pena verla en pantalla.

Entre los dibujantes destaca Pia Guerra, una de las pocas mujeres del medio, que sin ser nada del otro mundo aporta un dibujo limpio, claro y de buena narrativa alejado del feísmo y suciedad típicos de la línea Vertigo.

Sobre su edición en nuestro país, como suele ser habitual ha sido errática, empezó Norma Editorial su publicación en tomos de unos 4 ejemplares americanos, cuando perdió los derechos, Planeta siguió editándola en el punto en que esta lo dejó, en tomos algo mayores (unos 6 ejemplares USA) sin periodicidad clara. Paralelamente empezó a publicar lo editado por Norma en una serie mensual que por el módico precio de 3 € ofrecía dos cómics USA, en estos momentos esta serie ha sido cancelada y, por no seguirla, desconozco si incluyó todo lo editado por Norma, si es así es de esperar la publicación de algún tomo hasta completarla. Mi consejo es comprar todo lo editado por Planeta y, si falta algún ejemplar buscar el tomo correspondiente de Norma o ver si Planeta lo publica (seguro que lo hace).

En todas las portadas aparece la
letra "Y" más o menos oculta

El cine en casa (II)

2008-10-31T08:25:00.011+01:00

Tal y como comenté en una entrada anterior, las series de televisión han dado en los últimos años un enorme salto cualitativo, entre otras razones por el traspaso de escritores del cine a la televisión así como la búsqueda de mayor reconocimiento, control y prestigio que los guionistas suelen obtener en las teleseries.

Otro de los motivos por el que las series estadounidenses parecen haber incrementado su calidad y, sobre todo, su nivel interpretativo lo tiene el paso de muchos actores, más identificados con el cine, al ámbito televisivo.

El que un actor de televisión de el paso a la gran pantalla y obtenga éxito y prestigio no es algo demasiado frecuente. Son medios muy diferentes y muy endogámicos en los que se mira con recelo al actor televisivo como de categoría menor.

Pues no, no es el hombre sin nombre.

No es raro, sin embargo, que los actores den sus pinitos en televisión, pero normalmente es un paso más en sus carreras. Así tenemos casos como los de Clint Eastwood, Nick Nolte, Denzel Washington o Johnny Deep que, en sus comienzos, alternaron series con pequeños papeles en el cine y, si hay que recordar un par de actores cuyo triunfo televisivo les abrió con puertas de oro su paso a la gran pantalla, no podemos olvidar a Bruce Willis y George Clooney.

Sin embargo suelen ser casos aislados, un éxito televisivo no siempre implica repetir en el cine y así lo atestiguan gente como Tom Selleck, Ted Danson, David Caruso o Rob Morrow cuyo paso al séptimo arte es más bien discreto y han tenido que volver, con el rabo entre las piernas, al medio donde conocieron mejores momentos. Y eso por no hablar del elenco de Friends al completo.

Sin embargo en los últimos tiempos la tendencia parece haberse invertido. Actores de todo pelaje, desde estrellas consagradas a viejas glorias o actores de reparto habituales, se está produciendo un auténtico trasvase de figuras de la gran pantalla a la pequeña.

No es raro que actores en el ocaso de sus carreras, con la fama dándoles la espalda o intentando reverdecer una carrera moribunda se encaminen a las productoras televisivas buscando su momento. El mejor ejemplo está en George Peppard, un actor casi olvidado que consiguió el mayor éxito de su carrera y el papel por el que siempre será recordado.

Anibal desayunó con diamantes... y con Audrey.

Hoy día, muchas series de nuevo cuño recurren a actores cuya carrera está en declive para dar un toque de distinción a su programa. Así un actor ochentero cuyo mayor mérito fue protagonizar la primera adaptación de El Silencio de los Corderos se convierte en un personaje que ya es mítico, el Gil Grissom de C.S.I.

William Peterson con varios años y kilos menos.

Otro actor en horas bajas, Treat Williams, logra un importante éxito con Everwood, Gabriel Byrne ofrece su estoica personalidad en la serie de HBO En Tratamiento, Jeff Goldblum no tiene éxito con su Raines, cosa que no les ocurre a Mary-Louise Parker y Elizabeth Perkins en Weeds, Mandy Patinkin compagina sus gorgoritos con temporadas en series como Chicago Hope, Tan Muertos como Yo o Mentes criminales.

"Hola, me llamo Iñigo Montoya, tu mataste a mi padre. Preparate a morir".

Peter Coyote lo intenta con Los 4400 y The Inside. Sally Field triunfa en Cinco Hermanos. Andrew McCarthy y Patrick Dempsey nos hacen olvidar sus papeles en comedietas ochenteras en Weeds y Anatomía de Grey respectivamente. Un semidesaparecido Tom Berenger resurge en October Road, Alec Baldwin obtiene reconocimiento y premios en Rockefeller Plaza al igual que Glen Close en The Shield y Damages al igual que la Oscarizada Holly Hunter con su Salvando a Grace.

Cuando soy buena soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mejor.

Geena Davis, Martin Sheen y Mary McDonnell ejercen como presidentes en la pequeña pantalla mientras que Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, James Spader triunfan en diferentes registros y James Woods y Denis Leary consiguen series hechas a su medida.

Luego estarían esos actores que compaginan el cine con apariciones estelares en diversas series como Forrest Withacker en The Shield, Rebeca de Mornay en Urgencias, El Abogado y John Form Cincinnati o Donald Sutherland en Dirty Sex Money. Pequeños parentesis que no presagian un cambio definitivo en sus carreras.

¿Televisión? Venga hombre, que acabo de ganar un Oscar.

Aún dejándome más de uno olvidado lo que está claro es que en estos momentos la televisión vive días de gloria en los que buenas historias con mejores actores que aportan caras reconocibles y carreras prestigiosas, engrandecen las series que llegan a nuestros televisores.
Si esto no es cine en casa...

A eso digo: ¡NO! (III)

2008-10-30T10:52:00.003+01:00

Gracias pero no tengo problemas eréctiles.

Lo siento, pero no tengo ninguna cuenta en su entidad así que no voy a entrar a su página para darle mis claves de usuario.

Muy tentadora su oferta de sexo gratis pero ando servido.

Lo sienta pero mi no pretende de trabajo en la sua empresa multimillonaria today.

Apadrinaría un niño pero desde luego no en su desconocida organización.

¿Me ha tocado un viaje al Disney World de Orlando? Pues gracias, pueden enviarme los pasajes de avión y bonos de hotel a este mismo mail.

¿Y ahora me ha tocado una millonada en una Lotto de un país que nunca he visitado? Extiendan su cheque a mi nombre y envíenmelo a casa. Muy agradecido.

Muy interesante su oferta de Rollex a 100 euros pero creo que paso.

No me vendría mal adelgazar pero no creo que sus medicamentos ilegales sean lo más aconsejable por mi endocrino.

Lo siento, no entiendo el esperanto o lo que sea esa jerga que utiliza.

Yo fui un Marvel Zombie adolescente

2008-10-30T09:26:00.004+01:00

El primer cómic Marvel que leí fue un Spiderman en aquellos tomitos que editó Vértice. Precisamente se trataba del número siguiente a la muerte de Gwen Stacy lo que tuvo dos consecuencias:
1ª Que uno de los momentos más importantes de la historia Marvel perdiera toda su trascendencia para mí.
2ª Que acabara totalmente enganchado para siempre a esos tebeos.

Y es que, habituado a mis lecturas infantiles de Mortadelos y relatos ilustrados, encontrar una historia en la que al protagonista acaban de matarle a la novia y, para colmo, al volver a casa se encuentra a su mejor amigo en un cuelge de drogas fue todo un shock para mi.

Y lo mejor es que la historia no acababa sino que se anunciaba un nuevo número en el que continuaría. Por no hablar, claro, que el protagonista llevaba un dizfraz, tenía superfuerza, se pegaba a las paredes y lanzaba telarañas.

Hoy en día, con internet, consolas, decenas de canales de televisión y películas con efectos especiales asombrosos la magia es algo tan habitual en la infancia que, con pocos años, los niños casi han perdido su capacidad de maravillarse. Pero para mí, que por entonces teníamos un televisor en blanco y negro en el que sólo se veía un canal (el UHF no lo cogía nuestra antena) y el cine consistía en auténticas batallas campales de pequeñuelos en sesiones infantiles con lo "ultimo" de los Hermanos Marx o Tarzán, aquel pequeño librito con viñetas era una ventana a todo un mundo maravilloso.

Como los recursos económicos de los que disponía por aquellos años se limitaban a "la paga" que mis padres me daban los viernes solía juntar aquellas pocas pesetas con mi hermano mayor y las invertíamos en la papelería del barrio donde, a cambio de 25 pesetas y un tebeo, te sacaban un montón del que podías elegir un tebeo que solíamos leer unas mil veces antes de volver a cambiarlo por otro.

Aquellas pilas de tebeos eran totalmente arbitrarias y podías encontrar desde los típicos Mortadelo y Zipi Zape a los tebeos para niñas como Lilí y Esther (que solía leer con bastante curiosidad, por cierto), los Jabato o Capitán Trueno o aquellos Clásicos Ilustrados que adaptaban a viñetas libros clásicos de la literatura... y de vez en cuando, aparecía algún Spiderman o Vengadores. Eran la joya de la corona y, por norma general, cuando encontrábamos uno lo conservábamos para siempre, lo que nos obligaba a ahorrar un poquito para poder comprar algún Mortadelo que luego poder cambiar.

Y es que, al igual que ahora curiosamente, encontrar cómics de Superheroes en los quioscos o papelerías no era algo habitual.

Solía recorrerme prácticamente todo Getafe junto a mi hermano en lo que llamábamos "la caza" que consistía en visitar la totalidad de quioscos en busca de algún tebeo de superheroes. Aún recuerdo nuestro asombro al encontrar un quiosco, más o menos en el quinto pino, con su vitrina repleta de números de Los Vengadores ¡y a color!. Nada menos que las primeras historias de Stan Lee y Kirby, con el encuentro del bloque de hielo donde permanecía el Capitán América y hasta que se produce el primer cambio de alineación en la serie tras la llegada de Ojo de Halcón... el nirvana. Creo que aquel día perdimos nuestros ahorros de varias semanas. Y mereció la pena.

Luego llegaría Forum, con sus ediciones de "material cronológico e inédito" que a mi me sonaba a chino pero que parecía algo muy importante. Primero cayó, cómo no, Spiderman y luego vendrían La Masa, Los Vengadores y Los 4 Fantásticos. Nunca fui muy de Conan y tendrían que pasar algunos años para que me hiciera con la serie (que por cierto, idiota de mi, vendí en el rastro de Madrid por 500 pesetas).

Tal vez fuera la casualidad pero la editorial Planeta-Forum, tuvo la suerte de empezar sus ediciones en uno de los mejores momentos creativos de Marvel. Spiderman estaba en plena etapa con guiones de Roger Stern y dibujos del primerizo John Romita Jr., La Masa con guiones de Bill Mantlo y dibujos de Sal Buscema, un dibujante que para mí fue el mejor durante muchos años, Los Vengadores nos daban los números de el Conde Nefaria con dibujos de Byrne y luego la saga de Korvak con aquella memorable viñeta en la que el ¿villano? se cargaba a una veintena de Vengadores de un plumazo y en Los 4 Fantásticos leímos la trágica historia de Esfinge.

Eso hizo que desapareciera cualquier atisbo de duda antes de embarcarme en la compra y coleccionismo de cómics Marvel.

Aunque nunca hice ascos a los tebeos de otras editoriales como First, DC o Eagle, lo cierto es que sus ediciones fueron más bien escasas y erráticas y apenas podían competir con los tebeos de Marvel.

Sólo la llegada de la editorial Zinco, publicando el sello DC, me haría ser infiel a mi amada Marvel, abriéndome a todo un nuevo universo de maravillas que hoy en día sigo compaginando con los superheroes de mi infancia.

Cerrado por boda

2008-10-29T09:41:00.000+01:00

La de mi hermanito, no creáis.

A eso digo: ¡NO! (II)

2008-10-28T12:06:00.007+01:00

¿Cuándo se enterará la gente que hasta que no se emita en formato 16:9 para ver la televisión en condiciones hay que configurar bien la pantalla de sus televisores panorámicos?

Así sí. La imagen mantiene sus proporciones correctas sacrificando los laterales.

Así no. La imagen se ve aplanada ¿a tí te parece normal ver la tele de esta manera?

Así tampoco. La imagen expandida no se deforma pero cortamos
por arriba y por abajo, ¿no ves que no aparecen rótulos ni subtítulos?

El cine en casa.

2008-10-28T11:41:00.013+01:00

No, no voy a hablar de los sistemas Home Cinema sino de series de televisión.

Y es que, hoy por hoy, el mejor cine se hace en forma de teleseries.

Debemos remontarnos a 1981, año del estreno de una serie mítica Hill Street Blues, título que es un juego de palabras intraducible entre el color del uniforme de los policías y blue como estado de ánimo (triste).

Creada por Steven Bochco y Michael Kozoll supuso, no sólo una renovación de las series policíacas sino de la estructura de las propias teleseries hasta ese momento.

Aunque series como El Fugitivo o El Prisionero ya habían presentado tramas continuadas entre episodios, sí es cierto que estas quedaban diluidas en episodios autoconclusivos. Generalmente las series de la época, especialmente las policíacas (Starsky y Hutch, McCloud, Colombo, Kojak...) presentaban un caso por episodio y su relevancia en posteriores capítulos era nula. Los personajes eran más bien estáticos y apenas había una evolución o tramas personales complejas.

Hill Street rompió con todo eso, a pesar de que cada episodio transcurría en un único día (era común empezar pasando revista a los casos del día y terminar, de noche, generalmente en casa del capitán Furillo) las historias continuaban incluso a lo largo de varios episodios, los protagonistas tenían problemas personales que arrastraban incluso a lo largo de toda la temporada y se apreciaban cambios y evoluciones en su personalidad.

Era el comienzo de las series-río en las que la serie en si no era sino un enorme film de varias horas de duración.

Steven Bochco repetiría el sistema en La ley de los Ángeles donde colaboraría con otro grande de la televisión David E. Kelley que copiaría su formula en series como El abogado o Boston Legal.

Ya en tiempos más cercanos otra serie revolucionaría la forma de entender la televisión: Los Soprano, pero antes existiría otra serie que le abonaría el camino: Doctor en Alaska.

Si bien Doctor en Alaska fue creada por Joshua Brand y John Falsey, uno de sus principales guionistas fue David Chase. Aunque no se trata exactamente de una serie-río sí que se centra en las vivencias personales de una gran diversidad de personajes en los que, como en la vida misma, se aprecian cambios y una cierta evolución. Sin embargo las historias suelen ser autoconclusivas y las tramas personales no marcan tanto el tono de la serie.

Finalizada la serie, un tanto precipitadamente tras el cambio del protagonista principal en su última temporada, David Chase presenta un nuevo proyecto a las televisiones.

Dado que la serie se ambienta en el mundo de la mafia y tiene un importante contenido de violencia y sexo recaba en el canal por cable HBO, un canal de pago de menor difusión pero menos ceñido a la autocensura de los canales generalistas.

Y así nace Los Soprano la historia de una familia de mafiosos de bajo nivel.

Los Soprano sólo puede concebirse como un largometraje de 70 horas de duración. Los episodios raramente se pueden considerar autoconclusivos e incluso las temporadas suelen tener finales más bien anticlimáticos que no cierran tramas abiertas. Sólo un visionado continuo de sus seis temporadas (o siete si consideramos que la sexta está dividida en dos partes) nos dan una visión de conjunto de toda la serie y la cierran como si de una enorme película se tratara.

HBO repitió éxito con A dos metros bajo tierra, serie en la que nuevamente presentaba a una familia, esta vez dueños de una funeraria. Si bien en cada episodio se nos presenta una nueva situación (una muerte y el consiguiente entierro), estos son meramente accesorios y apenas sirven como anécdota a lo que realmente trata la serie: la muerte y cómo afecta a nuestras vidas. Nuevamente tenemos una serie en la que las relaciones interpersonales son la verdadera razón de ser hasta llegar a un episodio final con uno de los más hermosos finales que ha visto un servidor.

La cadena HBO puede presumir de haber creado algunas de las mejores y más importantes series y miniseries de los últimos años: Hermanos de Sangre, Epitafios, Roma (junto a la británica BBC y la RAI italiana en la producción), Deadwood, Sexo en Nueva York, Larry David, OZ, The Wire, Ángeles en América, Carnivale y Big Love. Todas ellas con una calidad muy por encima de la media.

Pero, ¿a qué es debido todo esto? ¿porqué hoy en día la televisión ofrece productos de mayor calidad e interés que el cine?

Para ello nos debemos remontar a 1988 y la huelga de guionistas, con John Patrick Shanley, escritor del guión de Hechizo de Luna como uno de los promotores, los guionistas reivindicaron una mayor tajada en los beneficios de las películas y, sobre todo, ser más destacados como creadores y no ver que un guión suyo se convirtiera en “Una película de... el director de turno”.

El acuerdo llegaría pero se produjo un efecto dominó que propiciaría el paso de diversos escritores a la televisión.

En las series de televisión el trabajo del director es más bien anodino, el poco tiempo de los rodajes entre capítulos y la férrea estructura televisiva con un montaje más bien esquemático y poco dado a las florituras hace que su labor quede más bien escondida. No es raro que muchos actores den su primer paso detrás de las cámaras dirigiendo episodios de las series que protagonizan (u otras como Laura Innes actriz de Urgencias y directora de episodios de House) y tampoco que directores venidos a menos como Emilio Estevez, Mario Van Peebles o Deran Serafian acaben su carrera como directores de teleseries. Curiosamente dos actores de Canción triste de Hill Street, Charles Haid (Renko) y Betty Thomas (Lucy) son ahora habituales directores de series de televisión. También resulta significativo encontrar a un director como Juan Jose Campanella, director argentino de películas como Luna de Avellaneda, El hijo de la novia o El niño que gritó puta o la serie de producción española Vientos de Agua tras las cámaras en series como House o Rockefeller Plaza.

Por contra los guionistas tienen mucho más reconocimiento en televisión donde el rótulo “Creado por..” suele acompañar a su nombre, dirigen los equipos de guionistas y llevan el timón de la serie a donde ellos desean... siempre que no topen con la productora o los índices de audiencia.

Así se ha provocado un exilio masivo de escritores del cine a la televisión, lugar donde obtienen mayor reconocimiento, mejores sueldos y mayor libertad creativa y donde no tienen que pelear contra el ego de directores que destrozan sus escritos hasta hacerlos irreconocibles.

Tampoco nos engañemos, no toda la televisión que se produce en Estados Unidos es tan maravillosa, la telebasura alcanza unas cotas que nosotros, todavía, no hemos alcanzado y las series aparecen y desaparecen como setas. Aquí nos llegan, la mayoría, tras pasar la criba crítica de los espectadores americanos y sus índices de audiencia, pero también tienen sus teleseries infumables, series canceladas a los dos episodios o aquellas dirigidas a un público difícilmente trasladable fuera de sus fronteras.

¿Y en España? Pues salvo honrosas excepciones seguimos con nuestras Aida, Escenas de Matrimonio y Física y Química. Los tiempos de Anillos de Oro o Turno de Oficio han quedado muy atrás y, aparte de copiar fórmulas americanas como con Hospital Central (Urgencias), El Comisario (Hill Street Blues), Un Paso Adelante (Fama), Cuentame Cómo Paso (Aquellos Maravillosos Años), Periodistas (Lou Grant), MIR (Anatomía de Grey), RIS Científica (C.S.I) o Ana y los siete (The Nanny), pocas series pueden hacer sombra, en calidad, originalidad o presupuesto a las series yankies.

A eso digo: ¡NO! (I)

2008-10-27T13:09:00.004+01:00

¿Se han planteado alguna vez los supermercados poner toma de tierra a los carritos de la compra?

¡Atención emprendedores! He ahí una oportunidad de negocio.

Caramales y cocretas

2008-10-27T10:14:00.011+01:00

Hasta hace poco todos pensábamos que eso de la restauración era un periodo histórico o arreglar cuadros estropeados, pero de un tiempo a esta parte hemos descubierto que se trata de algo relacionado con los restaurantes.

El mundo de la restauración tienen una variedad sin límites que van desde los precios astronómicos a los menús de comida rápida.

Resulta curioso que con la llegada de la Nouvelle Cuisine el placer de comer se ha convertido en una experiencia más cercana a la arqueología que a eso de matar el gusanillo.

Adentrarse en la nueva cocina implica desentrañar los misterios más arcanos para descifrar qué demonios es eso que estamos comiendo. Comprender que los sabores que degustamos no tienen por qué estar relacionados con el aspecto de lo que comemos y saber descubrir qué cubierto es el más adecuado para cada plato.

Unos platos en los que la proporción Tamaño de Plato-Cantidad de Alimento es de 100 a 1 y en los que, por arte de misteriosos métodos alquímicos, una tortilla que se ha quedado corta de huevo y, encima, este no ha cuajado bien, se convierte en una Tortilla Deconstruida.

Donde descubrimos que esa “Sorpresa de ensalada” se trata de una hoja de lechuga, una de col, una rodaja de tomate y unas extrañas hierbas y ramitas y que la sorpresa viene después cuando pides la cuenta.

Una cocina en la que términos como “espuma”, “licuado”, “trufado”, o “caramelizado” son la norma y con la cual conseguiremos mantener la linea adelgazando al mismo ritmo que nuestra cartera.

Espuma de delicia trufada y caramelizada servida en plato de ducha

Luego entraríamos en esa otra categoría de restaurantes denominados Asadores.

Asociados a domingueros y excursiones por la diversa geografía española son la excusa perfecta para recuperar esos kilitos que podamos haber perdido tras una mañana de paseo por un “pueblecito precioso que me ha recomendado ver un amigo”.

Decir “asador” es lo mismo que decir “carnaza”, unos platos en donde la carne a la brasa debe llenar nuestro plato hasta decir basta, unos platos en los que las patatas asadas nunca deben faltar y que siempre acompañaremos con una ensalada “para no engordar”. Siempre puede haber algún despistado que pregunte si hay algún pescado en el menú pero sólo obtendremos una mirada asesina del camarero acompañada de un “lo siento pero ya se nos ha acabado”.

Toda buena comida en un asador debe estar regada abundantemente por un vino de la casa todo lo cual nos dará el trinomio digestión pesada-alcohol-sueño que tantos y tantos accidentes provocan los fines de semana.

Después tenemos los restaurantes con Menu a la Carta, elaboradas cartas con páginas y páginas de una variada selección de pastas, carnes y pescados a precios astronómicos que harán que, finalmente y tras evaluar nuestra cuenta corriente, nos decidamos por una ensalada “para compartir” y el plato de carne más económico de toda la carta. Cosa que tendría su buen resultado si no fuera por la temible carta de postres que provocará que el resto del mes comamos de menú cutre hasta la siguiente paga cuya llegada celebraremos con una nueva visita al restaurante y vuelta a empezar.

Ahora vienen los maravillosos restaurantes de Menu del Día, sitios llenos de obreros de la construcción y camioneros donde podremos elegir entre varios primeros y segundos, vino o agua y postre o café por un precio módico generalmente inferior a los 10 euros. La cocina de estos restaurantes es de lo más variada, podemos elegir entre salado o muy salado, grasiento o aceitoso y, con suerte, podremos elegir entre patatas o ensalada de acompañamiento a carnes y pescados. Todo ello en cantidades industriales y regado con vino de mesa y Casera. Si eres camionero o albañil no debe faltar la copa de orujo antes de echar mano al volante o subir al andamio.

Yo, gaspacho y pollo ala jillo

Pero no nos confundamos, dentro de los restaurantes de Menú del Día aún hay clases y podemos encontrar sutiles diferencias que nos darán idea de su categoría. Podemos encontrar servilleta y mantel de tela o de papel, mesa sólo con cubiertos o con platos que se nos retiran con cada nuevo plato del menú, cubiertos que debemos reutilizar desde el primer plato hasta el postre o que nos son retirados con cada nueva incorporación y hasta, si sabemos buscar, lograremos encontrar restaurantes en los que postre y café no incrementen el precio final.

Son restaurantes entrañables en los que he encontrado momentos antológicos como aquel en el que tu mismo tenías que ponerte la mesa cogiendo mantel, cubiertos y servilletas de un montón o aquel otro en el que encontré un día un pelo de gamba en las natillas y otro un tornillo tras lo cual, tras preguntar al camarero cómo era posible que hubiera un tornillo en las natillas me contestó, estoico él, con un “es que estamos de obra en la cocina”.

Los restaurantes de Menu del Día ofrecen la misma opción los fines de semana con la salvedad que estos días nos los encontramos llenos de familias y turistas y el precio se ve incrementado en un 25%.

También están los restaurantes internacionales en los que latinoamericanos, turcos, italianos y asiáticos son los reyes. Comida con toques exóticos y étnicos a buen precio de la que renegaremos a los pocos meses de ir siempre a los mismos sitios.

Los restaurantes internacionales se dividen en dos categorías: los de “me he puesto como el Kiko” o los de “lo malo es que esto llena pero en una hora vuelves a tener hambre”.

Suelen ser la opción ideal para ir a cenar ya que sus precios suelen ser bastante asequibles, admiten grupos de muchos comensales y cierran tarde.

Tenemos también los restaurantes de comida rápida, lugares donde, tras guardar una larga cola y ser atendido por un pobre estudiante que cobra el salario mínimo nos sirven una pizza o hamburguesa reseca y medio fría acompañada de unas patatas de las congeladas más bien blandurrias y un refresco aguado con doscientos cubitos de hielo.

Y finalmente encontramos la joya de la corona, los bares de tapas o raciones. Aquí tenemos enormes listados de suculentos platos y bocadillos repletos de grasa y calorías. Cocinados en freidoras cuyo aceite pasa de estado líquido a sólido cuando se enfría y planchas ennegrecidas de las que se retiran los restos carbonizados del plato anterior a golpe de espátula y cortafrios. Deliciosas variedades de raciones que van desde las patatas bravas que en realidad son patatas fritas con una salsa obtenida a base de mezclar ketchup y tabasco a exquisitos calamares y croquetas congelados antes y después de fritos. El elixir adecuado para degustar tan delicados platos suele ser el mini de cerveza o la sangría y es el acompañamiento perfecto antes de una noche de botellón. Todo ello servido por camareros que rozan la tercera edad que anuncian a cocina el pedido a grito de “una de caramales y otra de cocretas”.

Ración de "caramales". Obsérvese la delicada colocación de cada pieza en la forma conocida como "que parezca que hay más".

Y es que, como en casa de mamá, en ningún sitio.

Watchmen: ¿Quién vigila a los vigilantes?

2008-10-26T20:46:00.004+01:00

Escribir a estas alturas algo original sobre Watchmen es tan inútil como hacerlo sobre El Quijote. Desde su publicación hace ya más de 20 años han corrido ríos de tinta sobre este cómic y ha sido analizado y exprimido al máximo. Así que abordaré este texto desde mis recuerdos, sensaciones y un batiburrillo de todo lo que he leído sobre esta gran obra.

Huelga decir que si no sois aficionados al cómic en este tebeo encontrareis motivos más que suficientes para tener en vuestras manos una de las obras cumbres del género. Algunas listas de esas a las que son tan aficionados los americanos lo han situado entre los 100 mejores textos de habla inglesa desde 1923. ¿Exagerado? Leed y juzgad.

-Un poquito de historia.

En Estados Unidos dos son las editoriales más importantes de cómics: Marvel y DC. Centradas en los superheroes principalmente han dominado el mercado desde mediados de los 60. Ha habido muchas otras editoriales y, en la actualidad, varias sobreviven muy dignamente en el mercado (Image y Dark Horse principalmente).

Pero muchas cayeron por el camino, una de ellas, Fawcett, madre del inolvidable Capitán Marvel (Shazam! para los amigos) sucumbió a diversos pleitos con DC por plagio y, finalmente, tuvo que vender los derechos de sus personajes para sobrellevar la ruina.

Otra de ellas, Charlton, sufrió similar suerte. Fundamentada principalmente en los trabajos de Steve Ditko tras su marcha de Marvel tras alzar a Spiderman, no sobrevivió al acoso de las dos grandes y también acabó vendiendo los derechos de sus personajes a DC.

DC se encontró con varios personajes sin demasiado interés pero con la obligación de publicar algo con ellos o perdería los derechos sobre ellos.

Y así nace el proyecto de Watchmen. Alan Moore, guionista británico que trabajaba en ese momento en la editorial llevando a la gloria a La Cosa del Pantano fue el autor elegido. Su proyecto pretendía una actualización de los personajes de Charlton. Sin embargo DC cambió de planes y decidió su integración en el universo superheróico de la editorial lo cual no encajaba con la idea de Moore de la historia.

Así nacerían las series (y miniseries) de Capitán Átomo, Question y Peacemaker y tanto Blue Bettle como Nightshade pasarían a formar parte de La Liga de la Justicia y el Escuadrón Suicida respectivamente.

Por su parte Moore tomaría elementos de dichos personajes dando lugar a Dr. Manhattan (Capitán Átomo), Rorschach (Question), Búho Nocturno (Blue Beetle), El Comediante (Peacemaker), Espectro de Seda (Nightshade con toques de Lady Phantom y Canario Negro) y Ozimandias (Thunderbolt)

Los Minutemen de Watchmen...

...y los heroes de Charlton ¿quién es quién?

-La historia.

Watchmen no es una historia de superheroes, excepto Dr. Manhattan ningún personaje tiene poderes extraordinarios. Es un drama con elementos de policíaco y ciencia-ficción sobre unos antiguos héroes en su peor momento tras ser prohibidas sus actividades.

Watchmen nos sitúa en una ucronía en la que Nixon no sucumbió al caso Watergate, Estados Unidos ganó la guerra de Vietnam (gracias a la intervención de los Minute Men) y la guerra fría está en su momento más tenso. Sólo Dr. Manhattan y El Comediante permanecen activos trabajando para el gobierno, Ozimandias es un empresario que vive aislado del mundo, Rorschach, desquiciado, actúa en la clandestinidad, Espectro de Seda vive con un Dr. Manhattan que ha perdido todo atisbo de humanidad y Búho Nocturno sufre la decadencia de quién vivió momentos gloriosos.

La historia se inicia con el asesinato de Edward Blake, la investigación de Rorschach nos descubre que se trata de El Comediante y pronto se verá envuelto en una intriga que le llevará a prisión. Mientras que los personajes van descubriendo detalles de su pasado descubriremos que todo forma parte de una gran conspiración para “salvar el mundo” y la mano tras todo ello.

-Estructura.

Watchmen tiene múltiples niveles de lectura y diversos detalles y recovecos a descubrir. Continuos flashback nos van situando en una historia que comienza abruptamente sin puntos de referencia para el lector. Hay un número en el que descubrimos que Dr. Manhattan no percibe el tiempo de modo lineal y que está narrado sin referencias temporales saltando del pasado hasta el futuro del mismo modo que el personaje ve el mundo. Otro, titulado”Aterradora simetría” está dibujado de tal modo que la disposición de viñetas de cada página es simétrica a su opuesta (la primera de la última, la segunda de la penúltima...). En la trama se inserta un cómic de piratas que lee un chico y Moore se las ingenia para que situaciones y diálogos se integren a la historia principal al mismo tiempo que la historia se convierte en una analogía de uno de los personajes y su destino final.

Aterradora simetría.

Hay multitud de citas y referencias a obras literarias, canciones, series de televisión; diversas obsesiones y guiños como los relojes, la letra X y las simetrías, la seta nuclear o el célebre Smiley y cada número concluye con varios textos de prosa que van desde diarios, extractos de (ficticias) novelas, informes policíacos e incluso un ensayo sobre... los búhos. Todos aportan información relevante y complementaria formando un todo.

Diversos smileys repartidos en la obra.

-Los autores.

Alan Moore es Dios. El mejor guionista de cómics de todos los tiempos. Autor de V de Vendetta, From Hell, La Liga de los Caballeros Extraordinarios (olvidad las películas), Top Ten, Capitán Britania, La Cosa del Pantano, Promethea o Miracleman es considerado el más importante autor de cómics de todos los tiempos, referente del cómic adulto, imaginativo, divertido (no olvidemos Dr & Quich o sus historias de paradojas temporales) y genio sin paliativos. Amén de un tipo extraño y curioso, aficionado a la magia (en el sentido místico, no ilusionista) y a las performances.

Moore y señora, menuda parejita.

Dave Gibbons dibuja la historia, un dibujante limpio y competente pero sin grandes alardes que se pliega a los detalladísimos guiones de Moore (hablan de varios folios para describir una viñeta). Una elección adecuada que, sin embargo, es lo más deslucido en una obra que en manos de un Bolland, Alex Ross o Gene Ha hubiera alcanzado cotas aún mayores.

-Edición, recuerdos e impresiones.

En España, con algo de retraso, Watchmen fue editado por la tristemente desaparecida editorial Zinco. En nuestro país siempre ha habido una mayor disposición a editar cómics Marvel y las ediciones de DC han sido escasas, caóticas e irregulares. Por aquel entonces Zinco había tomado las riendas editoriales y la cosa no pintaba demasiado bien, publicaciones poco interesantes sin el menor contacto con el lector. Pero la llegada de Miguel G. Saavedra y Sergio Pradera (Sergi Gras) había cambiado la tendencia y la lógica parecía haber llegado. DC vivía su mejor momento creativo en décadas y los españoles podríamos disfrutarlo.

Una extraña publicidad inundó las contraportadas con la leyenda “¿Quién vigila a los vigilantes?” y pronto Watchmen llegó a los quioscos.

Reconozco que por aquel entonces no estaba preparado para lo que me encontré. Había leído maravillas sobre este cómic pero yo, acostumbrado a los sencillos héroes en mallas, no estaba preparado para aquél número uno: Un relato en el que, tras un crimen inicial, unos desconocidos personajes se dedicaban a hablar sobre el difunto y recordar un pasado común que desconocía por completo.

Tendrían que aparecer el resto de entregas para poder entender la historia y poder apreciarla como merecía. Y vaya si lo merecía. Pronto se convirtió en mi cómic favorito y cambiaría para siempre mi modo de ver el cómic abriéndome paso a nuevas lecturas más “profundas” como el cómic underground, europeo o independiente.

Desde entonces ha sido reeditado numerosas veces, por Glenat en una infumable edición “a la europea”, Norma Editorial y, hace poco, la edición “definitiva” por parte de Planeta en un monumental tomo, recoloreado y con numerosos extras.

Si no has vuelto a leer un cómic desde Mortadelo, si crees que los tebeos son para niños, si consideras que es un arte menor... ¡DEBES LEER WATCHMEN!

-La película.

Años llevábamos los aficionados esperando una adaptación a la pantalla entre espectación y temor. Tras la dura pugna de Terry Gilliam a sido finalmente Zack Snyder el que dará carne y hueso a los Minutemen.

Todo lo leído augura que, al menos en lo visual, se respetará la obra de Moore y visto los resultados de "300", la anterior película de Snyder y con Sin City como referente parece que no seremos decepcionados.

De momento ya tenemos algunas imágenes de los trajes y, aunque algunos no convencen demasiado, otros son exactamente igual que en el papel. Lástima de Ozimandias que pierde sus referentes egipcios por un traje "batmanizado".

Una de Zombies

2008-10-26T09:51:00.003+01:00

¿Cuántas horas al cabo del día pasas viendo la televisión?
¿Cuándo fue la última vez que cualquiera de nosotros de verdad hizo algo para conseguir lo que quería?
¿Cuánto tiempo ha pasado desde que cualquiera de nosotros necesitó algo de lo que quería?
El mundo que conocíamos ya no existe.
El mundo del comercio y las necesidades superfluas ha sido reemplazado por un mundo de supervivencia y responsabilidad. Una epidemia de proporciones apocalípticas ha barrido la Tierra haciendo que los muertos se levantes y se alimenten de los vivos.
En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable.
En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a empezar a vivir.

Con este texto de contraportada se presenta la serie "Los muertos vivientes" al público español.
Esta obra del guionista norteamericano Robert Kirkman ha supuesto toda una revolución a un subgénero de terror que parecía agotado y que, en cine, ha necesitado ser enfocado desde otros puntos de vista (virus, mutaciones, experimentos genéticos) para parecer renovado.

Robert Kirkman es un joven guionista que, desde hace pocos años, ha dado un soplo de aire fresco al género superheroico con su serie "Invencible", en la que presenta a un joven e inexperto superheroe que vendría a ser el hijo de Superman de otra realidad (más o menos).

Sin embargo la serie que más le ha encumbrado como autor ha sido "Los muertos vivientes".

Vaya por delante que no soy un gran fan de las películas de zombies (vi de pequeño "No profanar el sueño de los muertos" y sufrí un shock) y mucho menos de los relatos postapocalípticos en los que la humanidad queda embrutecida. Sin embargo con esta serie estoy disfrutando como nunca.

La serie comienza, curiosamente, casi igual que la película "28 días después": el protagonista, un policía que ha sido víctima de un tiroteo, despierta en una sala de hospital semanas después y descubre que todo el mundo se ha convertido en "muertos vivientes". Comenzará la busqueda de su familia y el intento de recuperar algo parecido a una vida.

Y es precisamente en esto en lo que se diferencia esta serie de otros relatos de zombies. Aquí no hay grandes enfrentamientos heroicos contra los zombies, no hay una lucha incesante por la supervivencia, no hay una búsqueda de los motivos de la plaga o de una posible cura.
Lo que se nos cuenta son los intentos de unas pocas personas por "seguir adelante" y encontrar un sentido a seguir vivos.

Los personajes son conscientes de que el mundo tal y como lo conocían ya no existe y, probablemente, nunca volverá a existir. No hay aspiraciones de que la plaga remita, al contrario, saben que tras su muerte serán uno más de esos monstruos que les acosan.

Así los protagonistas se enfrentan a sus miedos y miserias. Los celos, la violencia, el egoísmo, la crueldad o la venganza salen a la luz; pero también la bondad, la generosidad, el amor y la amistad.

Los zombies de esta serie son meros figurantes que se arrastran parsimoniosamente alrededor del verdadero peligro: la humanidad.

La historia no está exenta de momentos terroríficos pero, curiosamente, no suelen venir provocados por los zombies: el padre que mantiene a toda su familia, convertida en zombie, en un granero esperando una cura que nunca llegará. La madre desesperada que se suicida entregándose al abrazo de un zombie. El mejor amigo del protagonista sucumbiendo a los celos y la locura. La pareja de jóvenes amantes que pactan su muerte...

Robert Kirkman consigue su trabajo más redondo (y eso que su "Invencible" es de lo mejor del género hoy en día) apoyado por unos competentes dibujantes (mucho mejor el Tony Moore del primer tomo que el posterior Charlie Adlar) en un acertado blanco y negro.

Judd, Pedro y yo

2008-10-25T12:15:00.004+02:00

Desgraciadamente la edición de cómics Marvel en España siempre ha sido más regular y abundante que la de DC así que el nombre de Judd Winick no era demasiado conocido en nuestro país. Norma Editorial había publicado un puñado de historias escritas por él para Green Lanter y una estupenda trama en Green Arrow, para colmo su única serie en Marvel, Exiliados, no se publicaba en nuestro país (hablo de hace unos tres años). Cuando todas estas historias, aceptables pero nada excepcional para el género, fueron editadas algunos notamos una cierta fijación en el escritor: en todas ellas aparecía un personaje gay.

En mi ignorancia supuse que el propio guionista lo era y se trataba de su pequeño grano de arena por la causa de la aceptación. Pero no tardaría en darme cuenta de mi error. En todas sus biografías se hacía referencia a una obra escrita y dibujada por él que había recogido numerosos premios en la que relataba su amistad con Pedro Zamora, un joven gay al que conoció en circunstancias excepcionales.

La obra, a pesar de tanto premio y su innegable calidad, no había sido editada en castellano hasta este año y cuando la vi en el estante de mi librería favorita no dudé en añadirla a mi tocho de tíos en mallas.

La empecé a ojear y cuando me dí cuenta estaba absorto en su lectura. Hoy la he terminado y, emocionado, quiero recomendarla sin paliativos. Una de esas raras ocasiones en las que un cómic toca el alma del lector y le enriquece. Una obra con la que sacudir a todos aquellos que siguen empecinados en considerar que los tebeos son cosa de niños o un subproducto literario. Una joya.

“Pedro y yo” es un relato biográfico de dos personas Judd Winick y Pedro Zamora y cómo sus vidas quedarían unidas para siempre.

Judd conoció a Pedro en la tercera temporada del programa The Real World de MTV, una especie de Gran Hermano americano. Pedro, inmigrante cubano, tenía 22 años y era seropositivo desde los 17 años (¿podéis imaginarlo?), tras descubrir su enfermedad había abandonado todo para dedicarse al activismo dando conferencias sobre el sida.

Judd se enfrentará a estereotipos que creía no tener y trabará una amistad con Pedro que continuaría después de finalizar el programa.

En la actualidad Judd compatibiliza su carrera como guionista y dibujante con el activismo para informar sobre el sida y su prevención. Pedro ya no.

“Pedro y yo” no es una historia sobre el sida y la homosexualidad, es una historia sobre la amistad y el amor incondicional, sobre el dolor y la pérdida y sobre la vida y la muerte. Un emocionado relato sin aspavientos ni trucos.

Escrito en primera persona le acompaña un bonito dibujo, un tanto desproporcionado y caricaturesco pero enormemente expresivo.

Una historia que quizá, con suerte, nos haga mejores personas. Amar más la vida, a nosotros y a los demás.

Gracias Judd.
Y Gracias Pedro

Edita Astiberri

¡Va por ti, Sandra!

2008-10-24T08:58:00.004+02:00

Sandra Palo 1981-2003

Cuando te conocí ya destacabas, el viejo barrio de ciudad dormitorio donde vivía ya casi había olvidado la algarabía de los niños jugando en la calle. Pero dos niñas pequeñas de brillante pelo rubio no pasaban desapercibidas. Tú tenías ventaja respecto a tu hermana: tu risa, ay tu risa. Despertaba las sonrisas cómplices de unos vecinos que apenas recordaban la carcajada pura de un niño. Eras flaca y tus rodillas huesudas lucían costras, medallas conseguidas en tus juegos infantiles. Pero nunca te vi llorar, siempre alegre, siempre risueña.

La suerte estaba de tu parte, como cuando un terrible accidente sólo pudo dejar leves huellas en tu carita que ocultabas con un mechón de tu rubia cabellera. No habías perdido tu sonrisa, nunca la perdiste. Ni tu inocencia, que algunos dirían debida a un defecto, pero que era tu mayor virtud.

Un día te presentaste en mi casa, tu madre cotilleaba con la mía mientras que tu jugabas con mi hermana que, triplicándote en edad, parecía tan niña como tú desempolvando sus viejas muñecas. Pero es que tu alegría nos desarmaba y sacaba ese pequeño infante que la dura realidad había ocultado en nuestro corazón. Yo leía en mi habitación pero era difícil concentrarse, tu risa desviaba mi atención una y otra vez.

Vinieron más visitas y, luego, la vida me alejó del nido paterno. Nunca volví a verte.
Pasaron años hasta que volví a saber de ti. Mi madre me llamó un día y me dijo: ¿Te acuerdas de Sandra? Aquél día la suerte miraba a otro lado.

No creo en un cielo con ángeles, pero sé que el día que te fuiste nació uno.

Y todo esto... ¿para qué?

2008-10-24T07:46:00.003+02:00

Según parece la Blogosfera anda revolucionada, el fenómeno Blog ha tocado techo y, en lugar de aparecer como setas, su número decrece de forma alarmante. Blogs sigue habiendo a patadas pero más porque los servidores no los cierran que porque tengan alguna actividad real.

Hace años fueron los foros los que animaban la red, también los había de todos los tipos y generalmente se centraban en una temática concreta. Internet ponía los medios para que cualquiera con un mínimo de conocimientos sobre informática abriera su propio foro. Sin embargo su declive empezó con la llegada de los blogs.
El problema de los foros era que dependía en exceso de los usuarios, los administradores y moderadores, en ocasiones eran meros observadores de la actividad de los foreros. Los había más activos y solían abastecer a su foro de multitud de hilos en los que los usuarios pudieran opinar. Pero todo estaba supeditado a que los foreros aportaran su comentario o fomentaran el debate. Así, los foros con poca actividad eran facilmente olvidados y el usuario despistado que recababa en ellos huía en cuanto veía que la actividad era escasa ¿porqué añadir un comentario a un sitio donde nadie participa ya?

Con los blogs es diferente, es más un ejercicio de egolatría en el que el creador del blog vierte todo aquello que pasa por su cabeza, quizá como catarsis. Aunque hay blogs en los que no hay posibilidad de hacer comentarios y otros en los que el autor no participa en ellos (algo que me parece un tanto molesto, como si no quisiera bajarse de su pedestal para debatir con los que le leen), la mayoría aceptan comentarios lo que los asemeja a los foros.
Sin embargo lo que distingue a los comentarios de los blogs de los de los foros es su "caducidad", mientras que en los foros los temas se distribuyen en listados temáticos, subforos e hilos, en los blogs están asociados a cada entrada. En un foro tu puedes ver de un vistazo todos los temas que se debaten y elegir en cuál quieres participar independientemente de la fecha en que se pusieron, con los blogs se suelen comentar las entradas a medida que aparecen y, aunque hay gente que al descubrir un blog se pasea por todas las entradas y comenta unas u otras, por lo general se prefiere comentar las últimas ya que las anteriores parecen "antiguas".

Esto hace que un blog requiera mucho más trabajo y mimo que un foro, en un foro a medida que crece ofrece más hilos a un público potencial, con un blog si tu última entrada es de hace meses estás muerto.

También parece que otro de los motivos de la caída de los blogs es el crecimiento de las redes sociales, resulta significativo que a medida que las personas nos hacemos más reservadas y nos comunicamos menos con nuestros congéneres, por contra busquemos en la red cómo socializar con los demás creando grupos de amigos virtuales.

Así con todo, ¿qué puede motivar a un servidor a meterse en esta aventura?

En mi caso los motivos son varios, por un lado siempre me ha gustado escribir pero nunca he tenido la disciplina adecuada para hacerlo con regularidad. Por otro lado hace años tuve un foro dedicado a cine y cómic principalmente y, por los motivos que he señalado atrás, tuve que dejarlo. Allí publiqué varios textos que sólo permanecen en mi disco duro y que me gustaría rescatar. También he participado muy activamente en otro foro recientemente y poco a poco me he ido dando cuenta que echaba de menos esto de escribir.

Bueno, y también como ejercicio de egolatría y catarsis.

Así espero poder mantener este blog por el máximo de tiempo, mientras tenga algo que contar, cosas que sacarme de la cabeza o que desee compartir.

Por vuestra parte no pido nada, no me voy a preocupar por el número de visitas o comentarios y estos no van a hacer peligrar la continuidad del blog. Sí, hay un contador de visitas pero no me voy a agobiar por ello.

Al que quiera comentar algo que lo haga, tengo poca tolerancia a los trolls y tampoco voy a entrar en debates estériles por lo que sean meras opiniones mías, pero sí que me interesa saber vuestra opinión sobre lo escrito.

He visto blogs que crecían y evolucionaban pareciéndose poco a lo que eran en un principio y me parece genial, no quiero restringirme a un tema en concreto y, aunque hablaré mucho de cine, TV y cómics también quiero poder expresarme libremente.

Espero que os guste y, si no es así, ahí tenéis los comentarios para expresaros.

Películas lentas.

2008-10-23T14:29:00.000+02:00

De vez en cuando oigo decir a la gente: "Vaya rollo de peli. Es lentiiiiisima".
Esta expresión me hace mucha gracia, no hay películas malas por ser lentas, sólo espectadores impacientes y mal acostumbrados.

Desgraciadamente el cine actual (y no hablo sólo del cine de acción y otros géneros) ha mal acostumbrado al espectador a base de la estética del video-clip y del zapping, en la que a base de un montaje sincopado y continuos movimientos de cámara pretender dar la impresión de que ocurren muchas cosas cuando realmente apenas pasa nada.
Voy a poner un ejemplo: Imaginemos la típica escena del duelo en el salvaje oeste. Tenemos al forajido y al sheriff frente a frente. Ambos desenfundan y el sheriff abate al malo.

En un film de factura clásica (no necesariamente ha de ser antiguo, existen directores modernos con estilos clásicos) se vería un plano general de ambos contendientes. Un primer plano de las caras de ambos y otro plano general de varios segundos hasta que ambos sacan el arma y el malo cae.

En un film de factura moderna se vería un plano general de ambos, un primer plano de sus caras, un plano detalle de sus cartucheras, un plano en el que los dos calientan dedos, un plano detalle de sus ojos, un plano detalle de sus bocas tensas, un plano detalle de una gota de sudor que cae, dos planos casi simultaneo de sus manos desenfundando, un plano detalle del fogonazo del disparo, un plano de las caras de ambos con cara de póquer, un plano detalle en el que se ve una mano echarse a una herida mortal, un plano detalle de unos ojos de sorpresa y finalmente caer al malo en ralentí.

La primera secuencia dura 20 segundos, la segunda 3 minutos. Pero el espectador mal acostumbrado dirá que la primera es más larga y se hace lenta.

Repito que esto es por la nueva estética del zapping, contar lo mismo (generalmente menos) en el máximo tiempo y que parezca lo contrario.

Otras veces la gente critica algunas películas por lentas, ya que según ellos "no pasa nada en tres horas".

Por citar un caso pondré de ejemplo la película "Lo que queda del día". Yo aún recuerdo a gente diciendo exactamente esa frase al fin de la proyección.
Resumiré el argumento (que conste que hace más de 10 años que la ví por última vez y sólo la he visto 2 veces, la primera en el cine):
La película nos cuenta la historia de un mayordomo (Anthony Hopkins) y un ama de llaves (Emma Thompson) a lo largo de más de 20 años, en los que ambos (él por su estricta educación sobre guardar las apariencias y esconder los propios sentimientos, ella porque espera que él reaccione contra sí mismo) se niegan el amor que se profesan hasta que el destino les separa finalmente. Además se nos narra las diferentes situaciones a las que debe enfrentarse el mayordomo al estar su propio padre bajo su cargo con una más que apreciable falta de capacidad por una enfermedad que le llevará a la muerte. Y la historia de su "Amo" que se ve tentado por el espíritu del incipiente nazismo en Europa y que le llevará a un final indigno.

La película tiene momentos memorables, como cuando el ama de llaves encuentra al mayordomo leyendo un libro que luego intenta esconder, ella bromea y se burla pensando que es una novela "verde" para luego descubrir que es una novelucha de amor (con lo cual se dá cuenta que bajo su inexpresiva fachada yace un corazón sensible y ávido de amor ¡toma ya frasecita!). O aquella otra secuencia cuando tras una caída deben llevarse al padre del mayordomo a su habitación y este permanece impasible mientras atiende una cena de su amo con todo tipo de nazis, y cómo continúa incluso cuando le notifican que su padre ha muerto.

Vamos, que no se cuenta nada en tres horas.

El problema es que la gente tiende ha estar acostumbrada a historias ligeras sin apenas argumento pero con una fachada rimbombante y olvida lo que es ver una historia que realmente nos haga pensar y sobre todo SENTIR.

Debemos aprender a ver películas no solo por lo que nos cuenten sino por lo que nos hagan sentir.
No todas las películas que la gente tacha de lentas cuentan grandes historias, también están las que sólo pretenden hacernos sentir cosas (dolor, alegría, tristeza, ira).

Una película como "París, Texas", que dura casi tres horas, en las que apenas hay diálogos, en la que realmente no pasan muchas cosas. Es un pequeño clásico moderno. El motivo: durante todo el metraje el espectador se pregunta qué le ocurrió al protagonista para acabar vestido con un traje, medio muerto, mudo y prácticamente autista en medio del desierto. La historia avanza a base de pequeñas revelaciones o detalles (o incógnitas sin desvelar) pero en una avalancha de sentimientos (dolor, culpa, comprensión y finalmente perdón).

Tampoco hay que remontarse a tochos de James Ivory o Wim Wenders, baste con revisar cualquier clásico (desde "Casablanca" o "Ciudadano Kane" a "Gilda" o "Retorno al pasado"), para darse cuenta que el RITMO de dichos films nada tiene que ver con el de las películas actuales, y acusarlas de malas por tener un ritmo más pausado es algo erroneo, una película lenta puede ser buena o mala, pero no será mala por ser lenta sino por su calidad.

Mi consejo: revisitar los clásicos, ver las películas con el corazón y la cabeza, no sólo con los ojos e intentar comprender qué ha querido decir el director con esta o aquella secuencia que no hay quién entienda.

Presentación

2008-10-23T12:34:00.001+02:00

Pues ya está liada.
Aquí estoy en esta mi primera experiencia en el mundo de los blogs.

¿Qué voy a ofrecer? Nada con lo que combatir a los miles de blogs que pululan por la red. Sólo yo, mis filias y fobias y la intención de que esto no decaiga y pronto adquiera su propia personalidad.

Dada mi afición al cine y el cómic es probable que tengais que soportar mis comentarios habitualmente sobre películas o tebeos. También mis quejas sobre esto y aquello. Pero, sobre todo, intentaré que esto os sea lo más soportable posible. Que el humor prevalezca, que la vida ya es bastante sórdida. Y que vuestros comentarios enriquezcan el blog.

No dudéis en escribir y, si queréis que un texto vuestro aparezca en el blog, mandadlo a mi mail que si lo merece, aparecerá como firma invitada.

Os espero.